Lee Miller, con un casco prestado por el fotógrafo del ejército estadounidense Don Sykes (sargento), Normandía, Francia, 1944

© LEE MILLER ARCHIVES

Cuando pensamos en la Segunda Guerra Mundial, es difícil imaginar que en medio del caos y la devastación hubo una mujer que, cámara en mano, capturó algunos de los momentos más crudos y reveladores del conflicto. También los más bellos, descubriendo una nueva faceta más auténtica de las personas que trabajaban en el frente. Lee Miller, una de las fotógrafas más audaces del siglo XX, llega a Barcelona con la exposición Crónicas de Guerra, que podrá visitarse en FotoNostrum hasta el 20 de marzo de 2025.

Antes de convertirse en corresponsal de guerra, Lee Miller fue modelo de alta costura en Nueva York, musa de grandes artistas como Man Ray, e incluso pionera en la experimentación fotográfica con la técnica de la solarización. Sin embargo, su espíritu inquieto la llevó a reinventarse una y otra vez. Fue en Londres, durante los bombardeos de la Luftwaffe, donde encontró su verdadera vocación: contar la historia con su lente.

Foto del reencuentro de Picasso y Lee Miller en 1944 tras la liberación de París. Ella llegó como reportera con el Ejército de los EE UU© LEE MILLER ARCHIVES

La exposición

Crónicas de Guerra reúne 124 fotografías, centradas en el periodo de 1940 a 1947, que recorren la trayectoria de Miller como corresponsal de guerra del ejército estadounidense. Su objetivo captó la liberación de París, los campos de concentración de Buchenwald y Dachau, y las cicatrices de Europa tras el Día D. Sus imágenes son crudas, conmovedoras y, sobre todo, necesarias para entender el impacto de la guerra.

Miller no solo documentó la historia, también la vivió en primera persona. Destacan imágenes de esa cercanía como la icónica imagen de Lee Miller en la bañera de Hitler en Múnich el mismo día en que el líder nazi se suicidó, o un cálido encuentro durante la liberación de París en 1944, donde se encontró con Pablo Picasso, con quien tenía una relación de amistad. “¡Es increíble que el primer soldado que veo tras la liberación sea una mujer, y que además seas tú!”, le exclamó el artista malagueño. Retratos íntimos que Lee Miller también compartió con Miró.

La exposición también nos muestra su faceta más versátil, con algunas de sus icónicas fotografías de moda que retratan a la mujer en los años 40, cuando comenzó a incorporarse al mundo laboral en las fábricas, demostrando que la estética y el drama pueden convivir en una misma obra.

Después de la guerra, Lee Miller encontró la tranquilidad en la cocina, convirtiéndose en una innovadora culinaria inspirada por el surrealismo.

Un legado familiar

La exposición también cuenta con la participación de Antony Penrose, hijo de Lee Miller y del artista surrealista Roland Penrose, quien asistió a la inauguración. Antony, reconocido cineasta, escritor y curador, ha dedicado su vida a preservar el legado de su madre a través de los Archivos Lee Miller y la Colección Penrose. Su hijo descubrió el legado de su madre cuando esta falleció. En el desván aparecieron 40.000 fotografías que retrataban el horror de la Gran Guerra y que su madre había silenciado por el trauma psicológico que le llevó al alcoholismo y la depresión. “No tenía idea de este pasado de mi madre; mi visión sobre ella cambió por completo”, confiesa Penrose. Gracias a su incansable trabajo, las imágenes de Miller han sido exhibidas en museos de todo el mundo, permitiendo que nuevas generaciones descubran su importancia en la historia de la fotografía y el arte.

Junto a su hija Ami Bouhassane, codirectora de Farleys House & Gallery Ltd., Antony ha trabajado en la difusión de la obra de Miller, asegurando que su historia continúe inspirando a futuros artistas y fotógrafos. Ambos aportan un testimonio único y cercano que enriquece la exposición, ofreciendo una mirada personal a la vida y obra de esta legendaria fotógrafa.

Una vida de cine

Coincidiendo con la exposición, el 7 de marzo de 2025 se estrenará en España la película Lee Miller, protagonizada por Kate Winslet y dirigida por Ellen Kuras. El largometraje profundiza en la vida de esta extraordinaria mujer, explorando los desafíos que enfrentó en un mundo dominado por hombres. La interpretación de Winslet ha sido ampliamente elogiada, ofreciendo una nueva perspectiva sobre la compleja personalidad de Miller. De hecho, en la exposición la propia Winslet rememora varias escenas del rodaje que han intentado mantener la esencia de las fotografías de Lee Miller.

Lee Miller fue mucho más que una testigo de la historia: fue una protagonista que supo plasmar la belleza y el horror en igual medida. Ahora, Barcelona tiene la oportunidad de redescubrirla. La exposición estará disponible en FotoNostrum, en la calle Diputació, 48 de Barcelona, y promete ser una experiencia imprescindible para los amantes de la fotografía y la historia. ¡Totalmente recomendable!

Fotos cedidas por Pirelli

La belleza femenina ha experimentado un cambio histórico en su concepción y representación a lo largo del tiempo, y en especial en el último medio siglo. Si hablamos de la belleza retratada, el famoso calendario Pirelli se ha convertido en un reflejo palpable de esta transformación al ser un objeto cotidiano que ha desempeñado un papel importante en la representación de la mujer en el mundo de la moda y la fotografía.

Conocido por sus imágenes icónicas y sensuales que decoraban en sus inicios talleres mecánicos, garajes o cabinas de camión, el calendario Pirelli ha evolucionado con el paso del tiempo para reflejar los cambios sociales y culturales en la percepción de la feminidad y el empoderamiento de la mujer. Ahora, la galería FotoNostrum de Barcelona deja al descubierto esta evolución al presentar la mayor retrospectiva jamás realizada del icónico almanaque de la reconocida firma de neumáticos.

La belleza narrada por los mejores fotógrafos

Bajo el título de ‘L’Eterna Bellezza’, la muestra exhibe más de 450 instantáneas capturadas por 41 maestros de la fotografía de moda, quienes han contribuido a hacer del Calendario Pirelli una leyenda en el mundo del arte fotográfico. Maestros como Peter Lindbergh, Annie Leibovitz, Helmut Newton, Herb Ritts, Paolo Roversi, Mario Testino, Steve McCurry, Bruce Weber, Patrick Demarchelier y Richard Avedon, entre otros, retratan a lo largo de los años la sensualidad de las mujeres, entre las que se encuentran modelos como Gisele Bündchen, Naomi Campbell, Cindy Crawford, Gigi Hadid y Kate Moss; actrices como Monica Bellucci, Sofia Loren, Laetitia Casta, Jessica Chastain, Penélope Cruz, Uma Thurman, Kate Winslet y Robin Wright, y cantantes como Cher, Rosalía y Patti Smith.

Más allá de la sensualidad que se hace evidente en algunos casos a través de la desnudez del cuerpo, lo que llama la atención de la exposición es el cambio de la mirada. En este sentido, ‘L’Eterna Bellezza’, amparada por Amadeo M. Turello, comisario italiano y conservador de la Colección Pirelli desde 2015, no ha querido obviar todas las etapas del calendario Pirelli, desde sus inicios en 1964 hasta 2022, a través de imágenes que muestran desde desnudos donde el cuerpo de las modelos se presenta de forma explícita como un reclamo publicitario, así como otras imágenes más evocadoras con mensajes de reivindicación del poder femenino, que van más allá del mero erotismo.

Las imágenes que se muestran no solo desvelan la poética de autores individuales sobre el cuerpo femenino, también constituyen un reflejo de la sociedad, la estética y las artes en los últimos 60 años. Así, la exposición refleja cómo ha evolucionado el lenguaje fotográfico a lo largo del tiempo, poniendo de relieve otros aspectos como la moda y la cultura pop de cada época.

Del objeto al sujeto

El calendario Pirelli se lanzó por primera vez en 1964 y se ha convertido en un símbolo de belleza, estilo y elegancia. Un destacado fotógrafo de la escena londinense, Robert Freeman, quien era amigo personal de The Beatles, recibió el encargo de crear un “calendario hermoso” y tenía total libertad creativa para hacerlo. Este talentoso fotógrafo seleccionó modelos representativas de la época y las llevó a las playas de Mallorca para realizar una sesión alegre e informal que capturara la esencia de aquel momento marcado por una contracultura emergente y la revolución sexual.

En aquellos tiempos, los calendarios con imágenes de mujeres ya existían y se utilizaban como herramienta de marketing en la industria automotriz. Pirelli quería darle una imagen más sofisticada a su célebre almanaque y, en su búsqueda por el buen gusto, se asoció desde el principio con destacados fotógrafos de cada época para que aportaran su visión artística de la belleza femenina. Los primeros calendarios causaron sensación, pero a pesar del cambio, aún reflejaban antiguos estereotipos: las mujeres en actitudes de pin-up exhibían sus cuerpos como objetos de deseo.

A medida que el tiempo avanzaba, Pirelli cambió su enfoque y se adaptó a los nuevos cambios, celebrando valores como la diversidad, el talento, el individualismo y la autenticidad para retratar una belleza que va más allá de lo puramente estético y se centra en la personalidad y la forma de ser de la mujer. En pleno siglo XXI, el calendario Pirelli ha desafiado los cánones tradicionales de belleza y ha captado la esencia de mujeres exitosas en diversos campos, como la música, el cine, la moda, el deporte y el activismo, promoviendo una visión más inclusiva y empoderada de la mujer en la sociedad.

La mujer también como creadora

Las mujeres son las protagonistas absolutas en la historia del calendario Pirelli, pero no siempre han estado en el centro de atención. La marca de neumáticos ha destacado el papel de la mujer como creadora y protagonista en el mundo de la moda y la fotografía, brindando una plataforma para que las fotógrafas expresen su visión artística y talento. Esto ha sido demostrado por fotógrafas como Sarah Moon, Joyce Tenneson y Annie Leibovitz, quien ha trabajado en dos ocasiones para Pirelli.

El último fichaje para la creación del famoso calendario ha sido Emma Summerton, quien se ha inspirado en la figura clásica de la musa para reivindicar el papel de la mujer como creadora. Para la fotógrafa australiana, la concepción de la belleza trasciende los rostros y los cuerpos, y ha otorgado a las modelos que participan en el calendario, como Bella Hadid, Cara Delevingne o Ashley Graham, un rol artístico ligado al poder que representan en la vida real. Así, en un escenario onírico con una gran carga fantástica y precisión ornamental, las “músas de Summerton” se presentan como auténticas guerreras, reinas, activistas o escritoras en la edición 2023 del calendario Pirelli.

Precisamente, algunas de estas imágenes recién salidas del horno también se podrán apreciar en la retrospectiva del calendario Pirelli, que estará abierta al público hasta el próximo 30 de julio en la galería FotoNostrum de Barcelona.

Un vestido escultórico de Azzedine Alaïa. Foto: Moritz Feed Dog

Vuelve una nueva edición del Moritz Feed Dog, el certamen dedicado al cine documental sobre moda que se realiza cada año en Barcelona y esta vez, recupera su calendario habitual dando la bienvenida a la primavera con un nuevo surtido de novedades en su programación. Este festival es especial por varias razones. En primer lugar porque explora el universo de la moda en todas sus facetas, dando una visión transversal del sector: los valores positivos que impulsa como pueden ser la belleza, el talento, la identidad o la diversión, entre otros, con los menos amables que oscurecen la industria de la moda y cuestionan su impacto. Este año la mirada crítica se focaliza en valores esenciales como son la diversidad, la honestidad, la sostenibilidad y el maltrato animal. En segundo lugar, el Moritz Feed Dog se especializa en el documental, un género narrativo que permite contar historias genuinas basadas en hechos reales y que apelan directamente al espectador, expandiendo su mente hacia una industria voraz que puede ser talentosa y creativa, pero también ambiciosa, irresponsable y cruel. Las contradicciones de la moda que no dejan de ser un espejo de nuestra sociedad. Por todo esto, el festival constituye un entorno idílico donde se expanden miras, se generan opiniones y se fomenta el debate alrededor del negocio de la moda.

En esta séptima edición que tendrá lugar del 22 al 26 de marzo en los cines Aribau de Barcelona, el Moritz Feed Dog ha preparado una programación especialmente cuidada: estrenos, documentales clásicos y títulos cargados de contenidos con historias genuinas. Añadir también que en el ámbito digital, el festival de cine documental sobre moda se ha aliado con CaixaForum+, la plataforma de streaming de cultura y ciencia de la Fundación La Caixa que emitirá diversos títulos de forma gratuita en abril, después de Semana Santa.

Una imagen de archivo del couturier Azzedine Alaïa. Foto: Moritz Feed Dog

Un recuerdo a los diseñadores que ya no están

La séptima edición del Moritz Feed Dog de Barcelona arranca con la retrospectiva de uno de los grandes: Azzedine Alaïa (1935-2017). El modisto franco-tunecino era conocido como el escultor de la moda porque era capaz de modelar figuras humanas, valiéndose de todo tipo de tejidos. Alaïa fue un outsider que doblegó al sistema con la ayuda de su talento, de su grupo de incondicionales y de su mirada devota hacia la mujer. París lo amó, la moda lo amó y las mujeres le siguen vistiendo. Clientas tan dispares como Greta Garbo y Grace Jones, Kim Kardashian y Michelle Obama, continun siendo fieles seguidoras de Alaïa.

Este documental ofrece un retrato emocionante de la vida del couturier. Una pieza destacada del director Olivier Nicklaus al que el festival le rinde homenaje exhibiendo una selección de sus obras más representativas: “AntiFashion”, “Apocalypse Mode” y “Go Global”.

El festival rememora el legado de Vivienne Westwood. Foto: Moritz Feed Dog

El Moritz Feed Dog rememora el talento y la personalidad irrepetible de Vivienne Westwood, la reina del punk, con dos títulos que abarcan su carrera como diseñadora y activista desde sus inicios hasta su trabajo más reciente. El festival también recupera la figura de Gianni Versace ofreciendo una nueva visión de su trayectoria. Esta vez, son los modelos masculinos que desfilaron en los ochenta para la firma, los que recuerdan su relación profesional y personal con el diseñador. Por último, destaca un documental realizado y producido en Barcelona, que rescata la creatividad multidisciplinar de Toni Miró, uno de los diseñadores clave en la historia de la moda española contemporánea. A través de sus intervenciones televisivas, se retrata la personalidad de este enigmático talento catalán que desfiló en las pasarelas internacionales de París y Milán, y fue uno de los primeros modistos en incorporar a sus desfiles a personas anónimas de todas las edades. Rigor, pulcritud y desenfado eran sello de estilo de su marca, creada en 1976.

Una imagen del documental Apocalypse Mode de Olivier Nicklaus. Foto: Moritz Feed Dog

Aunque todo gire alrededor de la industria de la moda, no hace falta ser un entendido en la materia para visualizar los documentales que propone el festival Moritz Feed Dog. En su programación, apta para todos los públicos, también destacan piezas audiovisuales que ofrecen una visión pluridisciplinar a través de miradas más personales y temáticas diferenciadas. Desde la transformación de la moda masculina y su relación con el hombre en “All Man: The International Male Story”, pasando por una pieza íntima que retrata el universo de belleza del fotógrafo Gian Paolo Barbieri en “L’Uomo e la Belleza”, o también se ha programado una obra que transmite el día a día de la fauna que rodea el sector ya sea en un backstage como inmortaliza “Fashion Babylon” o la vida no tan idílica de una influencer adolescente en “Girl Gang”.

Una imagen del documental Fashion Reimagined. Foto: Moritz Feed Dog

La moda tiene sus propias sombras y el festival Moritz Feed Dog las desvela sin pudor. “Fashion Reimagined” representa un manifiesto sobre el impacto del sector en el medio ambiente a través de una pequeña firma londinense de culto: Mother of Pearl. En “Wings are not for sale” el objeto de crítica es el fast fashion bajo la óptica de sociólogos, activistas y trabajadores de la propia industria. Los temas más candentes también se reflexionan en “Apocalypse Mode” de Olivier Nicklaus, pero esta vez, los sujetos de dichas opiniones son distintas generaciones de diseñadores como Agnès B, Marine Serre, Karl Lagerfeld o Alessandro Michele. Por último, “Slay” pone sobre la mesa un asunto espinoso: el maltrato animal en un documental de denuncia que muestra historias crudas de abusos en todo el mundo. Esta pieza audiovisual, que muestra el polvo que hay debajo de la alfombra, remueve consciencias para exigir un mayor compromiso de las marcas por el bienestar animal.

El documental Slay denuncia el maltrato animal en la industria de la moda. Foto: Moritz Feed Dog

Las entradas del festival Moritz Feed Dog las encontrarás aquí. Haz hueco en tu agenda.

Este mes de mayo, la moda vuelve a la gran pantalla con la celebración de la sexta edición del Moritz Feed Dog, el festival de Cine Documental sobre Moda, Cultura y Ciudad de Barcelona. Una iniciativa ecléctica que nos acerca a la riqueza y complejidad de la moda, entendida como un fenómeno cultural que refleja la sociedad en constante transformación. Esta visión y eje vertebrador articula todas las proyecciones y las actividades paralelas del festival que tendrán lugar del 12 al 15 de mayo en los cines Aribau Multicines de Barcelona.

Un homenaje a la minifalda

En esta ocasión abre la nueva edición del Moritz Feed Dog el documental de Quant, inspirado en la diseñadora que para muchos es la creadora de la minifalda. Una proyección dirigida por Sadie Frost. La actriz y directora estará en Barcelona para acudir al estreno en España de su documental.  El documental escenifica los inicios de Mary Quant cuando abrió su primera tienda en King’s Road en Londres, diez años antes de que los Beatles conquistaran el planeta. La diseñadora se olió la revolución juvenil que estaba a punto de llevarse por delante el mundo de ayer y supo canalizar la rebeldía, el ansia de libertad y el terremoto generacional que supuso la década de los 60 a través de su ropa desenfadada, sexy y colorista. 

La ropa de Quant y en especial, la minifalda estaba diseñada para las jovencitas de la época con una doble misión: la emancipación y el rock’n’ roll. ¿Quién quiere vestirse hoy como una duquesa?, se pregunta la genial diseñadora en este documental de Sadie Frost que no consigue aclarar la pregunta del millón: ¿quién inventó la minifalda, ella o Courrèges? Lo que sí retrata con precisión es a una mujer moderna, adelantada a su tiempo, empresaria en un mundo de hombres y estilista de cabecera de la década que aglutinó el feminismo, la píldora y el movimiento Swinging London. ¡Viva Mary Quant!

El zapatero de los sueños

Otro de los platos fuertes del festival es el estreno en España del documental sobre Salvatore Ferragamo. Salvatore: Shoemaker of Dreams, dirigido por Luca Guadagnino, director de películas como la ganadora del Oscar ‘Call Me By Your Name’. El célebre zapatero nació en un pueblecito de la Campania llamado Bonito y llegó a conquistar los pies de las estrellas más fulgurantes del Hollywood dorado. ¿Qué llevó a Eva Perón o a Marilyn Monroe a caer rendidas ante Salvatore Ferragamo? Una elegancia atemporal y también un enfoque científico, del que salieron grandes innovaciones para la industria del calzado, como el tacón de cuña o de jaula. 

El documental se adentra en los entresijos de la firma florentina de la mano de su viuda, Wanda Ferragamo, madre de seis hijos, que fue la encargada de tomar las riendas de la marca tras el fallecimiento de Salvatore en 1960, mantener vivo su legado y lanzarla, con éxito más que demostrado, al prêt-à-porter. La historia también de esta visionaria en la sombra.

Erotismo y provocación

Entre la programación del Moritz Feed Dog destaca la obra sobre Helmut Newton. The bad & the beautiful recoge el legado erótico y la mirada subversiva de este gran provocador de la fotografía de moda. Newton dedicó toda su vida a retratar a mujeres fuertes, poderosas y esculturales, como estatuas en un pedestal. El documental de Gero von Boehm acierta al incluir tanto a sus fervientes admiradoras (Grace Jones, Charlotte Rampling, Marianne Faithfull o Anna Wintour) como a sus críticas más feroces (Susan Sontag e Isabella Rossellini), que le tachan de misógino y machista. La cámara muestra al Newton afable y bromista de las sesiones de foto, pero también al enamorado de su mujer, la también fotógrafa June Newton, y nos descubre una infancia difícil y una juventud en el exilio huyendo de la Alemania nazi.

Grandes visionarios de la moda contemporánea

El festival también pone de manifiesto el saber hacer y el legado de los grandes maestros de la moda. En este sentido, destacamos tres documentales que giran alrededor de las figuras de Pierre Cardin, Karl Lagerfeld y Martin Margiela. 

En primer lugar, House of Cardin muestra los designios del hombre que revolucionó y democratizó la moda en los 60 con sus diseños ultramodernos, el logo de las mil y una licencias, el diseñador que desfiló en la Gran Muralla China, la marca que lo mismo vende perfumes que bufandas o agua mineral embotellada… Pero, ¿quién es realmente Cardin, el hombre que convierte en oro todo lo que toca? Este documental dirigido por P. David Ebersole y Todd Hughes desvela parte del enigma.

Imperdible bajo nuestro punto de vista también es el documental Karl Lagerfeld Se Dessine. Dirigido por el respetado periodista Loïc Prigent, la pieza muestra a primera vista, los dotes artísticos del káiser a través de sus inolvidables dibujos para bucear poco a poco en su vida privada. Karl Lagerfeld fue un superdotado con una memoria visual deslumbrante y a través del dibujo habla de su infancia, de la frialdad de sus padres e incluso del gran amor de su vida, Jacques de Bascher. Una delicia imprescindible para los fans de Lagerfeld.

Por último, destacamos también Martin Margiela: in his own words. Tras abandonar el mundo de la moda, el nombre de Martin Margiela sigue despertando hoy una mezcla de misterio, admiración e intriga que ningún otro diseñador ha logrado reunir. El creador belga que provocó una ruptura en la historia de la moda con su ropa reciclada, sus colecciones irónicas y deconstruidas, su street casting y sus shows en solares semiabandonados sin sitting, sigue negándose hoy a mostrar su rostro ante las cámaras. Nunca el anonimato había sido percibido como algo tan poderoso en una industria adicta a la visibilidad en la que, de la noche a la mañana, se instauró el culto a la invisibilidad. Pero algo del enigma Margiela se resuelve en este apasionante documental donde él mismo cuenta en primera persona su historia: su infancia, sus inicios en el mundo de la moda, su relación con el éxito, la conquista de París, el fichaje de Hermès, la compra de la marca por parte de Renzo Rosso… un viaje mágico que explica por qué Margiela fue más un movimiento social en los 90 que una simple marca y por qué miles de mujeres abrazaron entusiasmadas a un creador que no las veía como objetos, sino como personas reales, más intrigantes que sexys y más inteligentes que chic.

Esta es una pequeña selección de algunos de los 17 documentales programados en la nueva edición del festival Moritz Feed Dog. La programación al completo la puedes encontrar aquí. 

Abril es el mes de la moda en Barcelona. A las puertas de una nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, hace una semana arrancaba la última edición del 080 Barcelona Fashion, con 22 desfiles virtuales de marcas y diseñadores que presentaron la nueva temporada en el Macba, dentro del edificio de carácter racionalista del arquitecto Richard Meier. Una nueva puesta en escena del imaginario y la creatividad que las marcas exhiben a través de fashion films de las colecciones de temporada que se pueden seguir visualizando en la página web de la pasarela catalana. Gratacós también ha seguido la actualidad de las nuevas emisiones de moda para comprobar, una vez más, como nuestros tejidos han cobrado forma gracias a los diseñadores que habitualmente confían en nosotros: Avellaneda, Eiko Ai, Menchen Tomás, Yolancris y Victor von Schwarz. Repasamos las nuevas propuestas y algunos de los looks clave. 

Noches de verano

Fiel a su filosofía hedonista, el dandy Juan Avellaneda nos traslada a latitudes tropicales en su nueva colección de verano para seguir explorando la elegancia más relajada, inspirada en paraísos cálidos del norte de África. La propuesta se vertebra a través de tejidos naturales, tonos luminosos o encendidos como el rosa, el naranja y el coral, y patrones que, en líneas generales, pierden rigidez. También existen varios modelos de chaqueta, la prenda fetiche de la marca del diseñador barcelonés, que oscilan sin esfuerzo entre los guardarropas del hombre y la mujer. Los estampados se alejan de tópicos y abrazan una versión mediterránea del ikat que da carácter a faldas etéreas y esmóquines alérgicos al aburrimiento. Las prendas evocan la elegancia práctica de la sahariana y la sastrería clásica de aquellos veraneos de midcentury que inmortalizó Slim Aarons. Las blusas acarician el cuerpo y se entrelazan. Los pantalones bailan y los vestidos se pegan a la piel o despliegan fabulosos volúmenes y volantes, otro detalle 100% Avellaneda. En Au réveil il était midi, toda la ropa combina con todo, se armoniza y fluye para un verano perfecto.

La cálida luz del sol

Eiko Ai deslumbra con Lucid Dreams, una colección radiante inspirada en la vitalidad de la energía solar. Independientemente de la inspiración, la fórmula de Glò Lladó se mantiene firme en cada propuesta y consiste en potenciar la belleza de la mujer jugando con la delicadeza y la sensualidad. ¿Y cómo lo consigue? A través de siluetas vaporosas, tejidos etéreos que dejan entrever la piel y estampados evocadores que mezclan sofisticación sin abandonar el espíritu casual y cosmopolita de la firma barcelonesa. La nueva propuesta de verano de Eiko Ai potencia los vestidos tipo kimono, las blusas fluidas y las combinaciones de dos piezas donde no faltan las transparencias, los brillos sutiles y los estampados degradados con otros florales que rinden homenaje a esa visión mística de la mujer, como una ninfa urbana. La paleta de la colección emula positivismo, vida estival y luz dorada a través naranjas intensos que juegan con la gama de amarillos, blancos rosados y pinceladas de azul intenso del cielo. 

La clase es la clase

Por su parte, Menchen Tomás nos recuerda la importancia de la herencia en Old Money, una colección que se inspira en la manera de vestir y de vivir de las familias estadounidenses que han conseguido traspasar la fortuna, la clase y el estatus de generación en generación. Una estética caracterizada por la sofisticación, la fusión entre lo clásico y lo contemporáneo y la elegancia atemporal, alejada de la cultura del logo y la ostentación. De esa interpretación, la firma barcelonesa aúna prendas de vestir como vestidos y faldas midi, pantalones anchos con pinzas, camisas de popelín infinitas con otras prendas más deportivas que podrían utilizarse para un día en un club de campo o una cena en un jardín, una noche de verano. Como detalle en tejidos no faltan las sedas, las organzas y las flores de tul en una paleta cromática vibrante: azul, verde lima, amarillo, rosa fucsia y rojo carmín.

Moda sin género

Victor von Schwarz forma parte de la nueva generación de jóvenes talentos que aportan creatividad y frescura en la pasarela 080. Esta vez, el diseñador barcelonés presentó una colección inspirada en las películas de la mafia asiática de los años 80 y 90, que tenían como centro de operaciones en los barrios rojos de ciudades como Taipei o Hong Kong. Victor von Schwarz apuesta por la moda sin género. Por eso, el diseñador, inspirado en la ropa oriental, crea piezas abiertas, que pueden encajar en cualquier persona, independientemente de su sexo o género. Las siluetas de la nueva propuesta de verano se dividen en dos bloques. El primero es muy brillante, con volúmenes, juegos de drapeados y transparencias que dejan entrever la piel. El segundo, parte de una silueta mucho más cuadrada y con variaciones de la chaqueta sastre clásica. En esta colección los tejidos se caracterizan por tener gran cantidad de fantasía. Las lentejuelas ganan presencia, desde estampado vichy hasta degrade brillantes. También destacamos laminados brillantes en base de viscosa y tules con estampados plateados. En cuanto a colores, los tonos pasteles y los colores espolvoreados se adueñan de la propuesta genderless. 

Terciopelo negro

Yolancris esta vez participó en el 080 Barcelona Fashion con su colección de fiesta, dejando en barbecho el proyecto Y Como, su lado más experimental. La nueva propuesta ensalza el trabajo de artesanía que se respira en el propio taller donde prima el terciopelo, la piel y el color negro. Si ponemos foco en el detalle, al terciopelo se le han mezclado hilos dorados y se han incrustado encaje francés y macramés en una atrayente combinación. Priman también los binomios de color: dorado-negro y blanco-negro, y se separan con explosiones de vestidos monocolor: rojo y rosa empolvado. En cuanto a siluetas, la colección recoge algunas ideas de patrón clásicas combinadas con algunas licencias más atrevidas que se aprecian, por ejemplo, en las aberturas de los vestidos. En líneas generales, la propuesta de Yolancris pretende ser atemporal para convertirse en un fondo de armario para las ocasiones especiales.  

¿Quién fue Pedro Rovira? ¿Por qué su obra ha quedado oculta durante décadas si fue una de las grandes agujas españolas? Coincidiendo con el centenario del nacimiento del modista Pere Rovira i Planas (1921-1978), el Museo de Badalona rinde homenaje a uno de sus hijos ilustres con una amplia retrospectiva que recupera la figura y el espíritu contemporáneo del legado del modisto badalonés.

En una monografía ilustrada presentada recientemente en paralelo a la exposición, Lorenzo Caprile asegura en su prólogo que Pedro Rovira “estuvo en medio de todo, pero se quedó a medio camino”, haciendo referencia a su muerte prematura que le impidió convertirse en leyenda. El diseñador badalonés consiguió desarrollar una identidad propia a lo largo de su carrera y fue capaz de abrazar dos corrientes antagónicas: empezó trabajando la Alta Costura más clásica a través de colecciones exclusivas y, luego, dio un giro hacia la moda democrática con producciones en serie más versátiles y plurales que acercaban el diseño a las nuevas generaciones de consumidoras, más allá de las élites burguesas. A nivel histórico, su legado también coincide en una época de transición: del fin de la dictadura al inicio de una nueva democracia con nuevas costumbres, necesidades y maneras de concebir la moda.

Del horno a la aguja 

La familia de Pedro Rovira era propietaria de una panadería en Badalona, pero él tuvo desde la infancia, una gran pasión por la costura elaborando vestidos para las muñecas de sus amigas o pintando figurines. Una afición que no le gustaba a su padre. Empezó estudiando medicina, pero abandonó rápidamente la carrera por otro trabajo vinculado con la aguja: el badalonés Celso Roldós, oficial sastre de la prestigiosa casa Santa Eulalia de Barcelona, le enseñó el oficio. Muy pronto Rovira cumpliría su deseo de viajar a París en busca de nuevas oportunidades. Su ambición era elevada y quería perfeccionar la técnica. A la capital francesa se hizo amigo de Cristóbal Balenciaga, quien le influenciaría enormemente en sus inicios. De París se empapó durante dos años de las tendencias a través de los desfiles de moda de los principales modistas de la época. Cuando volvió en 1948, fundó su propio taller de alta costura en Barcelona, en el barrio de Gracia, aunque continuó viviendo en Badalona.

Auge e internacionalización

La fama de Pedro Rovira se extendió como la pólvora en los años 50. El savoir faire del diseñador, gracias a su bagaje parisino, junto con su magnetismo personal le propició rápidamente el reconocimiento de la burguesía catalana con el apoyo de varias damas de la alta sociedad que eren asiduas a sus diseños refinados. Más tarde, cuando cerró el atelier Balenciaga en 1968, algunas de las clientas del modista vasco como la marquesa de Torroella de Mongrí, María del Carmen Ferrer-Cajigal y su hija Carmen de Robert también llamarían la puerta de Rovira. De hecho, Pedro Rovira era hábil vistiendo a varias generaciones de mujeres de una misma familia con diseños versátiles y flexibles que se adaptaban a cada ocasión. Para Rovira, la moda era una servitud.

A finales de los años cincuenta, la fama de Pedro Rovira se extendió por Europa con desfiles en Frankfurt, Estocolmo, Milán y Venecia, y en 1964 sus diseños llegaron a Nueva York, seduciendo el público norteamericano. En esos viajes le acompañaban las modelos más ilustres del momento que ejercían de embajadoras de su estilo: María del Carmen Aznar, Carmen Paré e Isabel Martín eran las más habituales. Más tarde con el boom de las colecciones de prêt-à-porter, trabajaría con la modelo y empresaria Francina Díaz, la actriz Teresa Gimpera y algunas esporádicas como Nati Abascal, fotografiada por Antoni Bernad. El éxito internacional continuó en los sesenta y los setenta con la crítica en el bolsillo y los diseños de Rovira aparecían en las páginas de las prestigiosas revistas como Vogue, Harper’s Bazaar, Elle, Marie Claire. Después de haber sido aclamado en el ámbito internacional y de tener el reconocimiento de la crítica especializada, en 1964, finalmente, Rovira fue admitido en la Cooperativa de Alta Costura, que agrupaba a los modistos más elitistas del país como Pedro Rodríguez, Asunción Bastida, Manuel Pertegaz, Santa Eulalia y el Dique Flotante, considerados como los Cinco Grandes de la Moda Española. Junto con Rovira, el mismo año, también entró en la cooperativa Carmen Mir.

El año 1968 fue histórico para Pedro Rovira. En plena expansión de la marca, el diseñador decidió lanzar las primeras colecciones de moda democrática con distintas líneas para todas las edades, ocasiones y momentos. Eso fue un hecho remarcable en la historia de la moda española porque a pesar de algunos intentos por parte de otros diseñadores, nunca antes se habían lanzado propuestas serializadas con prendas de diseño a precios más asequibles. Los diseños prêt-à-porter de Pedro Rovira eran atrevidos pero muy llevables. Combinaban fantasía llevada al terreno de la calle a través de tejidos geométricos, estampados gráficos y colores vibrantes para una mujer cosmopolita y contemporánea que abrazaba la sociedad del cambio en España.

Un final inesperado

En los primeros años setenta la marca tuvo dos boutiques en Madrid y puntos de venta por toda la Península. Justo cuando la firma vivía su mayor esplendor hubo un revés que la condenó a una caída brusca y a su posterior olvido: la muerte precipitada del diseñador de un ataque en el corazón en 1978. Tenía solo 57 años. La firma que llevaba su nombre todavía funcionó durante un tiempo, puesto que había alcanzado mucha difusión y presencia en el mercado, pero sin el reclamo y la gran potencia creativa de Rovira, la marca tuvo que cerrar en 1980.

Un extenso legado 

Después de un primer homenaje en el Museo del Traje de Madrid a cargo de la Fundació Antoni de Montpalau, el Museo de Barcelona ha desplegado toda la obra de Pedro Rovira en una gran exposición retrospectiva dedicada al modisto para conmemorar el centenario de su nacimiento. Esta muestra, abierta del 4 de junio hasta el 18 de octubre de 2021, representa una revisión amplia y completa de la obra del modisto badalonés: ocupa dos plantas del museo y está ordenada cronológicamente siguiendo la producción de Rovira desde los primeros años cincuenta hasta las últimas colecciones de 1978. Unos ochenta de vestidos y más de cien dibujos proceden de la Col·lecció Antonio de Montpalau, colaboradora de la iniciativa, y se exponen también piezas procedentes del fondo del Museu de Badalona y de los herederos de Rovira. Completa el homenaje un documental que rescata la memoria de su legado y una monografía ampliamente ilustrada. Un extenso homenaje para sacar del olvido la gran figura de Pedro Rovira y colocarla donde se merece en la historia de la moda española.

Las pasarelas virtuales ya están aquí. Se estrenan en España en septiembre y plantean, a priori, más interrogantes que expectativas. Un formato que pasa por el terreno digital, a través de retransmisiones online, como una de las estrategias de la industria de la moda para lidiar con la sacudida de la pandemia que ha provocado especialmente aislamiento y disrupción física. 

¿Son las pasarelas virtuales la solución definitiva para presentar las colecciones de marcas y diseñadores? El futuro irá dibujando un nuevo mapa, aunque las primeras experiencias, vividas a principios de verano, han mostrado carencias. Y ahora, con un nuevo calendario de desfiles a la vista, que se traslada de Nueva York a Londres y París, no hay síntomas de cambio. Todo hace pensar que el desfile como experiencia colectiva ha dejado de tener sentido en formato virtual, con un espectador pasivo que consume de forma individual y prácticamente a la carta, el contenido alejado de la calidez del escenario, el contacto directo con el diseñador y su equipo, o el ajetreo habitual que conlleva la puesta en escena de una colección. Las innovaciones tecnológicas a través de la pantalla, nunca podrán suplir la emoción de la experiencia real, vivida en directo, pero sí que pueden aportar otros valores al espectador como una puesta en escena cinematográfica a partir de la experimentación a través de los nuevos formatos para presentar una colección. 

Volviendo a nuestro terreno más próximo. Madrid y Barcelona se preparan para regresar a la pasarela en lo que será su primera experiencia digital y desde Gratacós, seguiremos de cerca, esta vez a través de la pantalla, las nuevas colecciones para cazar algunas creaciones elaboradas con nuestros tejidos. Lo que está claro es que por mucho que cambien el continente, el contenido es el mismo. Y ese es lo que realmente nos importa. 

Mercedes-Benz Fashion Week Madrid: un formato híbrido

La Mercedes-Benz Fashion Week Madrid arranca su nueva edición con un formato híbrido donde se permite a los diseñadores participantes optar por diferentes formatos, como desfiles de pasarelas, performances audiovisuales o fashion films. Todo el contenido generado por las firmas y los patrocinadores podrá seguirse en streaming y en diferido, a través de la web de la pasarela madrileña.

La 72º edición de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid tendrá lugar del 10 al 13 de septiembre y contará con algunos pesos pesados de la moda española como Andrés Sardá, Ángel Schlesser, Agatha Ruiz de la Prada o Pertegaz. Todos ellos harán su presentación en formato desfile junto con Brain&Beast, Devota&Lomba, Dolores Cortés, Hannibal Laguna e Isabel Sanchís, que se estrena en la pasarela.

En cambio, diseñadores como Dominnico, Fernando Claro y Malne han optado por mostrar su colección con la proyección de un fashion film, acompañado de modelos en la pasarela. Otros creativos como Palomo Spain o Juan Carlos Pajares se han decantado por la proyección audiovisual.

Por último, a pesar de las limitaciones impuestas por la pandemia, la pasarela de Madrid también contará con un programa off en el que desfilarán otras agujas españolas como Moisés Nieto, Marcos Luengo, Maison Mesa o Pilar Dalbat, entre otros. Complementa la oferta dentro del sector, la iniciativa Madrid es Moda, organizada por la Asociación Creadores de Moda de España (Acme) con el apoyo de Madrid Capital de Moda.

080 Barcelona Fashion: totalmente virtual

Barcelona recogerá el relevo de Madrid con una nueva edición del 080 Barcelona Fashion que se celebrará, por primera vez, con un formato totalmente digital para proyectar la moda a todos los públicos y llegar a nuevos públicos a nivel internacional. Así, del 14 al 17 de septiembre, se podrán ver en streaming a través de la web de la pasarela catalana, los desfiles de los 21 participantes: marcas comerciales y diseñadores independientes que han optado por presentar las nuevas colecciones para el próximo inverno en un formato más cinematográfico. De hecho, la dirección del 080 ha dado vía libre para que cada diseñador presente la colección a su manera siempre que sea un fashion show virtual que luego, el espectador podrá ver a través de la pantalla de su ordenador o móvil. Todo un reto para los fans de la moda y para la propia plataforma que comprobará si es capaz de enganchar a los nuevos públicos en formato digital. 

En todo caso, el 080 Barcelona Fashion acogerá firmas de renombre como Custo Barcelona, Guillermina Baeza o Sita Murt con otros nombres consolidados como Menchén Tomàs, Lebor Gabala o Maite by Lola Casademunt. No hay que olvidar el respaldo de diseñadores independientes habituales como Txell Miras o Oscarleon, y la participación de nuevos talentos y firmas jóvenes que tienen mucho que contar como Júlia G.Escribà, ONRUSHW23FH, Eiko Ai, Lera Mamba, The Label Edition, Eñaut y Guillem Rodríguez, entre otros.

Desde Gratacós estaremos siguiendo atentamente todos los looks de las nuevas colecciones y os compartiremos las creaciones que identificamos con nuestros tejidos. Os los iremos compartiendo a través de nuestras redes sociales. ¡Síguenos en Instagram!

Y después de Madrid, llegó el turno de la semana de la moda en Barcelona con la nueva edición del 080 Barcelona Fashion celebrada, como es habitual, en el Recinto Modernista de Sant Pau. Este año, la pasarela catalana no tuvo tantos diseñadores ni marcas como anteriores ediciones, pero la iniciativa cubrió estas ausencias locales a través de reafirmar su apuesta por las firmas internacionales y la inclusión de nuevos formatos de exhibición de las colecciones que se adapten a las necesidades de los creadores más pequeños. Una vez más, desde Gratacós seguimos los desfiles de diseñadores y vimos que confían en nuestros tejidos para idear sus propuestas para la próxima temporada Otoño-Invierno. ¡Estos fueron los looks cazados! 

Eiko Ai

Esta joven firma barcelonesa debutó en la pasarela catalana con ‘Quantum One’, una colección inspirada en la energía cuántica y en la unidad del cosmos que representa una evolución de su anterior propuesta. Una propuesta femenina de temática galáctica con un amplio abanico de texturas y transparencias. Organzas, flocados, jacquards, acabados metalizados, lentejuelas, tejidos técnicos, vaporosos, satenes y crepes combinados con dibujos florales y de inspiración geométrica con una estampación que precisamente evoca esos mundos mágicos. 

Los astros y los destellos de la Vía Láctea influenciaron en la paleta cromática con tonos cargados de luz, colores artificiales, lilas, mentas y luces off White. De las inmensas oscuridades del espacio, surgen el negro azabache y el azul noche. Y de los planetas y materiales cósmicos, brotan los rojos, nudes y rosas intensos.

En su conjunto, Eiko Ai diseñó una colección inspirada en una mujer atrevida y femenina con prendas de diseño delicado y espíritu contemporáneo que destacan por la creación artesanal, la calidad de los materiales y la producción local.

Menchén Tomàs

La nota sofisticada de las últimas ediciones del 080 la añade Menchén Tomàs. Esta vez, Olga Menchén se inspiró en la ajetreada vida nocturna de Manhattan de los años 70. Justo en ese momento del atardecer, cuando abogados, brokers y oficinistas han abandonado las calles y con la caída de la noche aparecen otros personajes en escena de clases, culturas y orígenes variopintos como millonarios, homeless, artistas, DJ’s, chaperos, prostitutas… Una mezcla entre la música disco, la decadencia, las drogas, la escena gay, el mítico Studio 54…

Para dar forma a esta amalgama de gente e inspiraciones nocturnas, Menchén Tomàs se imaginó una propuesta repleta de pantalones acampanados, americanas estructurados, vestidos cortos con volumen, piezas de inspiración oriental, cuellos infinitos, bordados, remates con bies y encaje. Destacaron tejidos que irradian luz, otros fabricados por artesanos y bordados a mano y también estampados únicos.

La paleta cromática utilizada era intensa y contrastada con mezclas imposibles de gran impacto visual: verde pistacho con fucsia, rosa con morados, brillos, lentejuelas, y, como no, blanco y negro.

Juanjo Villalba 

Juanjo Villalba Bermúdez abrió la última jornada del 080 dedicada a las colecciones cápsulas presentadas en formatos más libres y abiertos que los tradicionales desfiles, donde hay más margen para la creatividad de cada diseñador con presentaciones que se asemejan a las performances artísticas. Este diseñador aprovechó su participación en la pasarela catalana para presentar su proyecto personal: ‘Mitología emocional’ a través de 12 looks inconexos a simple vista que mantienen su esencia con los detalles. Cada look representaba una historia de amor contada a través del vestuario y donde cada modelo representaba a una divinidad. Al final del desfile, los asistentes podrían acercarse a ver de cerca la colección y tocar las prendas en directo. 

Mitología Emocional fue la carta de presentación de Villalba como diseñador -antes trabajaba en marketing de moda- y una apuesta con la que abrirse nuevas oportunidades profesionales en la industria de la moda.

¡Y llegó el momento! La hora de la fiesta y del desenfreno. De los atuendos ornamentados y los tejidos con destellos que brillen con luz propia para celebraciones diarias acompañadas por largas noches que reclaman un dress code más fastuoso, donde la creatividad y la fantasía trabajan al servicio de la sofisticación. Esos looks festivos que sacan la mejor versión de uno mismo porque ya se sabe que el “yo” más resplandeciente habita en Navidad. Una época que desde Gratacós nos gusta especialmente por todo su simbolismo cultural y religioso.

En esta época de celebraciones queremos mostraros la colección más fantasiosa del invierno. Aquella donde el oro y la plata son los protagonistas de los tejidos más suntuosos que ganan en riqueza compositiva, tacto y volumen. También ha llegado el momento de acercarse a otros productos que exploran el lado más fantasioso de la moda a través de lentejuelas, pedrerías, bordados e hilos metalizados, entre otros.

Dorado

¿Sabías que el color oro no es ni el más amado ni más odiado? Y aún así es una tonalidad que tiene doble rasero a nivel de significado. En su vertiente esplendorosa el oro se asocia a la belleza, al triunfo, a la riqueza y a la felicidad. Es símbolo de valor y poder. En su lado oscuro, este metal precioso también tiene fuertes vínculos con el materialismo, la vanidad y hasta la arrogancia. Los tesoros son dorados o el majestuoso palacio de Versalles se rinde al oro, que se asocia al lujo en su máxima opulencia. En materia de tejidos, rendimos pleitesía al oro a través de plisados, lentejuelas, bordados y lamés, que crean suaves patinas doradas en tonalidades más vistosas o apagadas.

Plateado

El plateado es el color que proviene del metal que le da nombre, la plata. Las primeras asociaciones a esta tonalidad tan de moda tienen a ver con la riqueza, el dinero o el éxito, pero también de frialdad, avaricia o prepotencia. Como su hermano dorado, tiene una connotación antagónica. Mirando el lado positivo del color, el plateado es una tonalidad también vinculado con el lujo y la fiesta que se asocia a la innovación, al futuro, al movimiento y al progreso. No en vano de color plata se visten las tendencias futuras, la arquitectura vanguardista, los mecanismos tecnológicos o las novedades más innovadoras. En tejidos, destacamos las inagotables lentejuelas que tanto triunfan en época festiva y los destellos metálicos del lamé. También algún tejido de fantasía de temática espacial.

Larga vida al color

No toda la paleta cromática vinculada con la fiesta tiene que ver con los tonos metalizados y lo importante es escoger tejidos que atraigan la luz a través de sus fascinantes destellos. Esta temporada en la variedad anda el juego, la clave reside en el brillo del tejido. Así, en nuestro espacio conviven los atrayentes verdes esmeralda, con la feminidad de los rosas empolvados, los enigmáticos malvas y violetas y la apuesta que nunca falla: el clásico rojo en todas sus versiones. Desde el vibrante carmesí al elegante granate. ¿Cuál encaja más contigo?

Más allá de las propuestas, también te invitamos a qué entres a nuestro espacio de Barcelona a conocer las últimas novedades y queremos que te dejes sorprender por el nuevo escaparate de temática festiva que han ideado los alumnos de IED Barcelona para estas fechas tan especiales. La inspiración celestial con un ángel como protagonista sirve de contexto para expresar la feminidad más glamurosa en un look hechizante en tonos rosados, que empodera y atrae todas las miradas. ¡Felices fiestas a todos!

Potser detallaria al final, quan parlem de l’aparador, que el que van fer els alumnes és un àngel. Ho pot semblar o no… jejeje però com que és el concepte que ells van desenvolupar per idear l’apador, no está de més mencionar-ho i vincular-ho amb Nadal.

Le llaman el nuevo negro por su versatilidad y funcionalidad, apelando la elegancia desde la discreción. El azul marino nunca fue un tono arriesgado, ni pretendió serlo porque precisamente seduce a través de la armonía, el equilibrio y la atemporalidad, convirtiéndose en una apuesta segura dentro del armario, que va más allá de los ciclos y las modas que dicta el sector. Y ya se sabe que lo clásico nunca muere. Por eso, este tono en cuestión roza la inmortalidad. 

A continuación te explicamos algunas curiosidades del enigmático azul marino:

El origen del azul marino

El azul marino debe su nombre al azul oscuro que se usaba en los uniformes de varias marinas de guerra. La primera en adoptar este tono fue la Marina Real Británica en 1748 y, posteriormente, se extendió en la mayoría de armadas del mundo. De hecho, ofrecía una ventaja y es que al ser casi negro se evitaba la pérdida de color. Así, durante el siglo XVIII se utilizó como base para teñir los uniformes.

Durante el siglo XIX, el uso del azul marino se extendió a otras profesiones y rápidamente conquistó la calle. Entonces el color negro seguía manteniendo el dominio en las indumentarias consideradas serias. Sin embargo, los tintoreros usaron los pigmentos azul de Prusia y añil para lanzar la moda de telas y vestidos de color azul marino, lo que se convirtió en un fenómeno social. El azul marino mantenía la sobriedad del negro, pero resultaba ser menos duro y sobre todo más barato. De hecho por lo general, el color de la indumentaria no fue una cuestión de gusto, sino más bien de dinero. Después de la Primera Guerra Mundial, esta tonalidad oscura desplazó al negro en muchas profesiones como marinos, militares, gendarmes, policías bomberos o funcionarios.

Dior lo adopta como un símbolo feminista

“Entre todos los colores, el azul marino es el único que puede competir con el negro presentando las mismas virtudes”. Esta frase de Christian Dior ha guiado también la última etapa de la maison francesa capitaneada por Maria Grazia Chiuri, la primera mujer que ha liderado la dirección creativa desde 2017. De azul marino fue la segunda colección de Chiuri para Dior recogiendo la herencia del modisto francés de forma transgresora en una propuesta cargada de piezas nunca vistas en la pasarela como el pantalón vaquero o el beret de cuero negro como accesorio estrella.

Así, los vestidos de noche, con transparencias y brillos, se alternaron con otros looks de pantalón y monos de trabajo, como si fueran uniformes de fábrica combinados con bolsos de mano estampados. El azul marino representa para Chiuri la igualdad y la uniformidad. No se distinguen clases ni géneros. “El look de trabajadora es una forma de decir que tenemos que trabajar para tener las mismas oportunidades”, argumentó en su momento. Desde entonces, este color se ha convertido en un recurso habitual en las colecciones de Dior que adoptan, en menor o mayor proporción, de azul marino.

El azul más clásico también será el color del 2020

De azul también se teñirá 2020. El instituto Pantone, referencia mundial en temas cromáticos, ha elegido el Classic Blue 19-4052 como el color que influenciará el año que viene en sectores tan creativos como el diseño, la moda o la publicidad. Según la institución, es un “tono azul temporal y duradero, elegante en su simplicidad”. Sugiere el cielo al atardecer y sus cualidades tranquilizadoras, como la promesa de protección”, ha asegurado Laurie Pressman, vicepresidenta del Instituto del Color Pantone.

Según la institución, Classic Blue surge en momentos convulsos y de cambio y esta tonalidad evoca el deseo de consolidar cimientos fiables y estables sobre los que edificar. En este sentido, invita al refugio: “Vivimos en una época que exige confianza y fe, y este tipo de azul ofrece un sentimiento sólido y fiable que anima a ampliar nuestro modo de pensar y reta a profundizar en las cosas”, ha explicado por su parte Leatrice Eiseman, directora ejecutiva de Pantone.

El color Pantone del año lo eligen los directivos de la firma y unos 40 expertos de todo el mundo que tienen en cuenta factores como la coyuntura económica, las películas y canciones del momento o cuestiones sociales, entre otras variables. El Classic Blue releva así el Living Coral, el color del 2019.