Colección 2025 Mariano Moreno

La moda se contradice, y ahí reside parte de su encanto. Hoy ya no vivimos ciclos lineales donde una tendencia sustituye a la anterior. En una misma temporada conviven estilos opuestos que amplían el espectro creativo. Y eso es precisamente lo que sucede este verano. Mientras la paleta cromática apuesta por la suavidad de los tonos pastel y los matices empolvados, los estampados hacen justo lo contrario: gritan. Se visten de color, de energía, de exceso.

El maximalismo regresa con fuerza, apropiándose de los tejidos con una actitud clara: sin miedo, sin filtro y sin pedir permiso. Y en Gratacós, donde siempre hemos celebrado las contradicciones como punto de partida creativo, lo abrazamos con entusiasmo.

2025 nos invita a soñar en grande. Nada de discreción. Los estampados audaces, vibrantes y de inspiración artística se convierten en aliados de diseñadores, interioristas y amantes del estilo que rehúyen lo previsible. Flores monumentales, brochazos abstractos, geometrías inestables y líneas de color con alma retro invaden pasarelas, salones y calles con una nueva intensidad.

Es la era del statement visual: vestir no solo para gustar, sino para contar. A continuación, repasamos tres grandes tendencias en estampados que marcarán la temporada SS25.

Desfile SS25 Gonçalo Peixoto

Flores XXL: el jardín se desborda

Esta temporada florece una botánica exagerada, salvaje y profundamente contemporánea. Los motivos florales se agrandan, se distorsionan y reclaman su espacio con una exuberancia visual que no deja indiferente. Piensa en peonías de trazo artístico, hibiscos de colores saturados o hojas tropicales en versión XL: formas que se expanden por el tejido como si estuvieran vivas, liberadas de todo contorno clásico.

Aparecen manchas de tinta que se funden con el fondo, contornos dibujados con líneas expresivas, efectos de acuarela desbordada, sombras borrosas, montajes en blanco y negro con acentos de color o composiciones que parecen salidas de un herbario digital. Todo vale, mientras sea atrevido, vistoso y desmesurado. Es un nuevo lenguaje floral: más abstracto que literal, más expresionista que decorativo.

Estos estampados encuentran su mejor aliado en tejidos con cuerpo y movimiento: organzas vaporosas, algodones satinados, sedas fluidas o jacquares con relieve. Materiales que permiten que el color respire, que las formas se expandan, que la prenda se convierta en un jardín en movimiento.

En Gratacós, esta tendencia cobra vida a través de tejidos florales de gran escala con impresión artística y acabados que realzan la viveza cromática. Ideales para piezas protagonistas que celebran la vitalidad, la emoción y la modernidad sin contención.

Desfile AW25/26 Carlos Gil

Arte abstracto y geometría libre

No todo estampado necesita una flor. A veces basta un gesto. Un trazo suelto, una mancha de color, una línea que se curva o se rompe. En 2025, los tejidos se convierten en lienzos vivos donde la abstracción y la geometría se dan la mano para crear composiciones llenas de ritmo, textura y emoción.

Pinceladas espontáneas, salpicaduras acuareladas, formas que recuerdan al action painting o al grafismo de una libreta de bocetos: el print artístico abandona la figuración para centrarse en lo gestual. Esta corriente convive con otra que sube con fuerza: las geometrías irregulares y gráficas, como si hubieran sido dibujadas a mano alzada. Cuadrículas imperfectas, bloques repetitivos interrumpidos por vacíos, puntos flotantes, enlaces circulares o divisiones que rompen la armonía clásica con decisión.

El resultado es una nueva generación de estampados donde la emoción visual sustituye al ornamento. Un equilibrio entre lo técnico y lo poético, entre la estructura matemática y la imperfección deliberada.

Estos prints funcionan especialmente bien en tejidos que permiten fluir el dibujo: sargas suaves, crepés con caída, viscosas con cuerpo o sedas satinadas donde el color vibra con más profundidad. Son perfectos para prendas fluidas, camisas con carácter o pantalones amplios que se mueven con trazo propio.

En Gratacós, esta tendencia se traduce en tejidos con estampados abstractos y gráficos contemporáneos que parecen pintados a mano o estructurados con precisión imperfecta. Diseños que estimulan la creatividad y permiten jugar con el patrón como punto de partida para una historia visual distinta.

Desfile SS25 Mariano Moreno

Rayas, nostalgia y pop gráfico: el revival más vibrante

Las rayas nunca se han ido, pero este 2025 regresan con una nueva energía visual. Ya no son discretas ni sobrias. Ahora se ensanchan, se curvan, se cruzan. Se visten de colores vibrantes, se solapan sin miedo, se inspiran en la estética de los años 60 y 70 y se mezclan con influencias del diseño gráfico contemporáneo.

Este revival trae consigo una alegría visual que se expresa a través de candy stripes, paletas ácidas, combinaciones cromáticas que chocan a propósito, líneas abstractas que se desdibujan en movimiento o composiciones que recuerdan al universo gráfico industrial. Motivos que parecen sacados de una lona de playa, de una carpa circense o de un cartel de serigrafía pop.

El impacto visual es inmediato, pero también estructural. Estas rayas actúan como dirección de lectura: alargan, ensanchan o redibujan la silueta. En algunos casos, incluso generan efectos ópticos que fusionan cuerpo y estampado en una sola arquitectura visual.

Los tejidos ideales para esta tendencia son aquellos que permiten nitidez en el trazo y riqueza en la saturación del color: algodones técnicos, jacquares multicolores, popelines con estructura o satenes gráficos que combinan cuerpo y brillo. También hay versiones más relajadas en linos o rayones, perfectos para prendas estivales con personalidad.

En Gratacós, esta tendencia se materializa en tejidos listados con espíritu vintage y composiciones cromáticas que juegan con la armonía y el contraste. Un punto de encuentro entre nostalgia y diseño actual, pensado para creadores que buscan ritmo, carácter y estilo gráfico propio.

En un verano donde los estampados toman la palabra, las flores se desbordan, las líneas dibujan nuevas narrativas y los grafismos retro regresan con fuerza, los tejidos se convierten en una herramienta de expresión sin límites. Porque si algo nos recuerda esta temporada es que vestir —y crear— también es una forma de posicionarse.

¡Bienvenidos a un verano de todo menos aburrido!

Hay artistas que cambian de piel. David Bowie las coleccionó todas. Más allá de su legado musical, su imagen fue una obra de arte en constante evolución. El vestuario fue su armadura, su manifiesto, su espejo. Y la fotografía, el medio que inmortalizó cada transformación. La exposición Bowie x Sukita, que puede visitarse en la galería FotoNostrum de Barcelona hasta el 15 de septiembre, invita a sumergirse en este universo camaleónico a través de más de 70 imágenes icónicas captadas por el fotógrafo japonés Masayoshi Sukita, uno de los grandes testigos de su metamorfosis.

Comisariada por el grupo italiano Ono Arte, esta muestra íntima y visual traza una línea directa entre la estética de Bowie y su inquietud artística. Desde sus inicios como Ziggy Stardust en los años 70 hasta sus últimos años de vida, cada imagen seleccionada revela una nueva encarnación del artista. El objetivo de Sukita lo acompaña durante más de cuatro décadas: lo observa, lo entiende, lo sigue. Y a cambio, Bowie le ofrece algo más que poses. Le regala un personaje en construcción que se metamorfosea en cada etapa y que, sin necesidad de palabras —Sukita no hablaba inglés—, construye un vínculo profundo entre artistas.

Una relación sellada por la imagen

El primer contacto surgió de forma esporádica en Londres, en 1972, cuando Sukita viajó desde Japón para fotografiar a Marc Bolan de T-Rex y acabó conociendo a Bowie en uno de sus conciertos. Aquel primer encuentro marcó el inicio de una colaboración sostenida en el tiempo, de la que nacería una de las imágenes más reconocibles del siglo XX: la portada del álbum Heroes (1977). Pero más allá de ese icono gráfico, lo que emerge en esta exposición es la complicidad entre dos creadores que se entienden desde la intuición y el silencio.

En las imágenes vemos a Bowie como lo conocimos —radical, provocador, etéreo— y también como nunca lo habíamos visto: reposado, introspectivo, casi doméstico. La exposición incorpora además fotografías menos conocidas tomadas en Japón, un país que inspiró al artista por su estética refinada, su teatralidad simbólica y su cultura visual. En esas escenas se respira una calma distinta, un Bowie más pausado, pero igual de magnético.

El vestuario como narrativa

Bowie nunca se vistió por casualidad. Cada traje era una declaración de intenciones. Su vestuario osciló entre el futurismo y la nostalgia, la androginia y la exageración, la artesanía y el artificio. En estas fotografías, la moda deja de ser decorado y se convierte en texto visual: un mono de látex metalizado, un traje de inspiración militar, un conjunto geométrico con reminiscencias orientales… Los tejidos que lo envuelven cuentan historias sin palabras.

Siluetas extremas, texturas brillantes, cuellos imposibles, mangas que desafían la gravedad. La elección de materiales —charol, lúrex, terciopelo, lamé— construía una coreografía silenciosa que dialogaba con la música y con el gesto. Bowie entendía que un traje podía cantar por sí solo, y que un cuerpo vestido era también una idea vestida.

Sukita: el ojo que intuyó el mito

Masayoshi Sukita, nacido en Japón en 1938, venía del mundo de la fotografía de moda masculina. Su mirada estaba entrenada para detectar gestos, detalles, silencios. Fascinado por las subculturas urbanas y el rock psicodélico, asistió a Woodstock y fotografió a artistas como Iggy Pop, Joe Strummer, Devo o Y.M.O. Pero fue con Bowie con quien encontró un diálogo verdadero.

Sukita no buscaba capturar lo evidente, sino lo invisible. Su dominio de la composición, la luz y el equilibrio escénico le permitió crear retratos cargados de atmósfera, casi cinematográficos. Muchas de las imágenes que hoy forman parte del imaginario colectivo nacen de este vínculo artístico y de una confianza tejida con el tiempo.

Un viaje por el estilo como libertad

Visitar Bowie x Sukita es sumergirse en un archivo emocional donde la fotografía y la moda dialogan sin jerarquías. Hay retratos íntimos, sesiones escenificadas y fotografías de conciertos donde se intuye la electricidad del directo. Cada instantánea es una puerta abierta al universo de un artista que hizo de su cuerpo un lienzo y del vestuario, un manifiesto.

Hoy, diseñadores, artistas y amantes del textil seguimos bebiendo de su legado. Porque Bowie no solo dictaba tendencias: las desmontaba. Fue alta costura sin pasarela, glam sin género, vanguardia sin nostalgia. Y ese espíritu libre, valiente y profundamente visual conecta con el alma de Gratacós, donde cada tejido también es un acto creativo.

📍 Bowie x Sukita

Del 23 de mayo al 15 de septiembre de 2025

www.fotonostrum.com

Collage inspiracional amarillo mantequilla. Foto Mariano Moreno

p style=”text-align: justify;”>La primavera florece en todo su esplendor y, de toda la amalgama de colores inspirados en este renacimiento cromático, hay uno que en 2025 se impone por encima del resto. Ya sea por tendencia, gusto o predilección natural.

Un color que no grita. Que no necesita imponerse para ser memorable. Esta temporada, el amarillo se apaga hasta volverse crema. Se vuelve mantequilla. Una tonalidad que ilumina sin estridencias y se desliza con suavidad sobre tejidos livianos como organzas, sedas y algodones.

Lejos de buscar protagonismo, el amarillo mantequilla acompaña, calma, matiza. En un momento donde todo vibra al ritmo de lo fugaz, esta tonalidad reaparece como un guiño al confort, a la ternura y a una elegancia más silenciosa. Una vez considerado difícil, incluso temido, hoy se cuela en colecciones refinadas, pasarelas y editoriales como el tono preferido de quienes buscan equilibrio entre lo romántico y lo contemporáneo.

Descubrimos algunas de sus múltiples facetas.

Breve historia del amarillo. De lo noble a lo marginal

El amarillo es uno de los colores más antiguos y cargados de simbolismo en la historia del arte y la indumentaria. Presente en los pigmentos naturales del Antiguo Egipto —donde se asociaba con el oro, el sol y la eternidad—, también fue uno de los tonos más utilizados en los frescos romanos y bizantinos por su capacidad para captar la luz.

Durante siglos, sin embargo, el amarillo vivió una dualidad constante: por un lado, representaba la luz, la energía, la nobleza; por otro, fue estigmatizado por su asociación con la traición o la marginalidad en ciertos contextos históricos. En la Edad Media, por ejemplo, fue el color impuesto a los herejes y los marginados. Esta ambivalencia cromática se ha arrastrado hasta tiempos modernos, haciendo que el amarillo fuera considerado durante décadas como un tono difícil, incluso “maldito”, especialmente en moda.

A partir del siglo XX, con la explosión del diseño moderno, el color recupera su lugar como símbolo de vanguardia y provocación. Del amarillo neón de los años 80 al mostaza setentero o al amarillo flúor de los 2000, este tono ha ido mutando su significado con cada generación.

Hoy, en su versión más suave y cremosa, el amarillo mantequilla se presenta como una evolución natural: un punto de encuentro entre la sofisticación y la cercanía, entre lo cálido y lo neutro. Es el amarillo que deja atrás el dramatismo para convertirse en equilibrio.

Collage inspiracional amarillo mantequilla. Fotos Gonçalo Peixoto

¿Por qué nos llega este arrebato de amarillo mantequilla?

En un mundo donde las tendencias cambian a la velocidad del scroll y todo convive con todo, hablar de “tendencias de color” puede parecer anacrónico. Sin embargo, hay tonos que consiguen captar el pulso emocional de una época. El amarillo mantequilla es uno de ellos.

Esta tonalidad suave, cercana y sin estridencias conecta con un deseo colectivo de calma, bienestar y refugio estético. Frente al exceso, la sobrecarga visual y el ruido cromático de lo digital, emergen colores que nos invitan a bajar el ritmo. El amarillo pastel —en concreto, esta versión cremosa y luminosa— se percibe como un bálsamo visual. Una microtendencia que se cuela tanto en la moda como en el diseño de interiores, en la cosmética o incluso en el universo digital.

La psicología del color asocia el amarillo con la creatividad, la vitalidad y el optimismo. En su versión más suave, esa energía se matiza y se convierte en algo más introspectivo: ternura, sensibilidad, amabilidad. Es un color que no impone, que acompaña.

En un contexto donde lo efímero se impone pero el ser humano sigue buscando significado, el amarillo mantequilla representa una respuesta estética a una necesidad emocional: volver a lo esencial, pero con luz.

Collage detalles pasarelas. Fotos: Pinterest

De la pasarela a fenómeno global

El amarillo mantequilla ha pasado de ser una curiosidad cromática a convertirse en uno de los colores más visibles —y deseables— de la temporada. Esta primavera-verano, su presencia en pasarelas, alfombras rojas y editoriales ha confirmado lo que ya apuntaban las insiders: estamos ante un nuevo neutro.

Todo empezó con un gesto rotundo: Timothée Chalamet apareció en la alfombra roja de los Oscar con un conjunto en amarillo mantequilla, rompiendo prejuicios y generando titulares. Pocos días después, Katie Holmes lo lucía con elegancia en el desfile de Zimmermann, combinando gabardina y pantalón en este tono con accesorios en negro y marrón chocolate. El street style lo abrazó inmediatamente, dejándonos estilismos monocromáticos y combinaciones con beis, blanco roto y tonos tierra que han multiplicado su versatilidad.

En la pasarela, firmas como Givenchy, Bottega Veneta, Molly Goddard, Zimmermann, Christopher Esber o Rotate han teñido sus colecciones de esta tonalidad cremosa. En la colección debut de Sarah Burton para Givenchy, un abrigo con hombros marcados y cintura ceñida se convirtió en una de las piezas más virales de la temporada. Por su parte, Toteme presentó vestidos pañuelo, chales y blusas minimalistas que acercan este color al universo escandinavo.

Lo interesante es cómo este tono se adapta a todo tipo de prendas. Desde los vestidos midi y maxi más románticos hasta trajes estructurados, chaquetas de napa, blusas de seda o incluso conjuntos denim. The Row y Jacquemus lo han reinterpretado desde dos enfoques opuestos pero igualmente sofisticados: uno más depurado y urbano, otro más sensual y mediterráneo.

Lo que antes era percibido como un tono “difícil”, hoy se posiciona como un nuevo básico de armario. Un color que no busca imponer tendencia, sino mantenerse.

Collage pasarelas de Chloé, Chanel y Toteme

Un color rico en matices

Si hay un lugar donde el amarillo mantequilla despliega todo su potencial es en el tejido. Su suavidad cromática exige materiales capaces de reflejar la luz con delicadeza, sin perder cuerpo ni definición. Es un color que no tolera lo plano: necesita texturas, matices y estructuras que lo hagan vibrar en cada movimiento.

En tejidos con caída —como las sedas satinadas, el crep, el voile de algodón o el tul bordado— adquiere un aire etéreo, perfecto para vestidos de ceremonia, piezas vaporosas o camisería de autor. En bases más técnicas como el mikado, el tafetán o la napa ligera, gana fuerza y sofisticación, ideal para trajes estructurados, capas o detalles con volumen escultórico.

El amarillo mantequilla también funciona de forma sorprendente en tejidos con textura: jacquares florales, bordados tonales, encajes sutiles, incluso en versiones con efecto irisado o brillo seco, aportando riqueza sin estridencias.

En Gratacós, lo interpretamos como un color que no necesita elevar la voz para hacerse notar. Que conecta con un diseño honesto, con mirada personal, con sensibilidad en la elección de cada materia.

Y si buscas inspiración…

Explora en nuestra tienda online nuestra selección de tejidos en amarillo mantequilla: propuestas que combinan suavidad, sofisticación y carácter para dar forma a piezas atemporales con alma contemporánea. Porque a veces, la fuerza del color está precisamente en su delicadeza.

Abril se despide de blanco en un mes dedicado a la tradición nupcial. Desde nuestro escaparate, dedicado una vez más a la técnica del moulage a través de tres diseños creados por alumnas del postgrado en diseño de vestidos de novia y ceremonia del IED Barcelona, hasta nuestro córner especial para la novia, todo en Gratacós ha respirado espíritu nupcial. También de blanco se han teñido los sueños de las futuras bride to be y de quienes han querido revivir su puesta en escena, sin perderse ningún detalle de la nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week 2025. Un escaparate de relevancia internacional que vuelve a demostrar que la moda nupcial no es solo un acto de creación: es también un lenguaje que habla de deseo, de belleza y de nuevas posibilidades.

Esta edición histórica, la más grande celebrada hasta la fecha, convierte anualmente a Barcelona en el epicentro mundial del arte bridal. Un espacio donde diseñadores consagrados, ateliers independientes y nuevas voces reimaginan el vestido de novia como una expresión íntima de identidad, sensibilidad y futuro. Más de 40 desfiles, un showroom vibrante y un escenario que respira innovación, artesanía y emoción. Cada puntada, cada encaje, cada volumen que desfiló en Montjuïc es una invitación a soñar de nuevo, a entender que la verdadera modernidad reside en la conexión entre manos, materia e imaginación.

Desde Gratacós, nos inspiramos en este universo de texturas, volúmenes y detalles que narran historias de amor, pero también de evolución, fuerza y belleza atemporal. A continuación, analizamos algunos de los desfiles a los que asistimos a título personal para desembocar en las tendencias vistas para las futuras novias.

Desfile Mariano Moreno. Foto: Barcelona Bridal Week 2025

Mariano Moreno, homenaje a Gaudí en clave nupcial

En la Barcelona Bridal Fashion Week 2025, Mariano Moreno presentó su colección ‘I DO’, una propuesta que rinde homenaje a la ciudad de Barcelona y al legado centenario de Antoni Gaudí. Inspirado en la arquitectura modernista catalana, el diseñador creó piezas únicas que fusionan arte, volumen y formas orgánicas con alta costura.

La colección destaca por su reinterpretación de elementos arquitectónicos emblemáticos, como las fachadas modernistas y las estructuras onduladas características de Gaudí. Los vestidos incorporan detalles que evocan la Sagrada Familia y la Casa Batlló, utilizando tejidos que imitan las texturas y formas de estos monumentos. El uso de volúmenes escultóricos y acabados sin costuras refleja la esencia del modernismo catalán en cada diseño.​ Con “I DO”, Mariano Moreno continúa su misión de redefinir el lujo en la moda nupcial, combinando creatividad, sostenibilidad y una visión contemporánea. Sus diseños buscan que cada novia se sienta auténtica y única, fusionando la magia de la alta costura con elementos que celebran la identidad y el patrimonio cultural de Barcelona.

Esta colección no solo destaca por su estética innovadora, sino también por su compromiso con la sostenibilidad y la artesanía local, consolidando a Mariano Moreno como una figura clave en la evolución de la moda nupcial contemporánea.

Desfile Yolancris. Foto: Barcelona Bridal Week 2025

Yolancris, la belleza de la imperfección

En la Barcelona Bridal Fashion Week 2025, Yolancris presentó su colección “Paradoxe”, una oda a la dualidad entre tradición e innovación. La firma, dirigida por Yolanda Pérez, fusionó el espíritu bohemio con la alta costura, destacando tules pintados a mano, mikados de seda, encajes de Calais y flores preservadas con sedas. ​

La colección celebró la “imperfección perfecta”, buscando una belleza sincera y creativa. La puesta en escena incluyó un fragmento de entrevista al diseñador japonés Yohji Yamamoto, enfatizando la importancia de la calidad en la creación. ​‘Paradoxe’ reafirma el compromiso de Yolancris con la sostenibilidad y la artesanía, ofreciendo diseños que reflejan la autenticidad y la innovación en la moda nupcial contemporánea.​

Backstage Yolancris. Foto: Barcelona Bridal Week 2025

¿Qué busca la novia actual? Descifrando algunas tendencias

La novia de 2026 abandona los moldes tradicionales para abrazar una nueva forma de entender su vestido: como una extensión de su personalidad, de sus raíces y de su forma de sentir. Esta temporada, la moda nupcial evoluciona hacia una estética plural y emocional, donde cada pieza respira libertad, naturalidad y sofisticación consciente.

Los tejidos son el alma de esta nueva novia. Las texturas botánicas —bordados florales, aplicaciones en 3D, encajes inspirados en la naturaleza— dominan las colecciones más destacadas, evocando un regreso a lo esencial y a la conexión con el entorno. Junto a ellas, los materiales nobles como la seda, el crep, el tul o el tafetán reafirman el valor de la artesanía y del lujo silencioso.

Las siluetas se vuelven más versátiles: vestidos transformables con capas desmontables, mangas extraíbles o faldas que se adaptan a cada momento del gran día. Esta modularidad permite a la novia vivir la ceremonia, la celebración y la fiesta con un solo diseño, fiel a su esencia y su comodidad.

En cuanto a la forma, conviven varias corrientes: el minimalismo estructurado, el volumen escultórico como forma de arte, el romanticismo reinterpretado con un lenguaje actual y, sobre todo, la personalización extrema. Cada vestido busca no solo embellecer, sino contar una historia única.

La paleta de colores evoluciona también: junto al clásico blanco y marfil, emergen tonos blush, lavanda, verde suave, terracota o sutiles destellos metálicos que aportan carácter y modernidad.

La novia de hoy —y de mañana— quiere caminar hacia su nueva etapa envuelta en tejidos que acaricien, estructuras que inspiren y detalles que emocionen. Una novia valiente, sensible y auténtica, que entiende su vestido como una obra de arte personal, y no como una simple tradición.

Aprovechamos también la ocasión para invitarte a descubrir nuestra colección de tejidos bridal, pensados para dar forma a vestidos que emocionan, inspiran y celebran historias únicas.

Imágenes del backstage. Foto: Barcelona Bridal Week 2025

Desfile Lola Casademunt by Maite. 080 Barcelona Fashion

El 080 Barcelona Fashion volvió a demostrar en la edición de abril 2025 por qué es mucho más que una pasarela: es un escenario donde la moda cobra sentido a través del relato, la emoción y la materia. Esta edición reafirmó su esencia como plataforma híbrida, donde conviven marcas comerciales y diseñadores independientes, tejiendo un ecosistema vibrante que celebra la creatividad en todas sus formas. Lejos de ser una simple sucesión de tendencias, el 080 apuesta por propuestas con alma, capaces de contar historias desde la silueta, el volumen y, sobre todo, el tejido.

La pasarela catalana se llenó de contrastes: nostalgia y modernidad, sensualidad y fantasía, estructura y fluidez. Cada colección ofreció una mirada singular, pero todas compartieron un punto en común: el textil como hilo conductor del mensaje. Hay moda que grita y moda que susurra, y en esta edición, el lenguaje de la materia fue el verdadero protagonista.

Algunos diseñadores apelaron a la artesanía y al valor del gesto manual; otros a la teatralidad o al simbolismo emocional. Entre nombres consolidados y nuevas voces, se impuso la libertad creativa y la mirada de autor, con una exquisita atención a los acabados, las texturas y la construcción.

En este cruce de estilos y generaciones, marcas tan dispares como Lola Casademunt, Compte Spain, Anel Yaos y Juan Vidal brillaron por su forma de entender la moda como una forma de expresión íntima. Propuestas que convierten el tejido en narrador silencioso de emociones, ideas y belleza. Aquí las colecciones más inspiradoras:

Desfile Lola Casademunt by Maite. 080 Barcelona Fashion

Lola Casademunt by Maite

La firma catalana presentó su colección “Misty Coast”, una propuesta para el próximo otoño-invierno inspirada en los atardeceres brumosos de las costas normandas. Una estética envolvente y sofisticada, fiel al ADN de Lola Casademunt by Maite, que combina lo clásico y lo contemporáneo con una mirada muy femenina. En esta ocasión, el espíritu marinero se reinterpreta con lunares, rayas de punto grueso, lanas bordadas y pinceladas de color buganvilla, verde bosque o rosa sorbete que rompen la sobriedad del negro.

Los materiales ligeros como las sedas y viscosas conviven con texturas cálidas como la lana fría, y los detalles brillantes aportan un aire glam. Una colección pensada para una mujer que abraza la sofisticación sin perder la comodidad ni la personalidad.

Lola Casademunt nació hace más de 40 años en Cardedeu (Barcelona), cuando la Sra. Lola Casademunt empezó a crear a mano accesorios para el cabello. Su hija, Maite Casademunt, se incorporó muy joven al proyecto, aportando una nueva visión centrada en el diseño de moda. Desde 2018 está al frente de la empresa como presidenta y directora creativa, liderando tanto la línea homónima como su línea premium, “Lola Casademunt by Maite”.

Con “Misty Coast”, la firma reafirma su capacidad de crear colecciones coherentes, elegantes y con un toque de atrevimiento que nunca pasa desapercibido.

Desfile Compte Spain. 080 Barcelona Fashion

Compte Spain

La moda como un cuento, los tejidos como catalizadores de magia. Así se presenta “Objet Trouvé”, la colección que Santi Mozas, director creativo de COMPTE SPAIN, llevó a la pasarela del 080. Una propuesta de prêt-à-couture que convierte los símbolos encantados de los relatos clásicos —un zapato de cristal, un espejo mágico, un hilo dorado— en una metáfora contemporánea. Elementos que, como en los cuentos, transforman el curso de la historia.

Con 25 looks cargados de intención, la colección reinterpreta los códigos femeninos desde una mirada sofisticada y teatral. Tweeds con brillo, lentejuelas, transparencias vaporosas, plumas y aplicaciones artesanales construyen un universo visual de gran riqueza textil. Los colores borgoña, negro, blanco, azul claro y topo refuerzan ese juego entre lo etéreo y lo intenso que define el imaginario de la firma.

COMPTE SPAIN es una marca española que hace de la moda de autor su principal valor. Sus colecciones —hechas a mano en España— nacen del imaginario de los cuentos, pero descontextualizadas, alejadas del relato obvio. La firma apuesta por una producción ética y local, respetando tanto el proceso creativo como a los artesanos que lo hacen posible.

“Objet Trouvé” no es solo una colección, sino una reflexión sobre el poder transformador de los pequeños detalles. Un canto al slow fashion con alma narrativa.

Desfile Anel Yaos. 080 Barcelona Fashion

Anel Yaos

Con “MARÍA”, Anel Yaos transforma el blanco en un lienzo poético donde proyectar emociones, formas y texturas. Una propuesta profundamente personal —inspirada en su hermana, en su otro yo— que explora todas las posibilidades de este color aparentemente neutro, pero lleno de matices: tiza, nácar, mármol, hueso… El blanco se convierte aquí en símbolo de pureza, pero también de fuerza y de refugio.

Fiel a su universo naif y onírico, el diseñador andaluz da vida a siluetas que combinan delicadeza y dramatismo, con superposiciones, volúmenes orgánicos y una rica mezcla de tejidos que refuerzan la narrativa de la colección. Neopreno, encaje, lana, punto, piel sintética y seda se funden en una atmósfera etérea y táctil, donde cada prenda parece hablar desde el interior.

“MARÍA” no solo es una propuesta estética, es una declaración emocional. La moda de Anel Yaos canaliza sentimientos generacionales: inseguridades, anhelos, la presión por encajar y, al mismo tiempo, la búsqueda de una felicidad pura y genuina. A través del blanco, el diseñador convierte el silencio en un grito sereno.

Formado en diversas disciplinas relacionadas con el diseño, el arte y la comunicación —entre Sevilla y Barcelona—, Anel Yaos ha construido una firma que se reconoce por su autenticidad, su ternura y su capacidad para emocionar sin artificios. En esta edición del 080, volvió a recordarnos que los tejidos no solo visten, también acarician el alma.

Desfile Juan Vidal. 080 Barcelona Fashion

Juan Vidal

En su última colección, “Me quiere, no me quiere”, Juan Vidal convierte la vulnerabilidad en poesía visual. Deshojar una margarita como acto simbólico de incertidumbre y búsqueda. Un gesto lúdico que, en manos del diseñador alicantino, se transforma en reflexión estética sobre la identidad, la dualidad y el deseo de certeza en un mundo inestable.

Con su inconfundible sofisticación emocional, Vidal construye una propuesta donde los opuestos dialogan con armonía: lo rígido y lo fluido, lo mate y lo brillante, lo masculino y lo femenino. Pistilos, pétalos, xilografías florales, gabardinas y satenes lavados conforman una colección etérea y profunda, que acaricia la indecisión sin miedo, elevándola a experiencia estética.

Formado en Bellas Artes y diseño de moda en Barcelona, Juan Vidal es uno de los nombres clave de la moda española contemporánea. Desde sus inicios —cuando ganó el premio FAD con su colección de estudiante— hasta convertirse en ganador de galardones como el Who’s On Next de Vogue o el Premio Nacional de Moda, su trayectoria se ha definido por una impecable técnica, un dominio magistral del volumen y un enfoque conceptual que bebe tanto del arte como de la tradición textil.

En la pasarela del 080, Vidal reafirma su visión personalísima de la moda: vestidos que no solo visten, sino que provocan, emocionan y seducen. Porque a veces, lo verdaderamente poderoso nace de abrazar la duda.

Lisboa Fashion Week. Fotos: Luís Miguel Fonseca

Olvídate de Londres, París, Milán, Copenhague o Madrid. O, mejor dicho, introduce una nueva variable dentro de las capitales que encabezan la moda europea. Lisboa está en el punto de mira en el sector moda y se ha convertido en los últimos años en un hervidero de tendencias. La ciudad, con su atmósfera vibrante y cosmopolita, ha sabido fusionar su riqueza histórica con una escena creativa en plena efervescencia. Y este giro se palpa tanto en lo creativo como en lo fáctico.

Una nueva generación de diseñadores independientes ha revitalizado el panorama de la moda portuguesa, complementando las marcas consagradas y logrando reconocimiento dentro y fuera de sus fronteras. Este auge no es casualidad: la combinación de una sólida tradición textil, la apuesta por la sostenibilidad y una visión fresca y contemporánea del diseño han posicionado a la capital lusa como un enclave estratégico para la industria.

El legado de la tradición textil se mantiene vivo

Nada tendría sentido sin esta premisa: Portugal es uno de los principales productores textiles de Europa, con fábricas que trabajan para algunas de las marcas más prestigiosas del mundo. Y lo sigue siendo a día de hoy a pesar de la deslocalización del tejido industrial hacia economías emergentes de Asia y África.

Desde el algodón orgánico hasta las técnicas más innovadoras en la producción de tejidos sostenibles, la industria textil portuguesa ha evolucionado sin perder su esencia local ni artesanal. En regiones como el valle de Ave y Guimarães, se concentran talleres y fábricas que combinan saber hacer artesanal con procesos de fabricación de última generación, lo que ha permitido que muchas marcas apuesten por la producción local. Esta herencia textil ha sido clave para el desarrollo de diseñadores emergentes que buscan diferenciarse a través de la calidad y la innovación. También es importante destacar que esta proximidad a la vez da un mayor acceso directo al consumidor, convirtiendo la moda en un bien que engloba calidad, proximidad y prestigio de territorio.

Lisboa Fashion Week, el centro neurálgico de la moda lusa

No es la pasarela más grande ni la más mediática en términos de cobertura, pero sí la que está ganando cada vez más relevancia por ofrecer a la industria una perspectiva fresca y diferente. ModaLisboa no solo presenta desfiles, sino que también fomenta el diálogo y el aprendizaje a través de charlas y talleres, destacando no solo a los diseñadores, sino al ecosistema creativo del país. Con cada edición, Lisboa reafirma su posición como epicentro de la innovación, consolidando su identidad única dentro del panorama de la moda europea.

Lisboa Fashion Week, también conocida como ModaLisboa, es el evento de referencia para la moda portuguesa. Fundada en 1991, se ha convertido en una plataforma clave para diseñadores tanto emergentes como consolidados. Su enfoque en la sostenibilidad y la creatividad sin restricciones la han diferenciado dentro del circuito internacional de semanas de la moda.

ModaLisboa se celebra dos veces al año y reúne a diseñadores, compradores y medios de comunicación para presentar las colecciones de la temporada. En lugar de ceñirse a un único recinto ferial, sus desfiles se desarrollan en espacios emblemáticos de la ciudad, como el Pavilhão Carlos Lopes o el Palácio Sinel de Cordes, convirtiendo la capital lusa en un escenario de moda en sí misma.

Uno de sus pilares fundamentales es el apoyo al talento emergente, materializado en iniciativas como Sangue Novo. Este programa da visibilidad a jóvenes diseñadores, brindándoles una plataforma para mostrar sus propuestas y facilitando su entrada en la industria. Con esta apuesta por la creatividad y la innovación, ModaLisboa no solo impulsa la moda portuguesa, sino que refuerza su papel como un evento clave en la escena internacional.

Diseñadores que nos llaman la atención

Hay muchísimo talento con propuestas que van desde las más consolidadas hasta las más disruptivas. En Gratacós estamos atentos a diseñadores y marcas que desfilan habitualmente en la Lisboa Fashion Week, así como a otros sellos independientes que están marcando la pauta en la moda portuguesa. A continuación, destacamos algunos de los creadores que más nos inspiran:

Lisboa Fashion Week. Fotos: Ugo Camera

Gonçalo Peixoto

Gonçalo Peixoto es un joven diseñador que inició su formación en Diseño de Moda en 2012 en Guimarães, y posteriormente se graduó en la ESAD de Matosinhos. Desde sus primeros estudios, ha demostrado ser un artista apasionado, impulsado por su amor por la moda y su deseo de crear. Sus colecciones han captado la atención de reconocidas tiendas de moda y publicaciones especializadas, consolidándose rápidamente en el panorama portugués.

En septiembre de 2017, Gonçalo presentó su primera colección en la London Fashion Week, y en marzo de 2018 se integró al calendario oficial de la ModaLisboa, donde comenzó a mostrar sus colecciones de manera regular.

Con una estética joven y sofisticada, Peixoto apuesta por la feminidad moderna, reinterpretando las tendencias con una visión fresca y audaz. En sus últimas colecciones presentadas en Lisboa Fashion Week es habitual ver combinaciones sorprendentes: tejidos metalizados, transparencias y cortes asimétricos, reflejando una visión contemporánea de la moda. Los colores vibrantes y las siluetas ajustadas acostumbran a ser los protagonistas de una propuesta pensada para una mujer segura de sí misma y con una fuerte personalidad.

Lisboa Fashion Week. Fotos: Ugo Camera

Carlos Gil

Carlos Gil es un diseñador con una sólida trayectoria, reconocido por su dominio del patronaje y su capacidad para equilibrar lo clásico con lo contemporáneo. Nacido en Nampula, Mozambique, a finales de la década de 1960, Carlos Gil se formó en Diseño de Moda en Portugal. En 1998 inauguró su atelier en Fundão, ciudad en la que reside y trabaja, y pocos años después abrió su primera tienda bajo la marca CARLOS GIL.

Carlos Gil presenta sus colecciones de manera regular en la ModaLisboa y ha logrado conquistar mercados internacionales mediante su participación en importantes semanas de la moda. A lo largo de su carrera, ha recibido varios reconocimientos y premios, como la Medalha de Mérito da Cidade do Fundão (2009), el Premio Jovem de Sucesso en Portugal y en el extranjero (2009), y la Comenda de Gran Oficial de la Orden del Infante D. Henrique (2015).

El diseñador destaca por su habilidad para crear piezas impactantes y de notable calidad, con un enfoque que combina sofisticación y elegancia. Sus colecciones son cosmopolitas y actuales, pero siempre mantienen una fuerte distinción. En sus últimas propuestas, Gil ha explorado la sofisticación a través de tejidos estructurados, juegos de volúmenes y detalles bordados. La paleta cromática varía entre tonos neutros y acentos de color que aportan dinamismo a cada look. Su estilo refleja un aire retro actualizado, con influencias de la elegancia de los años 70 reinterpretadas para el público actual.

Fotos: Ugo Camera

Nuno Baltazar

Nuno Baltazar es uno de los diseñadores más relevantes de la moda portuguesa. Se formó en Diseño de Moda en el Citex (hoy Modatex) y desde sus primeros pasos destacó por su talento, obteniendo premios como Jóvenes Creadores de la Revista Máxima y Porto Moda. En 1999 comenzó a presentar sus colecciones en ModaLisboa, inicialmente junto a Cravo, y en 2004 presentó su propia marca.

En 2005, abrió su tienda en Oporto y creó piezas únicas bajo la etiqueta Nuno Baltazar Atelier, colaborando con figuras como Carminho, Raquel Strada y Victória Guerra. También ha diseñado la imagen de la presentadora Catarina Furtado y trabajado en vestuarios para televisión y teatro. A lo largo de su carrera ha recibido premios como el Fashion Award de Fashion TV Portugal (2011) y el Globo de Oro al Mejor Diseñador (2013). En 2020 regresó a las pasarelas de ModaLisboa con sus colecciones autorales.

Nuno Baltazar se caracteriza por su enfoque minimalista y su meticulosa atención a los detalles, lo que ha convertido su marca en un referente de la moda contemporánea. En sus últimas colecciones, ha mostrado una serie de piezas que fusionan cortes depurados con materiales ricos en textura, como lanas ligeras y sedas estampadas. La sastrería reinventada ha sido uno de los pilares de sus propuestas, destacando trajes desestructurados y una fusión de lo masculino y lo femenino, siempre con su sello personal.

Fotos: Ugo Camera

Luis Carvalho

Luís Carvalho, originario de Vizela, se formó en Diseño de Moda y Textil en el Instituto Politécnico de Castelo Branco. A lo largo de su carrera, ha participado en diversos concursos de moda y trabajado en la ModaLisboa y en los ateliês de reconocidos diseñadores como Filipe Faísca y Ricardo Preto. Fue diseñador en Salsa Jeans durante dos años y medio antes de crear su propia marca en 2013, debutando con su primera colección en la ModaLisboa. Ese mismo año, inauguró el LUIS CARVALHO | studio en Vizela, que combina su atelier y tienda propia. Carvalho ha sido premiado en varias ocasiones, entre ellos el “Maison Mode Mediterranée” Prize en Marsella (2018 y 2019) y ha presentado su trabajo en París, en el Showcase Moda Portugal.

El diseñador es conocido por vestir a numerosas figuras públicas, tanto a nivel nacional como internacional. Su enfoque creativo lo ha consolidado como un creador que desafía los límites entre lo conceptual y lo comercial. Sus diseños se distinguen por la experimentación con formas y materiales, apostando por volúmenes arquitectónicos y tejidos de alta calidad. En las últimas colecciones presentadas en Lisboa Fashion Week, Luis Carvalho ha apostado por prendas que exploran la estructura y el movimiento. La fusión de cortes geométricos y drapeados sutiles ha añadido fluidez a sus propuestas, creando una estética contemporánea y sofisticada que define su estilo.

En Gratacós, seguimos con atención estas propuestas que no solo celebran la moda, sino también la cultura y la identidad de Portugal. ¡La próxima edición promete ser aún más emocionante y llena de sorpresas!

Documental ‘Twiggy’ de Sadie Frost. Cortesía de Moritz Feed Dog

Los amantes del cine documental de moda tienen una cita ineludible en Barcelona con la nueva edición del Moritz Feed Dog, el único festival de ámbito estatal dedicado a esta disciplina. Un evento que trata la moda como lo que es: una expresión cultural conectada con otras artes y un reflejo de su tiempo.

La novena edición se celebrará del 19 al 23 de marzo en los cines Mooby Bosque de Barcelona y la Casa Capell. Entre la veintena de títulos programados, destacan documentales sobre figuras clave del sector como Twiggy, Thierry Mugler, John Galliano, Elsa Schiaparelli, Coperni y Paco Rabanne.

Una inauguración de lujo con Twiggy

La gran protagonista de esta edición es, sin duda, Twiggy, quien viajará a Barcelona para asistir a la proyección de su propio documental en la noche inaugural. La expectación ha sido tal que las entradas llevan semanas agotadas.

Lesley Hornby, más conocida como Twiggy, acaba de cumplir 75 años y presentará el documental junto a su directora, Sadie Frost. Tras su trabajo sobre Mary Quant, Frost regresa al festival con un emotivo retrato de la que fue el primer gran rostro de la moda moderna: la primera supermodelo de la historia. Un icono que rompió moldes dentro y fuera de las pasarelas y abrió camino a la diversidad en la industria. La clausura del festival la protagonizará el documental Paris, Capitale de la Mode. 50 Ans de Fashion Week de Loïc Prigent.

Documental ‘Twiggy’ de Sadie Frost. Cortesía de Moritz Feed Dog

Una leyenda viva de los 60

El documental Twiggy (2024) recorre la vida y el impacto de la mujer que definió una era. Pelo corto, pestañas postizas, aire adolescente. La imagen de los Swinging Sixties. En 1966, Lesley Hornby era una chica más de los suburbios de Londres, que hojeaba revistas donde brillaban Pattie Boyd y Jean Shrimpton. Su apodo de la infancia, “Twigs” (ramitas), hacía referencia a su silueta ágil y andrógina, adelantándose a la tendencia unisex.

Un corte de pelo, un maquillaje icónico, su actitud desinhibida y unas fotos de Barry Lategan lo cambiaron todo. Twiggy se convirtió en un fenómeno global a los 16 años y, lejos de ser un destello pasajero, construyó una trayectoria multifacética en cine, teatro, televisión y moda.

Ganó dos Globos de Oro por su debut en The Boy Friend (1971), fue nominada al Tony por el musical My One and Only (1983) y participó en televisión, música y diseño. Incluso formó parte del jurado de America’s Next Top Model. En 2019, la reina Isabel II la condecoró por su contribución a la moda y las artes, y desde 2020 lidera con éxito el pódcast Tea With Twiggy.

Una historia única que el Moritz Feed Dog celebra este 2025 en su noche más esperada.

Documental ‘Shocking Schiaparelli, histoire d’une visionnaire de la mode’ de Élise Chassaing. Cortesía de Moritz Feed Dog

Tres documentales ‘Made in Spain’

De los veinte documentales de moda que se proyectarán en esta edición, tres llevan sello español, una muestra del auge de este género en la industria audiovisual nacional.

Uno de los títulos destacados es Adolfo Domínguez. El eco de otras voces (2024), dirigido por su hija, Adriana Domínguez. Adolfo Domínguez es un emblema de la moda, pero también un enigma. En los albores de la democracia española, rescató el lino de su infancia, un tejido relegado por su tendencia a arrugarse. Con el lema “la arruga es bella”, conquistó a una nueva generación que buscaba diferenciarse. Fue el creador de una estética acorde con una sociedad en transformación. Este documental, íntimo y personal, no es una película diseñada, sino una película encontrada. Un viaje cinematográfico en el que padre e hija desvelan luces y sombras de un legado único.

Otro imprescindible es Paco Rabanne. Una vida fuera del patrón, dirigido por Pepa G. Ramos y Tirma Pérez. Un trabajo que intenta descifrar el enigma Rabanne: ¿fue un visionario provocador? A través de esta pieza, se revela su audacia, inconformismo, pasión por la música y la lucha interna entre sus raíces españolas y su identidad francesa.

Por último, Coordenadas. Pasado, presente y futuro de la moda española, de Pilar Riaño, directora de la plataforma Modaes, ofrece una mirada panorámica sobre la evolución del sector. Un análisis profundo de la industria a cargo de una de sus voces más autorizadas.

Documental ‘Dust to Dust’ de Kosai Sekine. Cortesía de Moritz Feed Dog

La moda desde múltiples perspectivas

“¿Cómo miramos la moda?”, plantea Olivier Nicklaus, director artístico del festival, escritor y realizador francés especializado en documentales de moda. Cada edición de Moritz Feed Dog explora esta diversidad de enfoques. La moda es un universo amplio y, dependiendo del ángulo desde el que se observe, puede adquirir distintas dimensiones. En el equilibrio entre arte e industria, la mirada puede volverse política, como en Made in Ethiopia (Max Duncan y Xinyan Yu), que sigue la expansión de una empresa china en el continente africano; African Beauty (Coréon Du), que cuestiona los cánones de belleza negra; o Youth (Wang Bing), que documenta el día a día en una fábrica textil china.

El enfoque también puede ser histórico, revisando la trayectoria de figuras icónicas como John Galliano (High & Low, Kevin Macdonald), Elsa Schiaparelli (Shocking Schiaparelli, Élise Chassaing) o Thierry Mugler (La mode avec un grand M, Aaron Thiesen). La fotografía de moda cobra protagonismo en documentales como Capturing Lee Miller (Teresa Griffiths) y The Treasure of his Youth (Bruce Weber), mientras que Model (Frederick Wiseman) examina el trabajo de las modelos en los años 80.

Documental ‘High & Low: John Galliano’ de Kevin Macdonald. Cortesía de Moritz Feed Dog

Desde una óptica más contemporánea, el festival se adentra en la visión de diseñadores que desafían los códigos de la industria, como Coperni (Coperni, le couple qui révolutionne la mode, Loïc Prigent) o Yuima Nakazato (Dust to Dust, Kosai Sekine).

Pero la moda también es espectáculo y disfrute. Moritz Feed Dog celebrará su faceta más glamurosa con una mirada al vestuario de Liza Minnelli y Bob Mackie, el legendario diseñador de Cher. Además, ofrecerá una exposición en Casa Capell con una selección de piezas de Polvo serán (2024), el musical dirigido por Carlos Marqués-Marcet, con diseño de vestuario de Pau Aulí. Inspirado en el art déco, la moda catalana de finales del siglo XX y la pintura barroca, Aulí construye un universo textil en el que los tejidos no son mero adorno, sino un elemento narrativo fundamental. En la muestra se exhibirán algunas de sus creaciones, concebidas para escenas de bodas improvisadas, viajes, bailes y cenas familiares.

Más allá de las proyecciones, el festival ofrecerá encuentros con directores y la oportunidad de escuchar a Caroline de Maigret hablar sobre su carrera y su papel como embajadora de Chanel. Y, como ya es tradición, la jornada se cerrará con conversaciones nocturnas en un ambiente distendido, porque la moda no solo se observa, también se vive.

Fotos abajo en orden:

Documental ‘Dust to Dust’ de Kosai Sekine. Cortesía de Moritz Feed Dog

Documental ‘That Click’ de Luca Severi. Cortesía de Moritz Feed Dog

En Gratacós, la creatividad y la innovación son parte de nuestra esencia. Como creadores y proveedores de tejidos para las grandes casas de costura, marcas internacionales y diseñadores, nuestra misión en cada colección es anticiparnos a las tendencias y ofrecer artículos que definan el futuro de la moda a través de los sentidos. Tejidos que salten a la vista, pero también que seduzcan por el tacto.

Cada año, presentamos nuestras colecciones en las principales ferias textiles del mundo, como Première Vision (Nueva York y París) y Milano Unica (Milán). Estos encuentros nos permiten compartir nuestras propuestas con diseñadores y firmas internacionales, además de obtener un feedback valioso para seguir adaptándonos a un mercado en constante evolución.

Así en febrero, dimos a conocer en exclusiva nuestra colección Primavera-Verano 2026, un adelanto de las tendencias que marcarán las próximas temporadas. Pero ahora, es el momento de sumergirse en la Colección SS25, la actual que comercializamos en nuestra página web y en nuestro espacio en Barcelona.

Una oda a la creatividad, a la frescura y a la ligereza

En líneas generales, la colección SS25 nace de la necesidad de explorar lo ingenuo y lo puro, conectándonos con nuestra esencia más espontánea. Desde la ternura, la frescura y la dulzura, la nueva temporada nos transporta a un universo de ligereza, donde la moda se convierte en un refugio de sensaciones amables y optimistas.
Esta colección está pensada para una moda sencilla, pero sofisticada, sin esfuerzo y versátil, perfecta para quienes buscan elegancia sin renunciar a la comodidad. A través de tejidos innovadores y acabados de alta calidad, la nueva propuesta da forma a prendas etéreas que celebran la llegada del verano.

Color

El color es un pilar fundamental de la temporada. Más allá de los neutros, siempre elegantes y combinables, la colección explora una paleta de tonos suaves y delicados, desde los pasteles más etéreos hasta los vibrantes matices inspirados en flores azucaradas.

Las tonalidades evocan la pureza y la frescura, con matices que recuerdan a los días soleados, los cielos despejados y la luz natural. Un juego cromático que permite crear combinaciones elegantes y versátiles para la temporada estival.

Texturas y relieves

Los tejidos de Gratacós destacan por su innovación y riqueza en texturas. En esta colección, los jacquards aportan profundidad y sofisticación, mientras que los bordados añaden un toque de fantasía a la moda de la próxima primavera-verano.

Los estampados serán protagonistas, con diseños cuidadosamente elaborados para ofrecer un equilibrio entre modernidad y atemporalidad. Cada tejido está pensado para ser transformado en prendas únicas, listas para cobrar vida en las manos de los diseñadores más exigentes.

SS25 no solo marca una nueva etapa en la moda estival, sino que reafirma el compromiso de Gratacós con la innovación, la creatividad y la excelencia textil. Una invitación a soñar, crear y reinventar la moda del verano ¡Te invitamos a descubrirla!

Desfile Fely Campo en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

En Gratacós, seguimos de cerca las principales pasarelas de moda españolas, siempre atentos a descubrir cómo nuestros tejidos se convierten en piezas únicas llenas de creatividad. Nos fascina ver la transformación de nuestras telas en manos de los diseñadores, quienes logran dar vida a colecciones cargadas de personalidad y estilo propio. Esta conexión entre materia prima e inspiración es, sin duda, lo que más nos motiva a seguir apostando por la innovación y la calidad.

Durante la reciente edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada en febrero de 2025, tuvimos la oportunidad de comprobar nuevamente la confianza que muchos creadores depositan en nuestros tejidos para sus propuestas. El empoderamiento femenino, la sostenibilidad, la experimentación con las texturas y la apuesta por materiales que combinan tradición y tecnología han sido algunas de las claves de esta temporada, donde cada prenda no solo destaca por su estética, sino también por la historia que hay detrás.

A continuación, te mostramos una selección de los desfiles más destacados de la temporada Otoño-Invierno 2025/2026, donde nuestros tejidos se han dejado ver en la pasarela. Es un privilegio ver cómo cada diseñador explora nuevas formas de expresión y juega con las texturas para proponer tendencias que inspiran.

Desfile Fely Campo en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Fely Campo

Fely Campo ha presentado SELF><WORLD, una colección que invita a reflexionar sobre la relación entre nuestra identidad y el entorno. ¿Qué proyectamos al mundo? ¿Cómo se traduce nuestro “yo” interior en la imagen que mostramos? Con estas preguntas como punto de partida, la diseñadora salmantina propone un prêt-à-porter de lujo donde la esencia personal y la expresión externa se funden en un mismo lenguaje.

La colección otoño-invierno 2025/26 destaca por su equilibrio entre estructura y fluidez, jugando con materiales que evocan emociones y despiertan los sentidos. El tweed, con su textura envolvente, aporta calidez y remite a la tradición, mientras el terciopelo se presenta como un homenaje a la riqueza sensorial, combinado con lentejuelas y bordados que sugieren brillo contenido y sofisticación. La seda, ligera y etérea, se desliza entre las piezas aportando movimiento y suavidad, en contraste con tejidos más pesados como la lana, creando un diálogo visual entre lo robusto y lo delicado.

La paleta cromática se libera de convencionalismos, rompiendo los límites tradicionales del color. Tonos profundos se entrelazan con destellos luminosos, reflejando las múltiples facetas del “self” y la diversidad de estados emocionales. La versatilidad de las prendas permite que cada mujer se exprese a su manera, con diseños pensados para el día a día que no renuncian a la elegancia ni a la atemporalidad.

Fiel a su compromiso con la sostenibilidad, Fely Campo apuesta por piezas que trascienden lo efímero. Cada diseño está concebido para perdurar, resistiendo la urgencia de lo nuevo y abrazando la belleza que perdura en el tiempo. Las siluetas, refinadas y cómodas, realzan la figura femenina sin imponerse, dejando espacio para que la personalidad de quien las lleva sea la verdadera protagonista. SELF><WORLD es una invitación a reconocerse y mostrarse tal como uno es, con prendas que acompañan, envuelven y reflejan la autenticidad de cada mujer. Porque, como dice la propia diseñadora, “la belleza está en los ojos de quien la contempla”.

Desfile Johanna Calderón. Colección 2025/2026. Foto: Alberto Ramírez

Johanna Calderón

Johanna Calderón escogió el emblemático Four Seasons de Madrid para celebrar un desfile que representa un canto a la diversidad corporal. Cada diseño de la madrileña de corazón andaluz es una declaración de amor propio, una exaltación de la fuerza y la sensualidad femenina. Lentejuelas, pedrería y transparencias se apoderaron de la pasarela, dibujando siluetas que abrazan el cuerpo con cortes estratégicos que realzan la figura sin perder elegancia. Su colección se sumerge en un universo festivo donde cada prenda celebra la autoafirmación. Transparencias sutiles conviven con bordados meticulosos y tejidos que brillan con luz propia, concebidos para mujeres que quieren sentirse poderosas y radiantes. Más que moda, es un canto a la seguridad y el empoderamiento, con piezas que invitan a vestir desde la confianza y la libertad.

Para dar vida a esta propuesta, Calderón contó con la colaboración de Miah Management, la primera agencia española dedicada íntegramente a modelos curvy. “No fui capaz de encontrar un casting de modelos tan variado en ninguna otra agencia”, explica la diseñadora, firme defensora de la representación real de las mujeres. La diversidad fue, así, uno de los ejes centrales del desfile, con tallas que iban desde la 38 hasta la 56, reivindicando la belleza en todas sus formas. En definitiva, Johanna Calderón transforma el acto de vestirse en una experiencia cargada de significado, donde la sensualidad y la diversidad se entrelazan para rendir homenaje a la mujer actual: fuerte, segura y dueña de su propia historia.

Desfile Mans en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Mans

La colección de Mans, ganadora del premio L’Oréal a la mejor colección en la 81ª edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, se sumerge en la reinterpretación del traje femenino con una sastrería impecable que equilibra tradición e innovación. Liderada por el diseñador sevillano Javier Álvarez, la propuesta destaca por su cuidada construcción y atención al detalle, explorando siluetas estructuradas con líneas rectas y volúmenes fluidos que se adaptan a la figura femenina, respondiendo a las demandas de comodidad y elegancia contemporánea.

Entre las piezas clave destacan los trajes de corte británico con americanas de doble botonadura y grandes solapas, combinados con pantalones de tiro alto y pierna ancha, ajustados con fajines y lazadas que aportan un toque lúdico al conjunto. Los abrigos, en distintas versiones, llegan hasta los pies con solapas redondeadas y texturas envolventes, mientras que las camisas, tanto en su versión femenina como masculina, sorprenden con plisados horizontales y detalles de chorreras que añaden un aire romántico. Esta dualidad de género se refleja también en las blusas transparentes y faldas de corte mini y midi, que aportan versatilidad a la colección.

La paleta cromática, dominada por tonos neutros, se anima con acentos vibrantes como el rojo, el morado nazareno, el amarillo y el naranja, evocando un espíritu cosmopolita y audaz. El terciopelo, protagonista textil de la propuesta, rinde homenaje a la estética de los años 90 con Tom Ford como referente, mientras que las lanas de Scabal —tejidos icónicos que han vestido a personajes como James Bond o Vito Corleone— aportan un extra de sofisticación y herencia sartorial.

El reconocimiento a esta colección no solo celebra la excelencia del diseño, sino también la evolución de Mans hacia una moda que abraza la diversidad, la funcionalidad y el lujo contemporáneo, manteniendo siempre la esencia de la sastrería que define su ADN. Para Javier Álvarez, este galardón supone la recompensa a una colección “difícil de construir” y refleja la conexión de la firma con las necesidades de un público que busca piezas especiales y atemporales.

Desfile Malne en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Malne

En “Bohemian Future” Malne ha celebrado el glamour romántico y la esencia bohemia bajo una mirada futurista. La firma, fundada en 2016 por Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, vuelve a apostar por la moda lenta y la producción artesanal desde su atelier en Madrid, reafirmando su compromiso con la sostenibilidad y la creación de piezas atemporales. Con una narrativa que fusiona la estética boho chic de los años 70 con un enfoque urbano y contemporáneo, la colección viste a una mujer que juega con la moda sin perder de vista la responsabilidad medioambiental.

Las prendas clave exploran la dualidad entre la delicadeza y la estructura: las capas de tweed, de corte impecable, se combinan con túnicas fluidas y blusas vaporosas que se deslizan sobre la pasarela. Los vestidos de chiffon, voluptuosos y ligeros, se tiñen de colores intensos como el verde esmeralda, el rojo rubí y el clásico negro, tono fetiche de la firma. Las chaquetas, otro de los sellos distintivos de Malne, se presentan en versión fitted, realzando la silueta femenina con un toque sofisticado y urbano.

En cuanto a los materiales, la colección para el próximo invierno apuesta por tejidos nobles como el tweed, la gasa de seda, el cashmere, el gazar y las micropaillettes, que aportan textura y brillo sutil a las composiciones. Cada pieza está diseñada para transmitir fuerza y personalidad, reflejando el ADN de la firma y su enfoque en la moda como forma de expresión artística. “Esta colección habla de una mujer del futuro, consciente y libre, que no renuncia al lujo ni a la belleza de lo bien hecho”, comentan Álvarez y Mánez.

Con esta propuesta, Malne no solo reinterpreta el bohemio de luxe, sino que reafirma su lugar en el panorama de la moda española como referente de la alta costura contemporánea, donde la artesanía, la sostenibilidad y la exclusividad se dan la mano para crear prendas únicas y atemporales.

Desfile Menchen Tomás en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Menchen Tomas

BLITZ de Menchén Tomás es una colección que viaja al corazón del Londres de los años 80 para revivir el espíritu creativo y rebelde del legendario Blitz Club. Epicentro de la escena underground y cuna de la vanguardia estética y musical de la época, este mítico club inspira una propuesta que celebra la libertad de expresión y la audacia estilística, reinterpretadas desde una mirada contemporánea.

La firma liderada por Olga Menchén apuesta para la próxima temporada por piezas que invitan a jugar con la moda como acto creativo y personal. Sedas delicadas, crep estructurado, triacetato y chantillí conforman una selección de tejidos que ofrecen movimiento, textura y una sensación de lujo táctil. La paleta cromática evoluciona desde la sobriedad del blanco y negro hasta matices metálicos, verde eucalipto, azul porcelana y rosa palo, evocando emociones que complementan el dinamismo de las prendas. Las siluetas exploran volúmenes y estructuras que dialogan con la experimentación estética del Blitz Club. Los diseños se atreven a descontextualizar prendas y materiales tradicionales, proponiendo túnicas, blusas oversize, pantalones de corte recto y vestidos que juegan con capas y transparencias. Cada look es una invitación a liberarse de las normas establecidas y abrazar la moda como forma de autoexpresión.

Más allá de la estética, BLITZ plantea una reflexión sobre la sostenibilidad y la importancia de dar una segunda vida a los materiales. La firma reivindica la artesanía local y el valor del trabajo hecho en España, garantizando un control minucioso de cada fase de producción y reafirmando su compromiso con la calidad y la responsabilidad medioambiental.

Esta colección es una oda a la osadía creativa y a la identidad libre, donde cada prenda busca inspirar y empoderar a quienes la llevan. Para Menchén Tomás, vestir es mucho más que cubrirse: es atreverse a imaginar y expresar quiénes somos.

Desfile Yolancris en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Yolancris

YOLANCRIS, la firma barcelonesa fundada por las hermanas Yolanda y Cristina Pérez, ha presentado su nueva colección bajo la línea YC prêt-à-porter: una reinterpretación contemporánea de la extravagancia y el arte de vivir de la marquesa Luisa Casati. Inspirada en esta icónica figura del siglo XX, la propuesta rinde homenaje a la mujer empoderada que convirtió su vida en una obra de arte, desafiando las normas establecidas de su época.

La nueva propuesta se mueve entre tres pilares creativos: el Modernismo catalán, la libertad irreverente de los años 70 y la herencia artística de Mariano Fortuny. El resultado es una serie de piezas que exploran la dualidad entre opulencia y funcionalidad, manteniendo la esencia artesanal que define a la casa desde 2005. Las túnicas y abrigos envolventes se combinan con pantalones de corte setentero y maxi blusas, mientras los vestidos rectos incorporan detalles art decó que aportan sofisticación sin excesos.

En cuanto a los materiales, Yolancris despliega un universo textil que enfatiza la calidad y la textura. El cuero y el encaje —éste último trabajado con la técnica del plisado soleil— conviven con terciopelos ricos y gasas de seda que aportan ligereza y movimiento. Los bordados artesanales y los detalles ornamentales hechos a mano subrayan el compromiso de la firma con la excelencia en la confección y el savoir-faire local. Esta combinación de tejidos pesados y etéreos crea un contraste visual que, a la vez, refuerza la versatilidad de la colección.

La paleta de colores transita entre tonalidades oscuras y neutras —como negros intensos y grises profundos— y acentos más vibrantes que evocan el espíritu libre de la década de los 70. La propuesta de Yolancris no solo busca vestir, sino también empoderar: cada prenda es una declaración de libertad, pensada para la mujer contemporánea que valora la comodidad sin renunciar a la elegancia.

Esta primera incursión de la línea YC prêt-à-porter en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid representa un paso importante para la marca, que reafirma su compromiso con la producción local y la sostenibilidad. Yolancris demuestra que la moda cotidiana puede ser un vehículo de autoexpresión y autenticidad, fusionando tradición y modernidad con un enfoque sofisticado y actual.

Si hay un diseñador que entendió la moda como un espectáculo, ese fue Gianni Versace. No se limitó a crear ropa; construyó un universo propio, donde el exceso era sinónimo de elegancia y la cultura pop se mezclaba con la mitología clásica. Ahora, su esencia resurge en ‘Gianni Versace Retrospective’, una exposición inédita en España organizada por Fundación Unicaja que desembarca en Málaga con más de 500 piezas originales para hacer un recorrido por la mente del genio italiano.

La muestra se aloja en el edificio histórico del Palacio Episcopal y, a lo largo de nueve secciones temáticas, nos invita a explorar sus inspiraciones, desde la Grecia Clásica hasta la vibrante escena de Miami Beach en los 90. Entre tejidos brillantes, estampados barrocos -como el icónico Barocco- y looks que definieron la era de las Supermodelos, esta exposición nos recuerda que el legado de Versace sigue más vivo que nunca.

El diseñador que hizo de la moda un espectáculo

Gianni Versace no solo revolucionó la moda, la redefinió. En los 80 y 90, sus desfiles eran eventos donde las supermodelos caminaban como diosas modernas y la ropa gritaba poder y sensualidad. Sus creaciones también vestían a estrellas como Madonna, Prince y Elton John, consolidándolo como el diseñador de los iconos.

Su capacidad para mezclar referencias culturales de distintas épocas y geografías convirtió sus diseños en piezas de arte vestibles. Desde el clasicismo grecolatino hasta la estética punk, Versace absorbía todo lo que le inspiraba y lo transformaba en algo único. Su aproximación a la moda era instintiva y profundamente visual: no temía al color, los patrones exuberantes ni a las siluetas audaces. Su marca se convirtió en sinónimo de lujo atrevido y glamour sin límites.

La exposición es inédita en España y capta ese espíritu, desde sus inicios en Calabria, su llegada a Milán y su fascinación por el arte y la arquitectura hasta su última colección de 1997, antes de morir asesinado. A través de sus looks más icónicos, bocetos originales y fotografías inéditas, Gianni Versace Retrospective nos sumerge en su proceso creativo.

Las claves para entender el alma de Gianni Versace

La exposición se estructura en nueve espacios que recogen algunos aspectos fundamentales del imaginario de Gianni Versace, patente en todos sus diseños.

Inspiración en la mitología greco-romana: La fascinación de Versace por la antigüedad clásica se refleja en su uso recurrente de la iconografía mitológica. La Medusa, convertida en emblema de la firma, simboliza la atracción irresistible y el poder. Sus colecciones incorporaban motivos de columnas jónicas, frisos dorados y representaciones de dioses, fusionando la opulencia de la Roma imperial con una visión moderna del lujo.

El esplendor barroco: Nadie como Versace para mezclar dorados, motivos clásicos y exceso sin perder sofisticación. Inspirado en el arte, la religión cristiana y la arquitectura italiana, su uso de la ornamentación y la riqueza de los tejidos lo convirtió en un maestro del lujo maximalista. A pesar de ello, la muestra también expone su lado minimalista hacia mitad de los 90’s. Un ejercicio interesante de contrastes estilísticos.

La magia de South Beach: Miami fue su refugio y su musa. La estética Art Déco, los coches clásicos y la energía multicultural de la ciudad se plasmaron en sus colecciones de los 90. La luz, los colores y la vitalidad de la ciudad influyeron en los estampados vibrantes y los motivos marinos que caracterizaron algunas de sus colecciones más recordadas.

Arte y cultura pop: Inspirado por Warhol y la repetición de imágenes, Gianni Versace creó estampados inolvidables. Versace comprendió antes que nadie que la moda debía dialogar con la cultura popular, y sus colaboraciones con artistas marcaron un punto de inflexión en la relación entre moda y arte.

Las Supermodelos de los 90: El modisto italiano elevó a Cindy, Naomi, Claudia y Linda a la categoría de diosas. No solo diseñó para ellas, sino que contribuyó a forjar el concepto moderno de “supermodelo” al convertir sus desfiles en verdaderos shows mediáticos. Su desfile de 1991, donde las top models caminaron al ritmo de Freedom de George Michael, es un momento icónico de la moda.

El poder de la provocación: Redefinió la rebeldía con cuero, tachuelas y arneses. Su reinterpretación del punk y la estética fetichista demostró que la moda podía jugar con los límites sin perder su sofisticación. La icónica colección Bondage de 1992 convirtió elementos tradicionalmente provocadores en piezas de alta costura que desafiaron las normas establecidas.

Moda, cultura y mitos de los 90’s

Más allá de la pasarela, el impacto de Gianni Versace en la cultura popular fue inmenso. Su visión era cinematográfica, sus desfiles eran producciones cuidadosamente orquestadas y su forma de entender la moda rompió con muchas de las convenciones de la época. Fue pionero en crear una identidad visual fuerte para su marca, integrando elementos arquitectónicos, estampados reconocibles al instante y un uso del color que desafiaba las tendencias del minimalismo.

Además, Versace entendió el poder de la imagen y el marketing en la moda. Fue uno de los primeros diseñadores en estrechar lazos con la industria del entretenimiento, vistiendo a artistas y creando momentos que trascendieron la pasarela. Lady Diana, Madonna, Cher, Elizabeth Hurley… todas ellas se convirtieron en embajadoras de su estética audaz y sofisticada.

Versace también dejó su huella en el cine y el teatro, diseñando vestuario para óperas y películas. Su pasión por la dramatización y la teatralidad se reflejaba no solo en su moda, sino en la manera en que presentaba su obra al mundo.

El legado de un visionario

A más de 25 años de su muerte, el impacto de Versace sigue vigente. Su influencia se ve en pasarelas, alfombras rojas y hasta en la cultura urbana. La marca que fundó, ahora bajo la dirección de su hermana Donatella, sigue reinterpretando su estética, manteniendo vivo el ADN de la casa.

El revival de la moda de los 90 ha vuelto a poner en el centro de atención muchos de los elementos que Versace popularizó: las prendas ceñidas, los estampados barrocos, la fusión de lujo y rebeldía. Diseñadores contemporáneos siguen encontrando inspiración en su trabajo, y su nombre sigue siendo sinónimo de audacia y opulencia.

Esta exposición no es solo un tributo, es una invitación a revivir el arte de un diseñador que convirtió la moda en una declaración de intención. Sumergirse en su universo es entender cómo la moda puede ser mucho más que ropa: es identidad, es arte y es historia.

La exposición Gianni Versace Retrospective estará abierta al público hasta el 30 de junio en el Centro Cultural Fundación Unicaja de Málaga.