Corren buenos tiempos para los tonos metalizados que adquieren identidad propia dentro de la moda, más allá de su tradicional vinculación con la fiesta, el lujo y el exceso. Así, en las pasadas temporadas, hemos comprobado como los tejidos metálicos se han adueñado poco a poco de la pasarela en prendas, accesorios y complementos que abrazan un estilo más desenfadado, explorando lo urbano y lo deportivo en un festival estético que entrelaza formas y volúmenes contrastados.

Aun así, la proximidad de las fechas navideñas casi “nos obliga” a recuperar la faceta convencional de los tonos metálicos porque es precisamente en esta época del año donde más presencia tienen en las propuestas festivas. Entre todos los tejidos que irradian luz propia nos centramos con los dos colores brillantes por excelencia que en ocasiones se suelen oponer: el oro y la plata.

La fiebre del oro

El oro siempre se ha asociado a la opulencia, al estilo clásico, a las ornamentaciones barrocas y al lujo en su máximo esplendor. Es el color de la riqueza y de la majestuosidad, del gusto por el exceso. Un tono cálido y ultra luminoso que empodera, resplandece y abruma a su vez porque no acepta medias tintas. El preferido del Rey Midas se mueve entre lo clásico y lo moderno con tejidos que captan la atención de todas las miradas. ¡Resulta imposible que pase desapercibido!

El oro se adueña, por ejemplo, de los tejidos en pedrería, de los plisados y del lamé creando patinas doradas que crean fascinantes juegos ópticos. También está presente en los tejidos de lentejuelas con otras tonalidades más apagadas como el oro viejo o en ricos bordados florales combinados con otros colores como el rojo o el negro.

Plata futurista

Lejos de ser “el hermano menor” del oro, el color plata ha adquirido, en las últimas temporadas, identidad propia explorando su faceta más transgresora. En moda, es también una tonalidad lujosa que se asocia con la modernidad, el movimiento, la tecnología y la innovación. En este sentido, el color plateado es visto como el símbolo del progreso, de lo funcional, lo dinámico y lo técnico mostrando un gran poder de atracción que se vincula con los avances que están por venir como el campo de la ingeniería espacial. De aquí que el color plata se vincula, en ocasiones, con las utopías futuristas.

Esta tonalidad fría se aleja de los tejidos lisos y se apropia de originales texturas como las arrugadas que se asocian al papel de aluminio. En las pasarelas de la actual temporada, destacan algunos vestidos de Calvin Klein 205W39NYC, los matices tornasolados de Emporio Armani o los tejidos con efecto holograma de Balmain. Por último, abundan también los tejidos malla y de grandes lentejuelas brillantes que crean un seductor efecto espejo. Dos clásicos que forman la esencia de Paco Rabanne.

El Museo Nacional de Mujeres Artistas (NMWA) de Washington D.C acoge por primera vez una exposición de moda y lo hace estrenándose a lo grande, alojando el trabajo meticuloso de Rodarte. Así, bajo el título ‘Rodarte’, la muestra explora el universo de la célebre casa de moda de lujo estadounidense, fundada tan solo hace 13 años por las hermanas Kate y Laura Mulleavy. Una exposición que desvela los conceptos visionarios de las diseñadoras, su impecable artesanía y su impacto en la industria de la moda. Teniendo en cuenta que, actualmente solo el 14% de las grandes firmas de moda están lideradas por mujeres, esta muestra ubicada en un museo dedicado al arte femenino es toda una declaración de intenciones.

En concreto, ‘Rodarte’ explora los rasgos distintivos de su diseño, la concepción creativa y los temas e inspiraciones recurrentes que posicionan el trabajo de las hermanas Mulleavy dentro del arte y la moda contemporánea. No se trata de una retrospectiva, algo que los propios comisarios de la muestra han dejado claro desde un principio, ya que la firma es muy joven y sus fundadoras no llegan a los cuarenta años, sino un acercamiento al imaginario de Rodarte a partir de los distintos elementos que forman su identidad. Estos rasgos se desvelan a lo largo de los 94 looks completos que forman parte de las 12 temporadas presentadas por la firma californiana. Además, también se han incluido los trajes de bailarina que las hermanas Mulleavy crearon para la película ‘Black Swan’ de Darren Aronofsky, así como el vestuario de su primera película ‘Woodshock’. Unas prendas que destilan el concepto de feminidad moderna que sostiene Rodarte junto con otras influencias como su pasión por la naturaleza y la humanidad. Una mezcla perfecta de fuerza y delicadeza que también se aprecia en la gran variedad de tejidos empleados combinados con meticulosas técnicas de alta costura. No en vano, Rodarte es una de las firmas que más elogios ha recibido en el mundo del arte y de la moda desde sus inicios en 2005.

La exposición ‘Rodarte’ estará abierta al público hasta el 10 de febrero.

La moda concebida como arte

Rodarte fue fundada en 2005 en Los Ángeles (California) fruto de la imaginación y la creatividad de Kate y Laura Mulleavy. Licenciadas en historia del arte y literatura, las hermanas carecían de una formación especializada en diseño de moda cuando empezaron, pero tenían audacia, intuición y un gusto exquisito por la técnica, la artesanía y el detalle. Con estos talentos, conquistaron a la industria de inmediato. En esta breve trayectoria de trece años, Rodarte ha ganado docenas de premios desde su primer desfile e instituciones como el Metropolitan Museum of Art’s Costume Institute se ha hecho con piezas de la firma. Sus prendas, entre postapocalípticas y oníricas, buscan esa dualidad que tiene la belleza, entre lo oscuro y lo luminoso, con múltiples referencias que abarcan temas tan recurrentes como el cine, el arte y la naturaleza.

Rodarte debutó en 2005 en la Semana de la Moda de Nueva York con un éxito rotundo y tras presentar las últimas colecciones en París, este año han decidido regresar a la Gran Manzana, ciudad donde atesoraron su primer triunfo. Un retorno que coincide con esta exposición en Washington de una de las firmas de lujo con más proyección internacional en la actual industria de la moda.

Ya lo habíamos anunciado en redes sociales y también, desde hace días, a través del nuevo escaparate de noviembre. Falta exactamente una semana para que Gratacós acoja la pop up de moda más revolucionaria de Barcelona: se trata de Sastreria Moderna, una iniciativa única que le da un giro al concepto tradicional de confección a través de diseñadores locales que presentan una colección cápsula de ropa y accesorios elaborados con distintos tejidos de la nueva colección.

En esta quinta edición, Sastreria Moderna ha invitado a 13 diseñadoras de distintos estilos con una filosofía en común: la apuesta por la moda consciente y pausada, de cocción lenta que pone en valor la artesanía y el detalle. Lo realmente interesante de esta iniciativa efímera es que los creadores participantes elaboran ropa y accesorios únicos en una colección especial con nuestros tejidos y donde el cliente se la puede probar in situ, y acto seguido comprar. ¿Y cómo se lo lleva? Esta es la magia de Sastreria Moderna: se confecciona exclusivamente bajo pedido y cada cliente puede escoger una variación de color del tejido o una pequeña modificación del diseño, si así lo desea el cliente. En quince días, los encargos se recogen en nuestro espacio o en la dirección que haya indicado cada uno.

La colección ya tiene forma

Cada diseñador ha elaborado solamente dos o tres prendas con nuestros tejidos más afines a su espíritu y entre todos conforman esta colección cápsula de Sastreria Moderna. Cada prenda tiene ese punto especial y personal a su vez, y existe la garantía total que se ha hecho con mucho cariño desde el taller con tejidos de calidad como los escogidos por las diseñadoras: terciopelo, Jacquard, lamé, tweed, crepe y ¡hasta flecos! En esta propuesta de diseño ya elaborada habrá vestidos largos, faldas asimétricas, camisas para chico y chica, pantalones anchos, chaquetas, bolsos, turbantes, cinturones y hasta mini serie de collares. En total, ¡casi una treintena de diseños textiles para elegir!

Las auténticas protagonistas

¿Y quiénes son las diseñadoras participantes de esta edición? En total hay 9 creadoras de ropa y son: KM by LANGE, G.I.A.N., Ana Tichy, Ene de Narcisa, Montse Cañadas, Lucía Rodríguez, Deltravés, Enero y Norima. Las 4 diseñadoras de accesorios son Greta Serra (bolsos), Andrea Viêntëc (turbantes), Mireia Fusté (joyas) y Kimôh (cinturones). Acompaña la colección cápsula de las diseñadoras una serie de marcas de accesorios que comparten valores slow fashion y que aprovecharán la ocasión para vender sus productos durante la pop up de moda: Becker&Co, Mireia Fusté y Philo K (joyas), The Henten Bag (bolsos y monederos), Anna Perich (pañuelos de seda), Eva vs Maria (zapatos) y Verbena (diademas) y Andrea Viêntëc (turbantes).

¡No te pierdas el directo!

La pop up de Sastreria Moderna se celebrará los días 29 y 30 de noviembre y sábado 1 de diciembre en nuestro espacio Gratacós. En estos tres días de venta puede suceder de todo. Por ejemplo, el jueves y el sábado (de 18h a 20h) habrá una sesión de live sketching a cargo de la ilustradora Lucy Davis, que dibujará pequeñas láminas a todos aquellos que lo deseen. El viernes (de 18h a 20h), la diseñadora Anna Perich también hará una demostración de art & silk y pintará en directo telas blancas de seda y las convertirá en pañuelos únicos y multicolores.

¡Te esperamos!

Si hay una palabra clave que defina y describa con en exactitud el fenómeno del Rec Experimental Stores en toda su amplitud, esa es la palabra “transformación”. La metamorfosis del barrio del Rec de Igualada y de sus características curtidurías -muchas de ellas en desuso- en un festival de pop-up stores de moda, donde durante cuatro días puede pasar de todo más allá de la venta comercial, su objetivo principal. De ahí, su componente festivo, transgresor y desenfadado.

Esta edición Rec.018, que empieza hoy hasta el próximo sábado, la plataforma comercial acoge más de 100 pop-up stores de moda de grandes marcas internacionales y diseñadores locales que se instalan en distintos espacios industriales del barrio para convertirse en espacios comerciales vivos, decorados para la ocasión, y donde cada firma aprovecha para vender sus stocks de temporadas pasadas a precios imbatibles. Estas tiendas efímeras se descubren casi por sorpresa a través de un circuito urbano abierto que recorre las calles y callejones del barrio industrial de Igualada y se divide en cinco grandes zonas donde se agrupan la mayoría de las firmas. Lo más genuino es la puesta en escena donde la creatividad de cada espacio se combina con el patrimonio industrial, creando un entorno único y cambiante en cada edición del Rec.0.

Juntos, pero no revueltos

A nivel creativo, lo que valoramos más de la iniciativa Rec.0 es esa formulación única donde las grandes firmas internacionales conviven con los diseñadores consolidados como Josep Abril, Miriam Ponsa y Txell Miras, y los talentos emergentes en un mismo festival. Todos juntos complementan la oferta de moda y diseño, adaptándose a las necesidades de todos los públicos y lo más interesante: son los propios diseñadores los que están en contacto con el cliente final “defendiendo” sus diseños y conociendo de primera mano los gustos y las preferencias de su clientela. Es precisamente dentro del apartado del diseño emergente donde más crece la oferta, respecto en ediciones anteriores. Estas firmas locales se sitúan en su mayoría en el pati Martí Enrich, dentro de dos grandes naves industriales. Nombres como Carlotaoms, Ssic and Paul, Who, Gorni Kramer, David Valls, Susi Sweet Dress, Jordi Rafart o Pau Esteve, se complementan los unos con los otros promocionando el diseño autóctono de pequeño formato. También se consolida el espacio Rec Pop Up Day Estrella Damm, diseñado como un pequeño market donde cada día hay un diseñador diferente. En esta ocasión pasarán marcas como Colmillo de Morsa, Nona BCN, Heidi Soto, Batech, Mireia Playà o Micuxu entre otros, atraídos por la singularidad de esta plataforma comercial.

Más allá de la moda

No todo es moda en el Rec.0. También hay espacio para la gastronomía y la cultura, las otras dos grandes áreas temáticas que abarca el festival comercial. En esta edición, sorprenderán a los visitantes más de una veintena de conciertos, sesiones de DJ y actuaciones para todos los públicos que se repartirán en las principales plazas del barrio industrial, amenizando las compras. Una agenda totalmente gratuita para los asistentes que paseen por la zona. La gastronomía también está presente a través del Rec Street Food y sus food trucks especializadas que ofrecen una oferta culinaria variada con especialidades de todo el mundo: cocina oriental, italiana, americana, mediterránea… teniendo en cuenta la oferta vegana y apta para celíacos.

Aterriza en la ciudad condal una de las exposiciones más esperadas de finales de año que da vida al lado más bohemio y transgresor del París del siglo XIX. Se trata de la muestra ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’ que alberga desde hoy el CaixaForum de Barcelona. Una producción propia de la Obra Social La Caixa, comisariada por Phillip Dennis Cate que cuenta con una extraordinaria colección de 350 obras de pinturas, dibujos, grabados, carteles y otros objetos de la época procedentes de distintos museos de todo el mundo. Una extensa muestra liderada por las obras del polifacético pintor Toulouse-Lautrec (61 obras, entre ellas seis óleos, un dibujo y sus carteles más conocidos) que retratan el corazón bohemio del barrio de Montmatre y su vida nocturna, en sintonía con la visión de otros artistas contemporáneos que convivieron en el París de finales del siglo XIX.

Montmatre, el denominador común

En 1880, Montmartre era una zona marginal y peligrosa apartada de París que empezó a atraer a numerosos jóvenes creadores. Así, por ejemplo, los artistas Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Pierre Bonnard y Henri-Gabriel Ibels, los intérpretes Aristide Bruant e Yvette Guilbert, los escritores Émile Goudeau, Alphonse Allais y Alfred Jarry, y los músicos Erik Satie, Vincent Hyspa y Gustave Charpentier se mudaron allí atraídos por el barrio: querían vivir gastando poco, trabajar y evitar el centro burgués de la capital francesa. Es así como en pocos años, Montmartre se convirtió en el denominador común geográfico de muchos artistas, que contribuyeron activamente a definir la estética vanguardista de la época.

El centro de la vida bohemia

A finales del siglo XIX, Montmartre era el epicentro del motor social y cultural que definió su estilo moderno y carácter bohemio. Sus calles, los cabarets nocturnos, los cafés del barrio… fueron escenario de una explosión creativa gracias a esos jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron, a través de sus obras, el sistema establecido. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Château Malromé, 1901) y otros artistas como Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard contribuyeron a este florecimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía.

Los artistas de Montmatre tenían una actitud crítica y en sus obras era habitual que se reflejara des de la pobreza en las calles a la dureza de la prostitución, dos temas recurrentes que formaban parte de esta denuncia social. En muchas ocasiones, el humor, la sátira y la caricatura se utilizaban para difundir sus propuestas en una renovación del lenguaje artístico que se vuelve más popular y cercano, alejado de las élites. En consonancia, la presentación de sus obras también se realizaba en espacios fuera de lo común: cabarets, teatros experimentales, circos o la misma calle, fuente continua de inspiración.

“La exposición muestra el carácter transgresor de muchos artistas del París del siglo XIX”

Un espíritu que no solo se limitó geográficamente en Montmartre, sino que se convirtió en una mentalidad vanguardista que se trasladó a los nuevos centros de ocio de París y de las principales ciudades europeas y que marcó un antes y un después en las nuevas formas de expresión que se consolidan con el cambio de siglo. La exposición ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’ se podrá ver en el CaixaForum de Barcelona hasta el 20 de enero de 2019.

FOTOS

Crédito: Fotos extraídas del CaixaForum, exposición ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’

“Gracias Delpozo por estos seis maravillosos años. Me he sentido como en familia, y estoy muy orgulloso de todas las cosas que hicimos juntos”. Esta es la frase de despedida que Josep Font dejó el pasado martes en su Instagram, tras seis años al frente de la dirección artística de la firma. Delpozo por su parte, agradecía casi al mismo tiempo su excelente labor durante estos años. Un intercambio de agradecimientos que pone fin a una fructífera colaboración con éxito.

Josep Font ha sido el encargado de “rejuvenecer y continuar el legado de Jesús (del Pozo)”, según afirmaba Pedro Trolez, presidente de Grupo Perfumes y Diseño, propietario de la casa, haciendo de la marca española una de las más deseadas a nivel internacional. “Tiene una capacidad extraordinaria de mezclar colores, texturas y volúmenes, convirtiéndolos en colecciones delicadas y femeninas. Estoy agradecido por su lealtad y por haber formado parte de esta primera etapa de Delpozo”, añadía Trolez.

Arquitecto de formación, Josep Font se unió al proyecto de Delopozo un año después del fallecimiento de Jesús del Pozo, firma que se fundó en 1974. En estos seis años, Font ha sido el responsable de renovar la identidad de la mujer Delpozo y darle una proyección mundial al desfilar a Nueva York y después a Londres, presentando los dos últimos desfiles. Más allá de la reformulación del nombre (Jesús del Pozo, pasó a llamarse DelPozo) con fines comerciales, el modisto catalán ideó un lenguaje propio inspirado en las formas de la naturaleza para crear voluminosos diseños etéreos y delicados en una paleta muy colorida caracterizada por sus magníficos contrastes: baila entre los tonos pastel más oníricos y los tonos más saturados.

Más allá de la naturaleza, el diseñador también ha bebido del arte, la música y la arquitectura para idear cada nueva colección. Cada cual más sorprendente y aplaudida. Apasionado de la artesanía, Font también ha apostado por los bordados de calidad reclutando personal adecuado para trabajar en su taller. Una tarea que avala esa minuciosidad por el detalle y los acabados en prendas más cercanas a la Alta Costura que al prêt-à-porter en una visión incomparable del armario femenino. Por todo ello, Josep Font ha puesto en valor las piezas bien hechas, la moda cocinada a fuego lento, las siluetas arquitectónicas, el tul, los volúmenes etéreos y el buen gusto sin excesos. Todo ello a través de Delpozo.

De momento, desde Delpozo no han dado pistas de quién será el creativo que cogerá el relievo de Josep Font al frente de la dirección artística. Tampoco se sabe cuál será el siguiente paso a dar por el diseñador catalán que ha conseguido hacer soñar a las mujeres privilegiadas que se han podido vestir de Delpozo en la era de Josep Font.

¿Quién fue, de verdad, Gala? ¿Quién fue esta mujer enigmática que no pasó desapercibida y que levantó sentimientos contradictorios entre los artistas y poetas de la época? ¿Fue musa o creadora? Nunca se había dedicado una muestra tan amplia y detallada centrada en esta figura visionaria hasta día de hoy con la nueva exposición Gala Salvador Dalí en Barcelona.

Así, el Museu Nacional d’Art de Catalunya y la Fundació Gala-Salvador Dalí se han propuesto un gran reto con esta muestra: desvelar a Gala, musa y artista, y una figura clave en el arte del siglo XX. Comisariada por Estrella de Diego, profesora de Historia del Arte (UCM), la muestra explora la vida de Gala, compañera de Salvador Dalí y antes del poeta Paul Éluard. Admirada unas veces, otras olvidada cuando no denostada, Gala es sin lugar a duda un personaje clave de las vanguardias.

Un largo recorrido

Gala (7 de septiembre de 1894 – 10 de junio de 1982), nació en el seno de una familia de intelectuales de Kazan (Rusia), y vivió su infancia en Moscú. Instalada en Suiza, conoció a Paul Éluard, con quién se trasladó a París y contactó con los miembros del movimiento surrealista, como Max Ernst.

En 1929 viajó a Cadaqués, dónde conoció a Dalí, de quién se enamoró y decidió comenzar una vida en común. Durante ocho años se exiliaron en los Estados Unidos y a la vuelta viven entre Portlligat, Nueva York y París. De hecho, Gala fue mundialmente conocida por ser la mujer de Salvador Dalí, su musa y la protagonista de algunas de sus pinturas. A partir de ahí, asistiremos a la transformación de Gala en artista de pleno derecho, ya que la pareja inició una cooperación artística, que significó la autoría compartida de algunas obras.

Admirada unas veces, otras olvidada cuando no denostada, Gala es un personaje clave de las vanguardias.

Una figura clave

Sin Gala el tablero de juego surrealista aparecería incompleto. Los cuadros de Max Ernst, las fotografías de Man Ray y Cecil Beaton y sobre todo las obras de Salvador Dalí son mucho más que retratos: conforman un recorrido autobiográfico en el que, como heroína postmoderna, Gala imaginó y creó su imagen.

Por este motivo, la muestra descubrirá una Gala que se camufla de musa mientras construye su propio camino como artista. De hecho, es innegable también seguir la evolución de Salvador Dalí como pintor para ver como ella fue esencial en el desarrollo artístico del pintor ampurdanés. En este sentido, la exposición reúne un conjunto importantísimo de sus obras, unas 60 en total, entre óleos y dibujos. También una selección de pinturas, dibujos y fotografías de otros artistas que gravitaron en el universo surrealista como Max Ernst, Picasso, Man Ray y Cecil Beaton o BrassaÏ. También se expone por primera vez un interesante conjunto de cartas, postales y libros, además de vestidos y objetos del tocador personal de Gala.

Como heroína postmoderna, Gala imaginó y creó su imagen.

En total, la muestra reúne unas 180 obras que permiten reconstruir la figura compleja y fascinante de Gala. Las obras de la exposición proceden principalmente de la Fundación Dalí, pero también hay objetos de colecciones privadas y museos internacionales que provienen de Estados Unidos, Alemania, Francia e Italia, entre otros.

La muestra Gala Salvador Dalí permanecerá abierta al público hasta el 14 de octubre.

Crédito: Fotos cedidas por el Museu Nacional d’Art de Catalunya y la Fundació Gala-Salvador Dalí

El Museo Christian Dior en Granville, acoge una exposición especial que representa la oportunidad de ver un viaje único por el savoir faire del célebre modisto a través de sus colecciones. Así, la muestra ‘Los Tesoros de la Colección, 30 años de adquisiciones’ representa una selección de 60 vestidos de Alta Costura, accesorios, numerosos documentos de archivo, fotografías y objetos personales que pertenecieron a Christian Dior. Unos “tesoros” a través de los cuales nos permiten descubrir y disfrutar del espíritu emprendedor del modisto, su trayectoria como creador y sus secretos de visionario.

La exposición se ubica en la Villa Les Rhumbs, en el emblemático caserío rosa y gris donde Christian Dior, ese niño reservado y soñador, pasó su infancia. Un lugar de exuberante vegetación, alejado de las agitaciones de la ciudad donde el diseñador encontró en el jardín inglés sus principales fuentes de inspiración estilística que luego, transmitió en el espíritu de la Maison Dior. En 1987, la exposición “Christian Dior, el otro él mismo” organizada en el Museo de Arte Moderno Richard Anacréon condujo a la creación de un fondo Christian Dior. La idea de crear un museo en la casa donde nació el gran diseñador de moda se hizo realidad diez años después.

Entre los artículos expuestos, destacan algunos de bien curiosos como un cofre de plata donado por el Emperador de Japón, o efectos personales de Christian Dior que formaban parte de su rutina como su estrella de la suerte, su agenda, su reloj y sus tijeras. También se desvelan varios vestidos adquiridos o donados y restaurados que se exhiben por primera vez para completar las colecciones del museo. Para cerrar la exposición, los visitantes podrán admirar las reproducciones en miniatura de 30 vestidos de Alta Costura, creados especialmente para la ocasión por los talleres de Maison Dior.

Esta exposición, comisariada por Brigitte Richart -conservadora, comisaria general-, y por Gwénola Fouilleul -encargada de las colecciones-, ha contado también con la contribución de Florence Müller, asesora científica, y de Barbara Jeauffroy-Mairet, encargada de misión. De la escenografía se ha encargado la Agencia Alighieri de Simon Jaffrot y de Noémie Bourgeois. ‘Los Tesoros de la Colección, 30 años de adquisiciones’ se podrá visitar en el Museo Christian Dior hasta el 6 de enero de 2019.

Como es habitual, los tejidos Gratacós también han estado presentes en la última edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid en las colecciones Primavera-Verano 2019 que han presentado las mejores agujas de la moda española actual. Firmas consolidadas que confían en nosotros como Juan Duyos, Menchèn Tomás, The 2nd Skin, Malne, Moisés Nieto, Palomo Spain y también jóvenes diseñadores que se están labrando un futuro prometedor en el sector como Juan Carlos Pajares que ya está integrado en el calendario oficial de la pasarela madrileña, tras su participación en los desfiles de los talentos emergentes.

Aquí os dejamos algunos detalles de las colecciones para la próxima temporada estival, así como los tejidos y los colores que se exhibieron que más nos llamaron la atención. Destacar a grosso modo el triunfo del color, los tejidos que irradian luz, las fibras metalizadas y las lentejuelas que conquistan también los looks de calle aportando ese punto de sofisticación.

La luz de Duyos

Juan Duyos rinde homenaje a la luz en una oda a la belleza femenina que más resplandece. Es por este motivo que en la colección ‘Light’ destacan los tejidos luminosos como metalizados, paillettes, lúrex, lamé y varios hilos metálicos que consiguen captar todos los destellos -y miradas- sobre la pasarela madrileña. En contrapartida a los materiales brillantes, la propuesta se tiñe en verde hielo, lavanda, lima o melocotón que conviven con el oro y la plata.

La fuerza de las mujeres anónimas

Uno de los talentes emergentes de la moda española con más recorrido es Juan Carlos Pajares que siempre sorprende en la pasarela española. Esta vez, el diseñador madrileño ha encontrado en las amazonas su fuente de inspiración en una colección que rinde tributo a todas esas mujeres que se escondieron detrás de seudónimos e incluso tuvieron que dejar de trabajar o realizar lo que les apasionaba. En el desfile, este espíritu se transmite a través del color con una paleta que recae en rosas, verdes, azules naranjas y grises. Destacan también las mezclas de texturas, los estampados de reminiscencia oriental y la superposición de prendas urbanas realizadas en tejidos de vestir: mikados y otomanes de seda, algodones, neoprenos, crepes, paillettes o vichys con toques de lúrex.

En tierras cubanas

“Me desordeno, amor, me desordeno”, reza un poema de Carilda Oliver, una de las poetisas contemporáneas más reconocidas en Cuba que ha inspirado la nueva colección de Menchén Tomàs junto a otras artistas como Catalina Lasa y Lidia Ríos que vivieron el máximo esplendor de la sociedad cubana antes de la revolución. Es precisamente en el corazón de La Habana donde la diseñadora barcelonesa encuentra la inspiración para su desfile de primavera-verano. Una propuesta sofisticada ordenada en tres partes. La primera se inicia con el blanco puro, según la diseñadora “el color de la santería” con detalles texturizados. En la segunda parte, las prendas pasan al cuarzo, la piedra del subsuelo de la isla. En la última parte, se percibe una explosión de color para un resultado alegre y optimista.

Malne y la mujer empoderada

El dúo creativo que se esconde detrás de Malne: Paloma Álvarez y Juanjo Mánez han presentado una colección que juega con el mix & match en tejidos y estampados para las mujeres que se sienten fuertes y libres y transmiten ese espíritu de rebeldía. El animal print se alía a la perfección con toques de bailarina y los maxi volúmenes con los volantes y las plumas formando una propuesta sólida y bien construida que vertebra toda la colección. Sólo apta para las que arriesgan…

Palomo Spain

El enfant terrible de la moda española, que revoluciona el armario masculino con sus glamurosos looks, se inspira esta vez en los gabinetes de curiosidades para vestir al hombre en clave sofisticada. Así, Alejandro Gómez Palomo llena la pasarela con sus modelos exóticos en un viaje en sedas salvajes y volúmenes extravagantes, botones de carey, sofisticados conjuntos en punto de terciopelo que se coronan con lujosos sombreros-mosquitera inspirados en los exploradores del siglo XIX. Enriquece la propuesta de Palomo Spain, los kaftanes, los conjuntos de casacas y las faldas pantalón en tejidos laminados y lino para la líneas puras y tradicionales.

Una primavera a todo volumen

Juan Carlos Fernández y Antonio Burillo presentaron en ‘The Garden’ una propuesta onírica inspirada en un jardín romántico. En esta colección primaveral, The 2nd Skin se centra en los vestidos como eje principal, los maxi volúmenes, las prendas oversize y el print floral como base de esta colección evocadora con un marcado aire ochentero. En materia de tejidos, destacan los mikados, las lentejuelas bordadas -símbolo de la marca- junto a otros más ligeros como el tul o la gasa de seda.

Las pasarelas españolas cada vez dan más protagonismo a los jóvenes diseñadores que exhiben los diseños del futuro en formato aún embrionario. Una primera muestra en público de su potencial en el ámbito de la moda. Una de las últimas muestras del talento emergente tuvo lugar en la última jornada del 080 Barcelona Fashion donde los alumnos del último curso de las escuelas IED Escuela Superior de Diseño y LCI Barcelona Escuela de Diseño y Moda, pudieron exponer sus trabajos finales ya convertidos en diseñadores.

Como ya sabéis, desde Gratacós apoyamos el diseño emergente con el mecenazgo de algunas acciones y actividades impulsadas desde las escuelas. En esta ocasión, sobre la pasarela también pudimos distinguir algunos tejidos de las actuales colecciones ya que mantenemos el respaldo de los jóvenes que también confían en nosotros para dar sus primeros pasos en el diseño de moda.

LCI Barcelona Dystopias

Bajo el título, ‘LCI Barcelona Dystopias’, desfilaron las colecciones de 40 alumnos en una puesta en escena que contó con la colaboración del prestigioso coreógrafo Marcos Morau, fundador de la compañía de danza La Veronal. Morau aportaba precisamente esa mirada al futuro no deseado, donde se dibujaba un escenario que no era mejor que nuestro presente. A pesar de esta visión escéptica, se ha querido lanzar un mensaje de esperanza a través del arte y la creatividad de la que hacen gala estos diseñadores del futuro.

Cada alumno participante presentó ocho looks diferentes con sus complementos. En la mayoría de casos eran colecciones de mujer, pero también se han visto propuestas masculinas e incluso colecciones sin género. Destaca el cuidado estilismo con diseños atrevidos y contemporáneos que contrastan con los más clásicos. Algunos alumnos también utilizaron las nuevas tecnologías como la impresión en 3D, mientras que otros se basaban en transmitir las técnicas tradicionales como el bordado.

Destacó el trabajo creativo de Laura Nuñez con ‘Project One’, ganadora de la mejor colección; ‘Come Alive’ de Emma Picanyol, ganadora del segundo premio; y Nina Fernández y Sara Iglesias, que fueron galardonadas con el tercero.

Fashioners of the World

Por su parte, el IED Barcelona Escuela Superior de Diseño presentó el desfile ‘Fashioners of the World’ con las mejores colecciones de final de carrera realizadas por los alumnos del Título Superior en Diseño de Moda y del BA (Hons) in Fashion Design.

Con una visión más global, este desfile representó el proceso creativo del recorrido de estudios de cada uno de los alumnos: desde el desarrollo del concepto a través de la investigación en imágenes, sketches, colores y estilos, hasta su aplicación en tejidos, materiales, patrones, volúmenes y complementos. Con sus colecciones, los alumnos reflejaron la complejidad del tejido social y relacional contemporáneo y la consagración del diseño como intérprete universal de las múltiples identidades globales del siglo XXI.

Desde Gratacós seguiremos de bien cerca la evolución de estos jóvenes talentos del presente, la esperanza del sector en un futuro próximo.