Un universo virtual en magenta. Foto: Pantone

¿Es rojo rosado? ¿Morado rojizo? Quizás rojo carmesí o más bien, un tono frambuesa intenso. Todos estos matices que transitan entre el rojo, el rosa y el morado definen el singular Viva Magenta, el color que Pantone ha elegido para guiar 2023 e inspirar disciplinas vinculadas con el arte y el diseño.“Es valiente e intrépido, y un color palpitante cuya exuberancia promueve una celebración alegre y optimista, escribiendo una nueva narrativa”, declaraba Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute. Viva Magenta 18-1750, así es su nombre técnico, es un tono que vibra con energía y vigor. “Un rojo animado que fomenta la experimentación y la autoexpresión sin restricciones. Un tono electrizante e ilimitado que se manifiesta con una declaración destacada”, aseguraba Eiseman.

“Viva Magenta promueve una celebración alegre y optimista, escribiendo una nueva narrativa”

La llegada de este rojo enigmático no es casual. Pantone introdujo el tono Viva Magenta en 2019, pero rápidamente ganó popularidad hasta ascender al estrellato de ser el color del año 2023. Este auge ha sido impulsado en gran medida por los acontecimientos que ha vivido la sociedad en los últimos años. Como expresaba Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute, “es un color poco convencional para un momento poco convencional”. La experiencia del Covid y sus secuelas sociales y económicas ha obligado a realizar cambios que, voluntariamente o no, han transformado el estilo de vida de las personas. Y ahí, después de dos años de incertidumbre expresado a través de tonalidades frías (Very Peri, 2022) o duales (Ultimate Grey + Illuminating, 2021), llega ahora un tono híbrido con personalidad suficiente para ser capaz de encender 2023. A diferencia de su antecesor, Viva Magenta combina en un mismo color frialdad y calidez, y pretende mezclar lo físico con lo virtual, una dicotomía que no puede ser más relevante hoy en día con el auge de la realidad virtual.

Motorola y el color de 2023. Foto: Pantone

“Es un color poco convencional para un momento poco convencional”

Viva Magenta ya fue avistado por los trendhunters que trabajan en el Pantone Color Institute. Su elección nunca es fruto del capricho o del azar, al contrario, es el resultado de un profundo análisis sociológico y antropológico de la sociedad actual. Elegir el color que marcará el año combina investigación, método e instinto. Y el magenta estaba ahí, en mundos tan variados como la moda, la cosmética, el diseño de concept stores, el arte digital, las redes sociales o la decoración. La cuestión era, ¿por qué fijarse en ese rojo carmín que ya está presente en la sociedad y qué valores emocionales y psicológicos está transmitiendo? Pantone rápidamente buscó su significado. Según asegura la autoridad internacional del color, en esta era de la tecnología se busca precisamente inspirarse en la naturaleza y en lo que es real. Pantone 18-1750 Viva Magenta está inspirado en el rojo de la cochinilla, uno de los tintes más preciados de los tintes naturales, así como una de las tonalidades más fuertes y brillantes de la naturaleza. Por lo tanto, arraigado en lo primordial, el color de 2023 reconecta con la materia original, revitaliza el espíritu y ayuda a construir una nueva fuerza interior. “Nos hemos fijado en un color que resalta nuestra necesidad de cambiar de perspectiva, que pone de relieve nuestras ganas de sentirnos empoderados y que nos infunde fuerza para poder arrojarnos con valor, con posibilidad y sin miedo a un nuevo camino con total confianza”, expresaba Pressman.

“Un color poderoso que infunde fuerza para poder arrojarnos con valor y sin miedo a un nuevo camino”

Visto este modo, el Viva Magenta es una tonalidad que se presenta como un bálsamo revitalizante que conecta nuestro interior para proyectarnos con fuerza al exterior.

¿Cómo aplicar el Viva Magenta en nuestra cotidianidad?

Las tonalidades rojizas y las mezclas explosivas como rosa-rojo intensas se han impuesto en todas partes, desde las pasarelas hasta el metaverso, y donde tiene más posibilidades de expansión es en interiorismo, ya sea un domicilio particular o un establecimiento comercial. Según Eiseman, las cocinas (y los electrodomésticos), que durante mucho tiempo han albergado un respeto por el rojo, ahora pueden impregnarse de “un toque de novedad” a través del Viva Magenta y su capacidad para romper con el “mismo tono rojo de siempre”, que definía a las generaciones anteriores. El color Pantone 2023 también es oportuno en la cristalería o en cualquier otra superficie reflejante, y puede anidar incluso en cojines y otros elementos decorativos pequeños para convertir el hogar en una “declaración hermosa, dramática y teatral”. Aunque un color tan vivaz pueda intimidar o condicionar ante la corriente de tonalidades neutras que se imponen en decoración, lo cierto es que Pantone afirma que los consumidores están más preparados que nunca para empezar a abrazar todas las posibilidades del color.

Un vestido floral de Acuamona. AW22/23 Foto: Acuamona

Y en moda, ¿cómo se aprecia?

No hay lugar a dudas. El color de moda de 2022 ha sido el rosa fucsia más brillante, fiel aliado de Valentino y su explosiva tonalidad Pink PP, y emblema de toda la estética Barbiecore. Ahora, Viva Magenta se presenta como una evolución natural de esa tonalidad aportando menos estridencias y conservando intacto su magnetismo. En verdad, el rojo ha sido uno de los tonos más repetidos en las pasarelas de invierno y para verano vuelve con fuerza, pero faltará ver como evolucionan las próximas colecciones que se están gestando para 2023/2024 para que el Viva Magenta aparezca aún con más fuerza.

Como color potente que es, el Viva Magenta no pasa desapercibido y cobra protagonismo en cualquier outfit, aunque aparezca en pequeñas dosis. Por un lado, sienta perfecto rodeado de tonos neutros como el negro o el blanco, o los dos juntos. Son los colores que mejor le sientan con looks favorecedores sin esfuerzo. Por otro lado, para un resultado más rompedor, el color de 2023 combina con su gama cromática: rosas pastel, lilas o fucsias, y también con azules o verdes complementarios aportando un toque de rebeldía y transgresión. En todo caso, si la moda necesita una dosis de optimismo, fuerza y alegría, para salir hacia delante abrazará irremediablemente el Viva Magenta. Ya lo iremos viendo…

Como empresa familiar de tejidos que aúna tradición con innovación, nos entusiasman los negocios longevos que tienen ese respeto por el legado, sin perder de vista la esencia ni el olfato para rastrear novedades. Santa Eulalia es una de esas casas que ha traspasado generaciones y se ha consolidado por mérito propio como un emblema de referencia en Barcelona y en el exterior de la moda elegante. Ahora, una exposición estrenada en Palau Robert rinde homenaje a su trayectoria a través de los vestidos más representativos de los años dorados de la alta costura en un recorrido breve, pero simbólico donde la belleza de los modelos festivos son los protagonistas de esta singular muestra de aniversario.

Un breve recorrido histórico

La historia de Santa Eulalia se entrelaza con el relato de Barcelona. Se fundó originalmente en 1843 y se instaló en la calle Boqueria como tienda de artículos textiles. Con el paso de los años fue cambiando de espacio y el negocio se fue ampliando para albergar también camisería y sastrería hecha a medida. Con la caída de las murallas medievales de la ciudad y con la proyección urbanística del nuevo Enanche, donde se instaló rápidamente la burguesía catalana, el establecimiento se trasladó a principios del siglo XX en Paseo de Gracia, donde está ubicado actualmente. Hay una fecha que marca un antes y un después: 1926. Fue cuando Santa Eulalia realizó el primer desfile de alta costura, siendo pionera en Barcelona de esta nueva fórmula venida de París de presentar la moda. Una iniciativa fruto del talento de Pedro Formosa, director creativo de la casa hasta 1970. Desde entonces, salieron de sus talleres los vestidos y sombreros hechos a mano más elegantes de la ciudad y vistieron a las clases adineradas de Barcelona y más allá. De los talleres de Santa Eulalia surgía el buen arte y saber hacer en el vestir gracias al meticuloso trabajo artesanal de los sastres y las modistas que trabajaban para crear diseños exclusivos a su distinguida clientela. Hay otra fecha que merece ser recordada que denota la labor y el prestigio del establecimiento. En el año 1941, Santa Eulalia formó parte de la Cooperativa de Alta Costura y lideró la moda junto con Pedro Rodríguez, Asunción Bastida, Manuel Pertegaz y El Dique Flotante, reconocidos como los Cinco Grandes de la Costura española; honores que compartían, en paralelo, con Cristóbal Balenciaga.

El legado a través de los vestidos

Bajo el nombre de ‘Santa Eulalia, 180 años de moda’, la muestra propone un recorrido de 70 años (1930-1990) para disfrutar de una época en la que Barcelona, con Santa Eulalia como referente, fue líder en diseño de moda. A lo largo de cuatro salas distintas, organizadas por tipologías de Calle y día, Noche, Puestas de Largo y Novias, el visitante se sumergirá en el maravilloso mundo de la Alta Costura a través de vestidos y sombreros cuidadosamente seleccionados, así como de una pieza audiovisual que recoge también carteles publicitarios, fotografías de moda y comunicaciones de Santa Eulalia que evocan la época dorada de la Alta Costura.

La exposición ha sido comisariada por Josep Casamartina, reconocido historiador de arte especializado en historia de la moda, que ha vertebrado un recorrido fascinante reuniendo 40 piezas (de las 500 piezas recuperadas) no solo del archivo propio de Santa Eulalia sino también otras procedentes de la Fundació Antoni de Montpalau, el Museu del Disseny de Barcelona (DHUB), el Centre de Documentació i Museu Tèxtil de Terrassa, y el Museo del Traje de Madrid.

Todos los vestidos recrean la belleza del trabajo artesanal de Santa Eulalia caracterizado por un patronaje muy depurado y tejidos de calidad perfectamente convertidos en diseños elegantes alejados de las estridencias, que mantienen la contemporaneidad a lo largo de los años. Hay diseños que son testigos de una época de celebraciones: los bailes, los cócteles, las puestas de largo o las estrenas operísticas en el Liceo barcelonés, reunían a las mujeres de la época en sociedad y eran ocasiones especiales para estrenar un vestido de Santa Eulalia. La evolución de los modelos, según las tendencias de cada década, los detalles femeninos o los elementos de fantasía están presentes en toda la exposición.

Por otra parte, la dirección creativa y escenográfica ha corrido a cargo de Nacho Alegre, quien está al frente del proyecto Apartamento Studio. Alegre ha sido también el editor del catálogo que acompaña y recoge el contenido de la exposición en una absorbente retrospectiva que reúne fotografías de moda, material de archivo histórico y objetos inéditos de colecciones privadas. El catálogo se edita en una edición limitada de 4.500 ejemplares que podrán encontrarse tanto en Palau Robert como en Santa Eulalia y en librerías seleccionadas. La exposición de acceso gratuito, permanecerá abierta hasta el 22 de enero de 2023.

Santa Eulalia, hoy por hoy

Hoy Santa Eulalia mantiene su estatus de ser una de las tiendas de moda más influyentes del sector a nivel internacional y continúa siendo un referente del lujo en Barcelona. El establecimiento, que ofrece cada temporada las colecciones de los diseñadores internacionales más deseados por la nueva generación de consumidores, está actualmente capitaneado por Luis Sans, miembro de la cuarta generación de la familia propietaria, y su mujer Sandra Domínguez. Este matrimonio también empresarial se adapta a los nuevos tiempos para mantener la esencia artesanal y el buen saber de Santa Eulalia, sin perder de vista las últimas tendencias que triunfan en el mercado.

El 080 Barcelona Fashion volvió a la presencialidad después de dos años apostando por el formato digital con algunas novedades en los bolsillos como una experiencia inmersiva o la primera pasarela de ropa de segunda mano. Los desfiles tradicionales se celebraron en el Recinto Modernista de Sant Pau, escenario habitual antes de la pandemia, ante la atenta mirada de profesionales del sector que volvieron a revivir la calidez de ver in situ la colección de la próxima temporada en directo. En total, participaron 23 diseñadores y marcas, algunas de las cuales volvieron a confiar en los tejidos Gratacós para elaborar sus nuevos diseños para el próximo verano. A continuación, analizamos las colecciones más destacadas en el que encontramos estas maravillosas creaciones. Una vez más, ¡gracias por confiar en nosotros!

Avellaneda

“Imagínate todo el colorido de las puestas de sol que tenemos aquí en Barcelona. Esa paleta degradada es la que he querido transmitir en mi nueva colección”, aseguraba Juan Avellaneda en el backstage del 080. La nueva propuesta festiva ‘Sunset Mirage’ es precisamente un homenaje a los atardeceres mediterráneos tan vivos y coloridos, con colores intensos que van del violeta al naranja, pasando por el rosa y el rojo Avellaneda. “El atardecer es también la antesala de esas noches interminables que habitan en mi imaginario”, continuaba el diseñador barcelonés.

En cuanto a patrones y siluetas, Avellaneda se mantiene fiel a su estilo elegante que parte de la sastrería clásica con piezas fieles a su ADN como las camisas bien definidas, los smokings, los trajes con tejidos extraordinarios y los vestidos llenos de volumen con aberturas sorprendentes que están presentes en una versión u otra, en cada temporada. En ‘Sunset Mirage’ también convive lo masculino y lo femenino, la elegancia aristocrática y las prendas impecables que están pensadas para disfrutar de la vida, y especialmente de la noche.

Dominnico

Domingo Rodríguez Lázaro fue uno de los diseñadores más esperados de la pasarela catalana. De hecho, su desfile como Dominnico, la marca prêt-à-porter que fundó en 2016 en Barcelona, causó máxima expectativa. Ni una silla quedó vacía. El diseñador alicantino, debutó con ‘Nenne’ para volver a sus orígenes en una propuesta intimista: “Nene es el apelativo cariñoso con el que Juana, mi madre, llamaba a Domingo, mi padre y el punto de partida de esta colección intimista en homenaje a él”, explicaba Domingo Rodríguez Lázaro antes del desfile. Para vertebrar esta atrevida propuesta, el director creativo junta el mundo de la moda con el motor. Así, los monos de trabajo, el camión y sus carrocerías presentes de forma simbólica en la ropa contrastan con la moda más festiva de gran espectacularidad visual que se elabora siguiendo la confección artesanal, pero también el upcycling (dando una segunda vida a materiales y prendas recicladas).

 

En esta propuesta, la obra del ilustrador japonés Hajime Sorayama ayudó a explorar la simbiosis entre la robótica y el erotismo del cuerpo humano, creando nuevas estructuras en las que conviven la mecánica y la anatomía, sirviéndose de los volúmenes -creados con tafetanes y pelo de origen vegano-, para conseguir esa parte más orgánica y natural. También las texturas de tejidos más utilitarios, como la felpa o el denim, acercan Nenne al costumbrismo y a las piezas laborales reversionadas. En la pasarela vimos como los tejidos Gratacós adquirían nuevos usos y formas. Un magnífico ejercicio de creatividad en un diseñador que seduce a los jóvenes de la generación Z.

Escorpion

Escorpion optó por convertir la pasarela en una fiesta a través de una explosión cromática. “Teníamos muchas ganas de celebrar que la vida sigue”, afirmaba el director creativo, Carles Gràcia después del desfile. La firma catalana del knitwear, que lo exporta a nivel internacional a través de 900 establimientos, presentó ‘Euphoria’, un homenaje a esa fuerza para seguir hacia delante a través de una sensación intensa de alegría y bienestar.

Para ello, la colección primavera-verano 2023 apuesta por una estética arriesgada donde no hay miedo a las mezclas que pueden parecer caóticas en algunos aspectos y absolutamente brillantes, en otros. Jacquards con hilaturas brillantes, intarsias de algodón y lino, tartanes, lentejuelas, plumas… llenarán de optimismo y color la próxima temporada.

Is coming

La firma fundada por el empresario Constan Hernández, el que fuera presidente y fundador de Intropia, presentó una colección ecléctica titulada ‘Hotel en Barbados’. Una propuesta que se trasladó a ese universo vacacional en el Caribe para estructurar looks femeninos que transitan entre el día y la noche con un colorido explosivo que incita al buen humor y a la diversión. Siguiendo la línea de las anteriores colecciones, el equipo de diseño de Is Coming con Usua Echegoyen a la cabeza, presentó una colección atemporal, versátil y con prendas muy combinables entre sí.

En ‘Hotel en Barbados’ se mezclan estampados geométricos años 20, recurrentes en sus colecciones, esta vez representados en colores muy vivos. Como si de un mercado tropical se tratara, los papaya, chile, lima, cilantro y paprika se funden con los destellos de la fiesta nocturna en la playa: cobres, oro, verdes, agua… Las combinaciones arriesgadas de tejidos y estampados, marca de la casa, no podían faltar en esta colección.  Rayas de algodón, cuadros ventana pequeños mezclan con esos estampados en voile ligero, en viscosa, con mariposas de lentejuelas. También margaritas aplicadas, flores en brocado casi fosforescentes con fondo crudo. Aplicaciones y estampados determinantes para destacar en la súper fiesta nocturna, conviven con piezas de día que usas para investigar y adentrarte en el colorido mercado local.

 

Yolancris

Yolancris también dio rienda suelta al color más extremo con su última propuesta ‘Idilia’, donde por primera vez se atrevió por las tonalidades fluorescentes, más allá de mostrar una rica paleta compuesta por sus habituales neutros o rosas empolvados, estampados, texturas y volúmenes característicos.

La propuesta para el próximo verano mira a la mujer de los años 60, a ese contraste entre la feminidad y esa bocanada de lucha y libertad que se respiraba en la época para presentar una colección femenina, sutil y algo irreverente.  Para ello, la diseñadora Yolanda Pérez crea siluetas que juegan con los volúmenes, las asimetrías y la riqueza de una variedad de tejidos que van desde el tafetán, al encaje, la seda y la pedrería bordada a mano. El juego de proporciones mini-maxi, como volúmenes ondulados combinados con microcortos, ayuda a entender la versatilidad y el juego de los diseños de Yolancris que pueden vestir a la mujer en un evento ceremonioso o en un video de TikTok.

Pablo Picasso. Las bañistas, 1918. Óleo sobre lienzo. 27 x 22 cm. Musée national Picasso-Paris, donación en 1979. ©RMN Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) © Sylvie Chan-Liat © Succession Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2022.

Imagínate retroceder 100 años atrás. En un tiempo y en un lugar donde se mezcla la creatividad con la vanguardia. La provocación con el inconformismo. La pintura y la moda. Imagínate encontrarte a Pablo Picasso y a Gabrielle Chanel, conversando, intercambiando sinergias, experimentando con formas y materiales, y creando arte a través de sus respectivas disciplinas bajo una misma visión estética y conceptual. ¿No te resulta motivador?

Influencia mutua

Sobran las presentaciones, Picasso y Chanel fueron dos genios que se encontraron en el momento adecuado y en el sitio preciso en plena ascensión profesional y en la cima de su talento. Entonces, los dos creadores rondaban la trentena y gozaban de éxito y prestigio social: Picasso con sus pinturas y Chanel con su revolución femenina hacia una elegancia cómoda y vanguardista. Picasso y Chanel se admiraban mútuamente, frecuentaban los mismos sitios artísticos: desde clubs de moda hasta el ballet.

Vista de una sala de la exposición

En los años 20, el espíritu cubista de Picasso sacudía todas las artes y su estilo no pasó desapercibido en los diseños de Chanel: geometrías, cortes precisos, trajes de líneas rectas y ángulos estudiados que estaban presentes en los vestidos que triunfaban entre las mujeres más liberadas y modernas de la época. En general, se buscaba la simplicidad en contraposición al barroquismo de la época anterior. Por este motivo, los dos genios también tenían predilección por los mismos colores: los neutros que representaban una nueva sencillez cromática. El negro, el blanco y los beiges estaban muy presentes en sus respectivas creaciones. Otro ejemplo, en materia de tejidos y lienzos. Mientras Picasso defendía la técnica del collage para introducir texturas más bastas y austeras, Chanel defendía tejidos más sencillos y humildes como el algodón o el punto de lana. ¿Y qué decir del perfume icónico de la firma francesa? Hasta en este detalle coinciden Picasso y Chanel. El frasco de Chanel nº5 tiene forma cúbica con una etiqueta minimalista y sobria. Un recipiente que recuerda a las botellas pintadas por el pintor malagueño en las naturalezas muertas de 1912. ¿Otra simple coincidencia?

Le Train Bleu: Léon Woïzikovsky, Lydia Sokolova, Bronislava Nijinska and Anton Dolin, 1924 Photography. 25, 4 x 33,3 cm. Library of Congress, Washington D.C., Music Division

El ballet como nexo de unión

El ballet unió a Pablo Picasso y a Gabrielle Chanel. Y fue en sentido literal. Los dos genios colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en ‘Antígona’ (1922) y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev ‘Le Train Bleu’ (1924). El pintor malagueño y la diseñadora francesa ya se conocían desde la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. Chanel entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo de Picasso. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los ballets rusos. La creadora llegó a estar muy relacionada con el mundo artístico e intelectual del París de la época, hasta el punto de afirmar: “son los artistas los que me han enseñado el rigor.”

Pablo Picasso. Sin título / Arlequín y Polichinela, 1924. Temple sobre papel, 23,7 x 29,5 cm. Colecciones Fundación MAPFRE © Succession Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2022

Una exposición completa

Para indagar más en las relaciones creativas y personales entre Pablo Picasso y Gabrielle Chanel, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza  ha abierto las puertas a una de las muestras más esperadas del año para mostrar como dialogaron estos dos grandes genios creadores del siglo XX, volviendo a reunir arte y moda en un nuevo proyecto expositivo. ‘Picasso/Chanel’ se organiza en cuatro grandes secciones que se suceden en orden cronológico y abarcan, aproximadamente, de 1910 a 1930.

El primer bloque se titula ‘El estilo Chanel y el cubismo’ y presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de la diseñadora francesa. ‘Olga Picasso’, representa el segundo capítulo y está dedicado a los numerosos y bellos retratos que Picasso realizó de su primera mujer, la bailarina rusa Olga Khokhlova, devota clienta de Chanel; junto a ellos, algunos vestidos de este periodo inicial de la diseñadora francesa, de los que se conservan escasos ejemplos. El tercer apartado se basa en ‘Antígona’ adaptación moderna de la obra de Sófocles realizada por Cocteau. Esta obra se estrenó en París en 1922, con decorados y máscaras de Picasso y vestuario de Chanel, que vuelven a reunirse en este capítulo para mostrar su común inspiración en la Grecia clásica. Por último, ‘Le Train Bleu’ es el título del cuarto apartado y del ballet producido por Diághilev en 1924, con libreto de Cocteau, inspirado en el deporte y la moda de baño. La obra ‘Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera)’, un pequeño gouache que Diághilev descubrió en el taller de Picasso, se convirtió en imagen para el telón de la obra, y el pintor aceptó también el encargo de ilustrar el programa de mano, mientras que Chanel entusiasta deportista, creó trajes para los bailarines inspirados en modelos deportivos diseñados para ella misma y para sus clientes.

La exposición Picasso/Chanel se podrá visitar en el Museo Thyssen hasta el próximo 15 de enero de 2023.

Desfile de la colección SS23 de Fely Campo. Foto: Gus Geijo

Gratacós ha brillado con luz propia en la Gran Semana de la Moda Española al subirse en la pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada a mediados de septiembre. Evidentemente, lo ha hecho de forma indirecta a través de diseñadores asiduos a nuestros tejidos que han vuelto a confiar en nuestro saber hacer para crear las magníficas colecciones de la próxima temporada estival. En esta edición queremos mencionar especialmente la colaboración que nuestra empresa familiar ha hecho con la diseñadora Fely Campo en una propuesta SS23 urbana y sensual, donde el lujo se aprecia en cada detalle. No solo la creadora salamantina ha contado con los tejidos Gratacós para idear obras de arte en movimiento. También nos han apoyado otros diseñadores como Álvaro Calafat, Aurelia Gil, Duyos, JC Pajares, Isabel Sanchís, Malne, Maison Mesa, Odette, Pilar Dalbat y Redondo Brand.  A continuación, os exponemos algunos detalles de cada colección y también más detalles de los looks exhibidos.

Fely Campo

Fely Campo entiende la moda como “una incansable búsqueda de la belleza”. Un lenguaje que se mueve de forma perseverante y en el que la diseñadora de Salamanca encuentra el equilibrio entre el silencio y el ruido de nuestra forma de vida actual. Bajo esta inspiración, la creadora transmite en ‘Nagore’ una idea de sensualidad que se alinea al frenético ritmo urbano de ciudades como Madrid, Tokio o Nueva York. Sorprendentes urbes en plena vibración con las que Campo alude a nociones como la vorágine, la vibración y la pulsión, pero también evocan otros valores como quietud, sutileza y deseo, a través de tejidos, patrones y siluetas que desean participar en este bullicio urbano.

Así, ‘Nagore’ es una colección de prêt-à-porter de lujo con la que Fely Campo quiere representar el movimiento de nuestro ritmo de vida actual. Para ello, la diseñadora, que lleva más de 40 años vistiendo a mujeres de todo el mundo, crea una imagen contemporánea sobre el concepto de fluidez con prendas dúctiles y versátiles que reflejan el sentir de la mujer actual que busca moda de autor española consciente de la necesidad de consumir moda sostenible. Siguiendo su estilo elegante y sobrio, Fely Campo se aferra a un patronaje excelente con siluetas que aman la sutileza, tejidos que se tornan vulnerables al movimiento, exuberantes estampados florales y en una paleta de colores rica que va desde los neutros: blancos, grises claros y negros, hasta los radiantes tonos fucsia, naranja y rojo con matices metalizados. La propuesta SS23 de la diseñadora es, ante todo, una explosión de belleza femenina en pleno movimiento.

Álvaro Calafat

Álvaro Calafat debuta en la pasarela española con una nueva colección emotiva donde el arte y la arquitectura se funde con la moda. Su tercera propuesta es un sentido homenaje al fallecimiento de uno de los mejores amigos del joven diseñador malagueño. Para hablar de la muerte, pero también de su conexión con la vida, el amor y el sexo, Calafat traslada a los presentes al templo de Khajuraho de la India y lo hace a través de una interpretación libre y creativa de estampados, estructuras en 3D, volúmenes y minuciosos detalles. Las siluetas se vuelven atrevidas, los tejidos combinan rigidez con ligereza y no pasan desapercibidos algunos elementos surrealistas característicos de su estilo irreverente.

Aurelia Gil

Aurelia Gil rinde homenaje a la trayectoria de su marca, que en 2023 cumple 20 años, a través de una propuesta atemporal que es toda una declaración de intenciones. Así, ‘3 6 5’ representa una única colección al año compuesta por prendas que encajan entre sí y funcionan en cualquier momento del día, con el fin de dar un paso más hacia la sostenibilidad.

La colección de la firma canaria se compone de una nutrida selección de prendas icónicas de la marca que han sido revisadas y actualizadas a través del diseño y del uso de nuevos materiales, como la hilatura de Lycra para las piezas de crochet. Gil también apuesta por el contraste cromático y la mezcla de tejidos. ‘3 6 5’ también cuenta con la visión añadida que aportan las artesanas canarias que han creado los complementos que acompañan la colección para reafirmar en los valores de tradición, artesanía y oficio.

Duyos

Con un estilo propio y reconocible, Duyos encuentra la inspiración de la próxima colección SS23 en Estonia a través de un viaje sensorial por su naturaleza deslumbrante, su artesanía y tradición, y hasta su gastronomía. Para trasladar las vivencias en moda, el diseñador madrileño se alía de Jacquares de algodón, bordados, organzas, sedas y tules que utiliza para ilustrar la explosión floral del comienzo del verano, pero también otros elementos de los paisajes autóctonos. Verdes boscosos, rosados luminosos, morados florales, dorados evocadores… que, combinados sutilmente representan la energía del colorido del país.

En la nueva colección de Juan Duyos tampoco faltan sus habituales rasgos estilísticos: superposición de prendas, juego de volúmenes y mezcla de motivos y texturas que representan el espíritu lúdico, pero funcional basada en la costura de factura artesanal.

Isabel Sanchís

Isabel Sanchís ha celebrado 30 años en la moda manteniendo sus credenciales intactas. El objetivo de la diseñadora valenciana, que roza la excelencia en la aguja, siempre ha sido magnificar la feminidad de la mujer contemporánea trabajando con mimo los materiales y los tejidos escogidos, con bordados exclusivos, volúmenes estratégicos y un patronaje muy preciso.

La próxima colección para el verano 2023 representa una colección muy personal basada en elementos insignia, las flores y el volumen. Para ello, Isabel Sanchís interpreta las flores de formas distintas manteniendo diseño elegantes y extremadamente femeninos. La propuesta es ecléctica, representa la diversidad en la sociedad actual, y existen piezas que parten desde neoprenos cortados a láser, pasando por piezas más ligeras de organza o gasa, con otras prendas de costura con volúmenes realizado con raso líquido reciclado y plumas. Los colores utilizados son llamativos, donde predominan el rojo, el rosa y el verde, dando fuerza a las piezas de esta colección para una mujer del 2023.

JCPAJARES

JCPAJARES reafirma su apuesta por la moda sin estacionalidad con su propuesta ‘Annual 22 23’. Representa la tercera colección anual donde prendas de verano, invierno y timeless se dan la mano a través de diseños innovadores, conscientes y respetuosos con el medio ambiente.

‘ANNUAL 22-23’ se convierte en la colección más especiales de la firma gracias a la colaboración con maestros artesanos. Una unión que revivive y dota de nuevos códigos estéticos a técnicas centenarias que están a punto de desaparecer. Cerámica, vidrio soplado, bordados a mano, mimbre, tejidos realizados en telares centenarios navegan por una colección que afianza el carácter, estilo y el sello de la firma del joven diseñador. A destacar también los patrones innovadores y sofisticados, las siluetas sexys combinadas con otras oversizes, los frunces estratégicos y las aberturas inesperadas que se materializan gracias a paños de lana, organzas y puntos de seda, crepes y neoprenos, entre otros.

Malne

Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, el tándem de diseño que se oculta tras la firma, se inspira en el simbolismo del nacimiento para presentar una colección deslumbrante en todos los sentidos que se sitúa en un entorno hostil como es el desierto. En ‘Birth’, Malne reflexiona sobre un proceso de transformación en clave positiva: el fin de una era, y el nacimiento de nuevos paradigmas éticos y modos de vida, en los que la forma parte de la belleza de esa necesaria mutación.

Para llevarlo al terreno de la moda, Malne utiliza tejidos brillantes que reflejen los rayos de sol en la arena y tonalidades características del paisaje desértico como los tonos arenas o los azules noche. Las siluetas son atrevidas sin dejar de lado la sofisticación que caracteriza la marca española.

Maison Mesa

La figura controvertida de Heliogábalo, emperador romano del siglo III d.C., inspira la nueva colección estival de Maison Mesa. Un emperador irreverente, que rompe con los esquemas del género, con la sexualidad establecida y con los sistemas de poder, que otorga a la mujer el poder político destinado exclusivamente a los hombres. Bajo esta influencia, la feminidad, el deseo y el poder son los elementos centrales en torno a los que giran todas las prendas, una historia sobre el poder femenino sin ataduras.

Sobre la pasarela, la firma de Juan Mesa que mezcla tradición y vanguardia, exhibe piezas geométricas que generan volúmenes y drapeados según su estructura de construcción. También vestidos de noche junto a piezas de día como sudaderas, camisas o chaquetas, todas unidas bajo la influencia del dios solar Helios, que reflejan su luz con matices y destellos, con su color o con bordados y aplicaciones. La paleta de colores es luminosa y va del blanco al amarillo, pasando por el azul celestial y el dorado, verdes empolvados y rosas matizados frente a sus versiones más intensas.

Si hablamos de tejidos, la nueva colección mezcla materiales clásicos frente a otros más contemporáneos e innovadores, voile de algodón, organdís, satenes, mikados, muselinas de seda y creps frente a tejidos de metal, acabados brillantes y de lúrex en Jacquard o en punto, pasando por lentejuelas metálicas o traslúcidas y otras que crean bordados militares de camuflaje. También predominan los tejidos que reflejan con su brillo la luz, con lúrex, con ligamentos satinados, tejidos de flecos que aportan brillo y movimiento, incluso tejidos que modifican su color tras su exposición continuada a la luz solar. En definitiva, Helios está presente desde el concepto hasta su manifestación textil.

Pilar Dalbat

Pilar Torrecillas, directora creativa de la marca, se inspira en los monumentos patrimoniales de su Granada natal para presentar una colección armónica que rinde homenaje a la arquitectura autóctona.

Sobre la pasarela, Pilar Dalbat compone 32 looks que combinan tejidos de gaza de lino con tules, plisados y tafetas creando nuevas siluetas llenas de transparencias. Los tejidos metalizados, presentes en los diseños de cada colección, también vuelven a aparecer esta vez en diferentes texturas. Las prendas de noche apuestan por el brillo, las transparencias y los plisados. Vestidos, chalecos y faldas que acompañadas de bordados con metacrilatos y cuentas de cristal combinan con tops sedosos y de neopreno. El verde lima en tafetas, crepes y fantasía da paso a prendas versátiles y fluidas.

En esta nueva colección, Pilar se reafirma una vez más en una manera de hacer colecciones de moda lenta, defendiendo la moda de autor made in Spain.

Odette

La marca de prêt-à-porter Teté by Odette presenta una propuesta inspirada en la mujer segura de sí misma, que desea brillar y que invierte en piezas de forma totalmente artesanal elaboradas en España. Así, la colección ‘Selena’ recoge el perfil de sus consumidoras con looks hechos a medida para ellas. Sobre la pasarela, la diseñadora Odette Álvarez cambia algunos patrones, abogando ahora por la feminidad de una forma más sutil y sencilla. Por lo tanto, las siluetas se vuelven minimalistas y los tejidos acarician el cuerpo creando formas fluidas y sensuales.

Los tejidos ricos en detalles de cristal, flecos, abalorios, chapas y lentejuelas, y los colores que fluyen entre el oro y plata, el rotundo fucsia, el blanco y el negro son el eje de esta propuesta inspirada en las luces y sombras del paisaje lunar.

Estand de Gratacós en la Fashion Rendez-Vous. © Première Vision / Alex Gallosi

Ya tenemos a punto la nueva colección de tejidos que corresponde a la temporada Otoño-Invierno 2023/2024. Y ésta, ha vuelto a levantar muchas expectativas entre los proveedores que nos han visitado en la Première Vision Paris celebrada en julio, y en la primera edición de Fashion Rendez-Vous de principios de septiembre, el nuevo certamen de moda que complementa a la gran feria parisina. Este optimismo junto con las ganas de encauzar el sector textil para volver a la estabilidad prepandémica, nos animan a seguir creando nuevas colecciones de tejidos que aúnan creatividad, innovación y sostenibilidad. Los tres pilares que sostienen el saber hacer de Gratacós.

A grandes rasgos, la colección decodifica y analiza las tendencias emergentes para tomar decisiones de color, textura y materia que estructuran la temporada. En la definición de la nueva propuesta hemos valorado especialmente las expectativas de nuestros clientes, la calidad (clave para la longevidad de los tejidos) y la lucha por el medio ambiente. Por eso decimos que la nueva colección es más sensible con la sostenibilidad, la sociedad y el medio ambiente porque creamos y realizamos tejidos con los que soñar despiertos. Es tiempo también para pensar, respetar nuestros tiempos, comunicarnos con nuestros públicos, protegernos y procurar una prosperidad 360º.

A continuación, vamos a entrar en detalle de cada uno de los aspectos de la nueva colección Otoño-Invierno 2023/2024.

El concepto

La moda es una esponja porque absorbe lo social, lo político y lo ambiental. Es una industria de resiliencia que tiene la capacidad de recuperarse de situaciones complicadas para seguir avanzando hacia el futuro con nuevas propuestas que se adaptan a los momentos de incertidumbre.

Esta temporada tenemos la necesidad de verbalizar, expresar, transmitir y comunicar a través de los tejidos como pensamos, qué sentimos y qué deseamos. El tejido en este aspecto es el medio de expresión. Un conducto que recoge las experiencias humanas y apela a la personalidad de cada individuo. A principios de la pandemia, la concepción del tejido era el instinto de protección y cuidado de las personas. Ahora es el medio de expresión individual. Por eso nos preocupa elegir el peso, el aspecto, la tactilidad, la nobleza de sus fibras para realizar creaciones excepcionales. El tejido habla por sí mismo. El tejido habla de nosotros mismos.

Vista general de la Fashion Rendez-Vous. © Première Vision / Alex Gallosi

Los tejidos y los hilados

Más allá de la identidad y la autoexpresión, los tejidos de la nueva colección están pensados para emocionar. Para ello, en esta nueva temporada promovemos enfoques de moda más atrevidos y personales, navegando siempre entre la discreción y la extravagancia. Conceptos como tactilidad expresiva, imágenes frescas y coloraciones innovadoras se incorporan dentro del equipo de diseño para experimentar con la materia.

Los tejidos también navegan entre los poderosos contrastes. Los clásicos sobreviven a la marea de las tendencias: artículos como el tweed, el cuadro Harris, el cheviot, las espigas de lana que provienen de la tradición anglosajona se mantienen una temporada más, pero se reinterpretan con motivos decorativos. Los tejidos acolchados son perfectos para las prendas de abrigo y los volúmenes que se construyen con relieves se vuelven clave para construir la moda de invierno. Al otro lado, convive la fantasía, una tendencia en auge que se traduce por una apuesta en augmento por los artículos brillantes: destellos de lentejuelas, iridiscencias, paillettes de gran tamaño y cristales, junto con jacquards llenos de fantasía de color y brillo. En la nueva colección también abundan los artículos metalizados y mineralizados: tejidos con reflejos y sedimentos de cristales de hierro como carbones iridiscentes. Insertamos reflejos metálicos y minerales.

En cuanto a hilaturas, los proyectos de sostenibilidad son cada vez más necesarios, y consideramos que el suministro de fibras e hilatura reciclada es un punto imprescindible para volver a integrar en el circuito textil los residuos creando una nueva materialidad a favor de la imprescindible circularidad. Por eso, en Gratacós trabajamos con fibras más respetuosas porque un tema de responsabilidad medioambiental. Esta lucha medioambiental también está ligada a la aceptación de precios más altos y calidades éticamente más ricas sin perder el valor añadido estético que particulariza al sector.

Una visitante observa los últimos tejidos de la temporada en la feria Fashion Rendez-Vous. © Première Vision / Alex Gallosi

El color

La temporada Otoño-Invierno 2023/2024 destaca por la versatilidad de los colores en sus múltiples matices, a la vez esenciales y maximalistas. Una gama cromática que amplifica la belleza de los materiales. Para un exceso verdaderamente desaturado se enfoca en el lujo impactante y el drama.

La densidad de los colores oscuros potencia el vigor de los tonos intermedios y amplifica la visibilidad y carácter de los tonos más brillantes para una nueva identidad en las armonías. Algunos tonos juegan con sus versiones más densas y brillantes para tener un efecto iluminador que nos sirve para ofrecer esquemas de color modernos y disruptivos, que se pueden asociar con una neutralidad acogedora.

En esta nueva colección, la paleta estará formada por tres niveles de color. La primera gama es la más saturada y brillante, y juega al contraste. La llamamos la gama de tonos dopamina. Es una línea de colores intensos y emotivos que suprime todas reglas clásicas de composición para sacar a relucir una pasión vigorosa. El naranja, el magenta, el verde y el fucsia enfatizan los contrastes en las mezclas de colores para crear harmonías sorpresa. La segunda gama es más discreta y la componen varios tonos neutros que modulan iridiscencias oxidadas, mezclando armoniosas combinaciones y tonos brillantes que se reencuentran. El gris perla, el rosa antiguo, los colores tierra, los lilas profundos… forman parte de esta segunda línea de color. Son tonalidades sofisticadas y carismáticas que evocan al lujo en su versión más sutil. Por último, la tercera gama se balancea entre la naturaleza y el mundo rural. Para captar este universo sereno y tradicional utilizamos colores cálidos y profundos que se interrumpen con brillo. Los tonos terrosos, los verdes pálidos o los azules apagados son clave en esta gama para ofrecernos un clasicismo recuperado que nos conecta con el pasado y la memoria, sin que por ello nos ofrezca un aspecto vintage.

Detalles de tejidos en el certamen de moda Fashion Rendez-Vous. © Première Vision / Alex Gallosi

Los aspectos y los diseños

La temporada Otoño-Invierno 2023/2024 destaca por una nueva sensorialidad híbrida en los tejidos que se consigue a golpe de creatividad e ingenio. No nos conformamos solo en elaborar artículos bonitos, sino que deben inspirar belleza. Para ello, en materia de aspectos destacaremos los relieves enfatizados para reflejar el movimiento de las texturas.

Actualmente la moda transita entre la comodidad del estilo urbano o más streetwear con la elegancia de la sastrería que es un clásico imbatible y, por último, la sofisticación de las prendas más extravagantes. Por este motivo, los artículos que creamos tienen que satisfacer todas las demandas existentes en el mercado. En concreto, nos interesan los artículos funcionales, versátiles e híbridos que respondan a varios estilos diarios, pero también los artículos más fantasiosos para dar respuesta a esta apuesta por la evasión que conlleva la moda después de la pandemia: materiales suntuosos, volantes extravagantes y lentejuelas de todo tipo y tamaños.

En materia de diseños, esta temporada está representada a través de ideas sobre la exploración de las posibilidades ilimitadas de las formas y de la mezcla con el arte. Hay una fuerte relación entre la tradición y la emoción. Una colección que va hacia una modernidad muy expresiva, queremos sobre todo despertar la alegría.

Para trasladar la tendencia, en esta colección triunfan los motivos contrastados: desde los delicados e imperceptibles tono sobre tono, hasta los macro diseños en colores fuertes y vibrantes para una opulencia visual sin complejos. También se exploran los contrastes juguetones de proporciones que se trabajan juntos. En materia de estampados abundan los diseños abstractos que se inspiran en un caleidoscopio de reflejos múltiples. También los diseños monocolores en Jacquards y estampados, en contraste con una desbordante expresividad multicolor.

Por último, no faltan en la nueva temporada los diseños de cuadros que sorprendan, los exóticos paisley, los ornamentos casi barrocos, la delicadeza de las flores que se vuelven más artísticas y menos evidentes y las fantasías otoñales para una estética decorativa, cálida y reconfortante.

En definitiva, tenemos muchas ganas de presentarte el imaginario de toda una temporada ecléctica y versátil, que explora nuevos límites donde el ingenio del equipo creativo está al servicio de la belleza y la sensorialidad. ¡Pronto descubriréis la nueva temporada en el espacio Gratacós!

Marrón. Ya de entrada suena feo y antipático, desencadena alguna burla y en general, representa un color poco apreciado: Sólo el 1% de las personas reconocen tenerlo como favorito, siendo la tonalidad que más rechazo genera entre la población. A nivel psicológico, el marrón tiene connotaciones negativas porque se asocia con lo viejo y anticuado, a la pobreza, a la suciedad o a la cotidianeidad. Lo ordinario se representa de marrón. Lo discreto también porque el marrón, al ser la mezcla de los colores primarios, pasa desapercibido. Estas asociaciones mentales se relacionan con la historia de la vestimenta y el uso que se le dio en el arte, a este menospreciado color. A pesar de ello, el marrón también tiene un reverso luminoso: representa la tierra y está presente en la naturaleza, a través de la flora y la fauna. En diseño y decoración, el marrón es muy apreciado porque remite a la calidez, al recogimiento y al bienestar. Los ambientes rústicos, con gran presencia de maderas, pieles y barro y arcilla son de tonalidades pardas. A continuación, os explicamos algunas curiosidades de esta reservada tonalidad imprescindible en otoño, la estación que psicológicamente asociamos al marrón.

El origen del marrón

El marrón siempre ha estado ahí, y abunda a nuestro alrededor. Estos tonos son muy comunes en la naturaleza: las cortezas de los árboles, la piel y el pelo de los animales, la tierra arcillosa, los suelos áridos, los flujos del lodo… El marrón representa la madre tierra, donde emana con toda su fuerza, su naturaleza, y, por lo tanto, la vida y la muerte. La madurez es marrón por eso en otoño, este color resplandece en toda su intensidad. Las flores pierden su juventud y las hojas se tiñen poco a poca de esta tonalidad para anunciar el fin de su ciclo.

Etimológicamente, el nombre del color es un galicismo. Remite a “marron” que significa castaña en francés. Esta palabra se introdujo a mediados del siglo XIX para designar a lo que antes se conocía como castaño. Fue tanta la aceptación y el uso entre la población del término que se introdujo al diccionario normativo en 1927. Por lo tanto, no hace ni un siglo que nuestra lengua ha aceptado la palabra marrón para designar al color castaño o pardo. A pesar de ello, hoy en día seguimos usando el viejo adjetivo para nombrar al pelo y cabello que no es ni rubio ni moreno.

El color de la humildad y la pobreza

Históricamente, el marrón siempre ha sido un color abundante, fácil de producir y en muchos casos, representaba los tejidos sin teñir a través de piezas elaboradas de borra y pelo de cabra, ciervo y liebre hilados con lino y cáñamo crudos y parduscos. Por lo tanto, la ropa de color marrón era la original y no necesitaba ningún tratamiento añadido. Desde la Grecia Clásica y prácticamente hasta finales del siglo XVIII, las piezas de ropa de colores luminosos como el rojo, el azul de ultramar, el verde o el amarillo dorado eran símbolo de estatus -eran colores caros de producir- y estaban reservadas a las clases privilegiadas. Las prendas sin teñir mostraban claramente una condición inferior y por eso, las clases populares las usaban con frecuencia, siendo el marrón el color vinculado con la sencillez, la humildad y la pobreza. Por ejemplo, en la Antigua Roma, la ropa marrón se asociaba con los pobres o los bárbaros -aquellos pueblos que no dominaban las artes tintoreras-. El término que se utilizaba para dirigirse a los plebeyos era “pullati”, que significa literalmente aquellos vestidos de marrón. En la Edad Media, se consideraba el marrón como el color más feo del espectro porque era el color que vestían los campesinos, los siervos, los criados y los mendigos. También representaba un color abundante, corriente y vulgar, valores opuestos a la opulencia de la nobleza. Por lo tanto, el marrón se veía como un color mundano, asociado a la muchedumbre, la turba y por qué no, a la suciedad. Heces, lodos y betunes son marrones y rodeaban frecuentemente la plebe.

Si el marrón también representaba símbolo de la humildad, no era de extrañar que los primeros monjes cristianos utilizaran este color para predicar una vida sencilla, alejada de toda clase de lujos. Cuando se establecieron los colores para las distintas órdenes, los colores pardo y gris vestían a los monjes que hacían voto de “máxima pobreza” como los franciscanos conocidos por sus túnicas marrones como símbolo de humildad cristiana. El marrón fue también, durante siglos, el color del luto de los pobres porque los tejidos teñidos de color negro resultaban inaccesibles para las clases más populares.

Un cambio de concepción

El ideal estético de los colores vibrantes duró mientras se mantuvo el elevado el coste de los tintes luminosos. Este paradigma empezó a cambiar a partir del siglo XVIII cuando se pudo teñir por primera vez los colores puros (rojo, azul y verde eran los más valorados) a precios razonables. Este hecho cambió el sistema de valores: los colores puros se consideraron entonces simples, y el arte del tintorero se transformó en el arte de mezclar tintes. De ahí surgió, en la época rococó la predilección por los colores pastel, y la introducción del castaño como color de moda entre la nobleza. Para obtener el codiciado marrón se teñían varias veces con diversos colores, unos después de otros, para obtener un tono más variado. Por ejemplo, Luis XVI sentía predilección por los colores pulga (los llamaba, coleurs de puce) con matices muy variados: pulga vieja, pulga joven, espalda de pulga, cabeza de pulga, pierna de pulga… Todos se reverían a un tipo de marrón distinto.

Goethe por otro lado, consideraba los colores puros como algo desdeñable, puesto que eran difíciles de combinar en la vestimenta de las personas sofisticadas: “El uso de colores enteros sin duda tiene muchas limitaciones; en cambio, los colores como sucios, muertos, los llamados colores de la moda, muestran muchísimas gradaciones y matices, la mayoría de los cuales tiene su gracia”, decía. Los “colores sucios” eran todos los tonos marrones, y los “colores muertos” se refería a los que se oscurecían de negro con sus distintas variaciones que eran más versátiles. Es así, como progresivamente la cultura alemana le dio un vuelco total al significado del marrón. De la plebe y la marginación pasó a representar la cultura y el buen gusto de las clases altas.

El marrón en el arte

Aunque el marrón se ha utilizado en el arte desde tiempos prehistóricos, esta tonalidad raramente su usaba en el arte hasta el Renacimiento. En la Edad Media, por ejemplo, los artistas preferían colores brillantes y distintivos para pintar cuadros o ilustrar libros religiosos. En los siglos XVII y XVIII el marrón tuvo un mayor uso. Caravaggio y Rembrandt usaron varias tonalidades de marrones para crear efectos de claroscuro, donde el sujeto se distinguía de la oscuridad. Rembrandt también agregó sombra a las capas de tierra de sus pinturas porque promovió un secado más rápido. El artista comenzó a usar un nuevo pigmento marrón, llamado Cassel earth o colonia tierra. Este era un color de la tierra natural compuesto por materia orgánica, como el suelo o la turba. Fue utilizado por Rubens y Anthony van Dyck, y más tarde se hizo conocido comúnmente como marrón Van Dyck. Los impresionistas franceses del siglo XIX no fueron muy adeptos al color en cuestión, en excepción de Paul Gauguin que creó retratos luminosos de color marrón de las personas y los paisajes de la Polinesia francesa.

Un color apreciado en moda

Tradicionalmente, se pensaba que la persona que vestía de marrón transmitía al mundo que quería pasar desapercibida. El efecto psicológico que causa es el de ser un color corriente, hasta mediocre. De hecho, existen aún normas adscritas en cuestiones de vestimenta que se remontan a este imaginario de los colores. Por ejemplo, se dice que los ejecutivos de alto rango tienen prohibidos los trajes marrones porque desmerecen su estatus.

Más allá de ciertas creencias o tradiciones, la moda ha adoptado el marrón en su lecho y le ha dado infinidad de posibilidades. El marrón es un tono cálido y profundo, desprende magnetismo, es fácil de combinar, y por lo tanto se adapta a la perfección en infinidad de looks porque hace de su discreción, su mejor baza. No en vano se le considera un neutro como el blanco, el negro o el azul marino. A pesar de estar relacionado tradicionalmente con el otoño, el marrón este 2022 se ha llevado en primavera y en verano, a través de looks juveniles y frescos que han seguido algunas celebridades y prescriptoras de moda como Cardi B, Dua Lipa, Selena Gómez, Kendell Jenner o Rihanna. Llevarlo en versión total look ha sido también la preferencia de las grandes firmas de moda.

En Gratacós queremos mostrarte algunos de los tejidos clave de la nueva temporada en tonalidades marrones para demostrarte todo su potencial. También encontrarás otros artículos a precios rebajados. En nuestra tienda online los encontrarás disponibles.

En definitiva, el marrón nunca pasará a la historia de los colores más significativos, pero caminará de la mano de ella gracias a su naturaleza sencilla, versátil y discreta.

El cuadro Vichy es imperecedero. Sobrevive a las tendencias y a los ciclos de la moda y se sofistica a través de diseños arriesgados y tejidos que van más allá del clásico algodón de sus orígenes. Los más típicos combinan sobre fondo blanco colores como el negro, el rojo, el azul o los tonos pastel. Hace décadas, estos cuadros pequeños asociados con la libertad y la vida campestre, decidieron abandonar el campo para seducir las grandes estrellas del celuloide y, acabar más tarde en la pasarela reconvertidos en un motivo actual que se transforma según los gustos y exigencias de las nuevas generaciones.

Judy Garland en ‘El Mago de Oz’(1939) y un cartel publicitario de la época

De Malasia a Vichy

¿Sabías que el motivo Vichy procede de Malasia? Se le llama originalmente gingham pattern. El tejido, inicialmente rayado, era hecho en hilo de algodón teñido y, además de ser económico, se podía utilizar del derecho y del revés. Esta última peculiaridad fascinó a los británicos que decidieron importarlo a Inglaterra durante la soberanía de Isabel I. Entonces se producía en Manchester y se introdujo la versión con pequeños cuadros a partir de un trazado de líneas horizontales y verticales. Estas primeras versiones se utilizaban en textiles decorativos como tapicería y mantelería. En el mundo de la confección, llegó a mediados del siglo XIX cuando Napoleón III, emperador de Francia, convirtió a Vichy, en la principal ciudad de producción del tejido homónimo. A partir de aquí, los cuadros Vichy empezaron a vestir los trajes y vestidos de inspiración romántica de las clases aburguesadas en sus momentos vinculados con el ocio y el aire libre, dotándolo de un encanto bucólico y pintoresco. Nacía un tejido reinventado que se asociaría una década más tarde con el chic parisino de espíritu campestre.

Katherine Hepburn y Lauren Bacall encarnan el mito de la femme fatal con sus vestidos de cuadros Vichy

El séptimo arte se rinde a sus pies

El cuadro Vichy se hubiera quedado relegado al campo -en el siglo XX también lo utilizaban las clases trabajadoras-, sino fuera por la visión de los diseñadores y el personal encargado de vestir a las estrellas del cine. De esas reminiscencias campestres, de las mantelerías y los delantales o del universo naíf y bucólico surgió el vestido azul que lucía Judy Garland en ‘El Mago de Oz’ (1939). Despojadas de los aires inocentes de Garland, otras estrellas de cine que encarnaron el mito de las femmes fatal como Joan Crawford en la película ‘Rain’ (1932) o Katherine Hepburn en ‘Escandalo en Filadelfia’ (1940), Lauren Bacall en ‘Tener y no tener’ (1944) o Ingrid Bergman en ‘Notorious’ (1946), le supieron dar un toque más contemporáneo. Sus vestidos ceñidos o trajes dos piezas en cuadros Vichy acompañados de cinturones tipo corsé o tacones altos encarnaban una feminidad sensual y poderosa a los personajes que interpretaban. Eran mujeres de armas tomar. A partir de ese momento, todas las celebrities americanas empezaron a lucirlo desde Jackie Kennedy a Marilyn Monroe.

Brigitte Bardot con dos trajes icónicos de cuadros Vichy

Brigitte Bardot populariza los cuadros Vichy

Los cuadros Vichy también tuvieron buena acogida en el universo de las pin-ups de los años 50. Esas modelos retratadas sonriendo y en actitud sugerente que aparecían en las portadas de revistas, libros o calendarios para desafiar con su cuidadosa picardía, los acatados cánones estéticos de la época. A pesar de ello, quien extendió este tejido por todo el mundo fue Brigitte Bardot cuando en 1959 se casó con Jaques Charrier y para la ocasión, lució un vestido Vichy hecho a medida diseñado por Jacques Estrél. Unos años atrás, la actriz francesa no pasó desapercibida con una falda voluptuosa en forma de A de cuadros Vichy azules en la película ‘¿Quieres bailar conmigo?’ (1953).

Marilyn Monroe con unos pantalones de cuadros Vichy

Los siguientes años fueron decisivos en la consolidación de los cuadros Vichy en la moda prêt-à-porter. Marilyn Monroe y Audrey Hepburn lucían prendas de cuadros Vichy en sus looks más icónicos, cada una respetando su estilo, aunque era habitual verlas en pantalones con este motivo. Otro icono sensual de la época: Jane Birkin también lo lucía en la película ‘La Piscina’ (1966) con Alain Delon. Se ve con un vestido de cuadros negros y en una falda vichy azul marino. Otros iconos de estilo más contemporáneos como Linda Evangelista en la pasarela de Versace de los años 90 o la princesa Lady Di, también inmortalizaron algunos looks con estos cuadros en cuestión.

Looks del diseñador Victor von Schwarz

Los cuadros Vichy en la actualidad: ¿cómo llevarlos?

No hay prácticamente verano sin cuadros Vichy. Este tipo de cuadro se perfila como un clásico de la temporada que aparece con las altas temperaturas y siempre en una última versión renovada: cuadros más o menos pequeños, distintos colores, en tejidos más elaborados… En vestidos veraniegos de estilo campestre, en shorts y leggins ajustados para un look más urbano, en tops de mangas voluminosas o hasta en complementos como bolsos y zapatos.

En Gratacós nos gustan los cuadros Vichy y desde nuestro departamento creativo estamos atentos a las tendencias futuras para hacer siempre tejidos con este tipo motivo que sorprendan a nuestros clientes. Desde opciones clásicas hasta artículos más sofisticados que incorporan tonos fuera de lo común o elementos brillantes como las lentejuelas. Te damos algunas ideas y sugerencias con tejidos de cuadros rebajados que también puedes encontrar en nuestra tienda online. En la variedad está el gusto…

El diseñador de moda y director artístico de la muestra, Jean Paul Gaultier, en CaixaForum Barcelona.

Jean Paul Gaultier es el enfant terrible de la moda por méritos propios. Aunque ya no esté encabezando a nivel creativo su marca homónima, ahora capitaneada por su sucesor Olivier Rousteing, Gaultier siempre será Gaultier. Un genio autodidacta. Transgresor e irreverente, pero desde su faceta amable. Un verso libre de la moda que la revolucionó en los años 70, 80 y 90 exaltando la diferencia, celebrando la diversidad, rompiendo estereotipos y explorando la belleza de los márgenes. A Gaultier no le interesaba lo clásico ni lo convencional, pero sí que investigó como a través de la ropa podía empoderar a las mujeres de su tiempo. Sus diseños eran la armadura perfecta para una nueva generación que quería expresar a través del atuendo su fuerza, dinamismo y libertad. Uno de los iconos de Gaultier, el corsé puntiagudo que lucía Madonna en la gira mundial ‘Blonde Ambition’ en 1990 se creó gracias a la influencia que ejerció la mujer que más le ha inspirado: su abuela y su amplio armario lencero que recuerda el enfant terrible de su infancia. 

Esta icónica prenda, entre otras se puede ver en directo en la nueva exposición estrenada en CaixaForum Barcelona: ‘Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier’. Una exposición coorganizada por la Fundación La Caixa y La Cinémathèque francaise que propone un viaje ecléctico que entrelaza cine y moda con grandes creadores y artistas, desde la óptica personal del controvertido creador, como diseñador de vestuario y como cinéfilo. Para Gaultier no hay cine sin moda, y viceversa.

Backstage, desfile de Jean Paul Gaultier, colección Barbès, 1984, prêt-à-porter de mujer otoño-invierno 1984-1985. © William Klein.

Dividida en cinco ámbitos, la exposición de autor donde Gaultier plasma su mirada, revisa la presencia del mundo de la moda en el cine, las colaboraciones de grandes modistos en el vestuario de películas y la creación de los arquetipos masculinos y femeninos. El enfant terrible de la moda pone el acento en aspectos clave que están presentes en su trayectoria como diseñador como el empoderamiento femenino y presta atención a figuras heterodoxas de guerreros y guerreras, andróginos y travestis, así como a la influencia de las culturas rock, punk y queer que tanto han marcado la moda en los últimos años.

Tras su paso por Paris y Madrid, la exhibición, dedicada a la memoria de la cineasta Tonie Marshall, reúne en Barcelona un conjunto heterogéneo de más de 100 piezas de indumentaria que se muestran en cerca de 70 looks, fragmentos de más de 90 películas y 125 representaciones gráficas (carteles, bocetos, fotogramas y fotografías), entre originales y reproducciones, procedentes en su mayoría de la prestigiosa colección de La Cinémathèque Française y que se complementan con obras de más de veinte prestadores nacionales e internacionales. 

Díptico Marlene Dietrich. Masque & Narcisse, 2021. © Bastien Pourtout i Edouard Taufenbach, colección Pierre Passebon, 2021.

Entre los cerca de 70 looks icónicos del cine se encuentran vestidos que llevaron Grace Jones en ‘Panorama para matar’ (1985), Catherine Deneuve en ‘8 mujeres’ (2002), Grace Kelly en ‘La ventana indiscreta’ (1954); Sharon Stone en ‘Instinto básico’ (1992); Marilyn Monroe en ‘Eva al desnudo’ (1950); Seven Sinners de ‘Tay Garnett’ (1940); Brad Davies en ‘Querelle’ (1982) o como decíamos al principio, el célebre corsé rosa que enalteció a Madonna en su gira mundial. 

También, los trajes de ‘Superman’ (que vistió Christopher Reeve); ‘La máscara del Zorro’ (1998), con Antonio Banderas; el short que llevó Sylvester Stallone en ‘Rocky’, o el vestuario de Victoria Abril en ‘Kika’ (1993) que, junto con el de otras películas como ‘La mala educación’ (2004) o ‘El quinto elemento’ (1997), fue diseñado por Gaultier. En esta línea, también se exponen diseños de alta costura de Coco Chanel, Pierre Cardin, Hubert de Givenchy, Manuel Pertegaz, Balenciaga y Sybilla, entre otros.

Fotografía entre bastidores de la película ¿Quién eres tú, Polly Maggoo? 1966 © William Klein/ Films Paris New York.

Dos películas que marcan los inicios de Gaultier

Entre todo el desfile de looks, proyecciones y prendas clave, hay dos películas que ocupan un lugar de honor en la exposición y tienen que ver con los orígenes del diseñador. La primera cambiaría el rumbo de su vida. Gaultier tenía entonces 13 años cuando vió por primera vez de ‘Falbalas’ de Jacques Becker (1945). Un melodrama protagonizado por un costurero y ambientado en el ajetreo de una casa de costura durante la posguerra. Este filme es el “culpable” de que quisiera dedicarse al mundo de la moda. De ahí empezó a diseñar figurines que luego transformaría en diseños. La otra película que ha marcado al creador francés ha sido ‘¿Quién eres tú, Polly Maggoo?’ (1996) de William Klein, quien en el filme analiza su época con una mirada aguda y pone al desnudo los entonces incipientes reality shows. Se trata de una sátira de los delirios egocéntricos del mundo de la alta costura, donde en aquella época dominaba la era espacial en la que cayeron todos, desde el modisto misántropo hasta la redactora jefa más versátil.

Pedro Almodóvar, Victoria Abril y Jean Paul Gaultier en el plató de Kika, 1994 © Nacho Pinedo.

Moda y arte, actividades en paralelo

La exposición ‘Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier’ estará abierta al público hasta el 23 de octubre. En esta ocasión, para indagar en las estrechas relaciones entre la moda y el arte, CaixaForum Barcelona ha organizado en septiembre, un ciclo de conferencias que plantea diálogos sobre de qué manera se influyen el arte y la moda: ¿es el arte la fuente de inspiración para la moda o son los códigos de la moda, las vías que escoge el artista para desarrollar su poética? El filósofo y sociólogo francés Gilles Lipovetsky, el arquitecto Manuel Blanco, los periodistas Isabel Margalejo y Carlos Primo, la divulgadora Charo Mora (responsable del ciclo) o la modelo Sita Abellán, son algunos de los nombres que ilustraran los vínculos entre la moda y el arte, la arquitectura, la literatura y la música.

Detalles de la exposición ‘Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier’

París, 1930. La diseñadora de origen italiano Elsa Schiaparelli tenía muy claro cual era la reacción que esperaba de su público, el día que presentó en sociedad su famoso shocking pink. Un rosa chillón con tintes magenta que provocó un efecto wow de inmediato entre la sociedad parisina y demostró que el rosa, más allá de ser dulce, suave o romántico podía ser agresivo, reivindicativo y chocante, sin dejar de ser femenino.  Desde entonces, el fucsia sería el color por excelencia de la eterna rival de Coco Chanel que servía tanto de inspiración como una fórmula de evasión de la propia Schiaparelli. Recordamos que la moda austera de los años 30 y 40 que coincidía con un periodo de depresión económica, necesitaba un color potente que invitara al escapismo. Después de la Segunda Guerra Mundial, esta tonalidad vibrante quedó inmortalizada en vestidos como el que lució la actriz Zsa Zsa Gabor para enfundarse en la piel de Jane Avril, la cantante del Moulin Rouge en la película homónima de 1952, y un año más tarde, Marilyn Monroe también quedaría en la memoria de los espectadores en la película ‘Los caballeros las prefieren rubias’. Lucía un vestido fucsia con escote palabra de honor, lazo voluminoso en la parte trasera y largos guantes a conjunto.

2022. Ya han pasado más de 90 años y el fucsia vuelve a estar en el candelero. Lo rescató hace una década, la generación del Milenio que hizo del rosa, su bandera cromática. Después de dos temporadas apareciendo de forma intermitente en la pasarela ha sido la firma Valentino quien la que lo ha vuelto a poner de moda. Fue en la última semana de la moda de París para presentar su colección Otoño-Invierno 2022. El actual diseñador creativo de la firma, Pierpaolo Piccioli exhibió una propuesta teñida íntegramente en color rosa. Sorprende que la firma que es famosa por abanderar otro color potente: el rojo Valentino, siempre ligado con el joven diseñador Valentino y sus viajes a España que le inspiraron, haya elegido otro color para defender los nuevos diseños. Ahora Valentino abraza el tono Pink PP, una tonalidad registrada al colaborar de nuevo con Pantone Color Institute para la personalización del color. Así, el rosa Pink PP, convertido en el nuevo rojo de la casa italiana, se paseó por París en una puesta en escena que recordaba a la canción ‘Think Pink’ de la película ‘Funny Face’ protagonizada por Audrey Hepburn. “El rosa es el color del amor, la comunidad, la energía y la libertad”, declaraba el actual director creativo, Pierpaolo Piccioli sobre su decisión. A su vez, los diseños monocromáticos permitieron deslumbrar los pequeños detalles: las siluetas, los volúmenes, los escotes y el patronaje impecable. Piccioli también trasladó los nuevos modelos más arriesgados – triunfa la silueta cut-out con aberturas sorprendentes y las transparencias- a las asistentes de la Gen Z como Zendaya, actual imagen de la casa que asistió al desfile con un traje rosa.

 

“El rosa es el color del amor, la comunidad, la energía y la libertad”,

afirma Pierpaolo Piccioli, director creativo de Valentino.

 

Otras firmas de lujo como Versace con la impactante Naomi Campbell al frente del desfile, Gucci, Loewe, Chanel o Jacquemus también se han puesto de acuerdo esta temporada para subir el fucsia en la pasarela.

Una actuación de Rosalía en 2019. Foto: Valpalavecino

Actrices, prescriptoras de moda y royals, todas visten de fucsia

¿Qué tienen en común Zendaya, Olivia Palermo y la Reina Letizia? Evidentemente ya sabes la respuesta. El fucsia también seduce a las fashion insiders que conocen los efectos de apostar por un color arriesgado, pero favorecedor que luego se adueñará de las grandes distribuidoras de moda. Precisamente, el estilo de la Reina causó furor en primavera con un vestido fucsia que presentaba aberturas laterales debajo del escote de la firma valenciana Serendipia. La actriz Zendaya también levantó pasiones enfundada en un traje del mismo color y las influencers Olivia Palermo o Tiffany Hsu acumularon centenares de miles de likes en Instagram con vestidos del rosa más deseado del momento. 

 

El estilo de la Reina Letizia causó furor en primavera

con un vestido fucsia que presentaba aberturas laterales

debajo del escote de la firma valenciana Serendipia.

 

Vivimos también el momento perfecto para dar rienda suelta al color en una época de postpandemia donde el desenfreno, la alegría y cierta ligereza campan a sus anchas y esa actitud relajada se traslada en la moda con un armario más vital, enérgico y colorista. No en vano, un color como el fucsia se tenía que erigir como tendencia cromática absoluta de la temporada, junto con otros tonos como el naranja vitamina, el morado o el verde esperanza. 

Desde Gratacós también hemos notado este renacer del rosa fucsia porque curiosamente los tejidos de esta llamativa tonalidad están volando de nuestro almacén. De hecho, en la tienda online disponemos aún de algunos artículos del color que marca el ritmo de la actualidad. Todo está conectado en el mundo de la moda, desde la materia prima hasta el diseño final que luego veremos en pasarela y que, más tarde, las personas corrientes llevaremos en la próxima temporada.