Madrid 1978. España salía de la dictadura y su capital experimentó una década prodigiosa que sacudió el panorama cultural y artístico. Esa revolución en tecnicolor que convirtió Madrid en la sede de la diversión y la creatividad se le llamó La Movida. ¿Te acuerdas de ella?

Ahora, una exposición organizada por la Fundación Foto Colectania en Barcelona recuerda esos años experimentales bajo un título transgresor: ‘La Movida. Crónica de una agitación’. Una muestra, recién inaugurada, que ofrece una aproximación a este momento histórico desde la perspectiva de la fotografía, abordando ámbitos y miradas radicalmente diferentes. La exposición, presentada en verano en el prestigioso festival Les Rencontres d’Arles, se centra en la labor de cuatro fotógrafos que inmortalizaron algunos iconos de La Movida: Alberto García-Alix, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez y Miguel Trillo. Estos profesionales vivieron en primera persona esta revolución cultural, convivieron, se cruzaron y se encontraron en diferentes ambientes, pero lo interesante de la exposición es como cada uno de ellos lo inmortalizó desde una óptica distinta, mostrando diversas caras de una misma realidad.

Así, la exposición presenta esta mirada poliédrica sobre el movimiento, en la que se pueden contemplar extraordinarias fotografías que dan un testimonio excepcional de la época. Auténticas joyas visuales como las fotografías de época de García Alix que son testimonio de cómo se transformaba la calle y los personajes que la habitaban; las instantáneas oníricas y coloreadas de Ouka Leele llenas de frescura e imaginación; la perspectiva gamberra de Pablo Pérez-Mínguez en cuyo estudio se dejaron fotografiar todos sus protagonistas bajo el lema del “Todo vale”, y las tribus urbanas de Miguel Trillo que retrató la libertad de la calle y la juventud del momento, agrupada en grupos según su manera de vestir y sus comportamientos. La muestra también incluye además una selección de materiales como vinilos, fanzines o carteles, así como una proyección de actuaciones musicales que complementan los universos personales de los fotógrafos.

La singularidad de La Movida

La Movida fue una época singular y espontánea de la cultura contemporánea española. Tuvo lugar en Madrid a finales de los setenta y se extendió durante la década de los 80, coincidiendo con la alcaldía de Enrique Tierno Galván. Tras varias décadas de dictadura y ostracismo, la transición española vio aparecer una nueva generación fascinada por la modernidad y la idea de lo nuevo, que cristalizaría en creadores procedentes de diferentes campos como la música, la moda, el cine, la pintura o la fotografía. Este apogeo cultural se distinguió en otras ciudades europeas por ser un fenómeno que conectaba directamente con la vida cotidiana del momento.

La exposición ‘La Movida. Crónica de una agitación’ se podrá visitar en la Fundación Foto Colectania de Barcelona hasta mediados de febrero. Una mirada al pasado hacia la ciudad más divertida y libre del momento.

La “comunidad del color” crece edición tras edición generando una gran expectativa entre los profesionales del diseño que se marcan en el calendario, las citas que marca dos veces al año The Color Community. Como ya sabéis, se trata de una iniciativa dirigida por un grupo de profesionales que, desde diferentes disciplinas creativas, comparten un estudio global del color y la materia. Aunque en cada informe que se presenta participan varios colaboradores, el núcleo base lo forman tres profesionales: el arquitecto Pere Ortega; la diseñadora especializada en Colour & Trim, Eva Muñoz; y Rosa Pujol, Textil & Colour Stylist de Gratacós.

Como es habitual, The Color Community se celebra en la Antigua Fábrica Damm de Barcelona, un poderoso colaborador que cede las instalaciones y dispone de refrigerios para llevar a cabo la presentación del informe y un posterior afterwork. En esta decimotercera edición, se presentó la carta de colores que marcarán la temporada Primavera-Verano 2021. Es un informe orientativo que como cada año sirve de inspiración para los profesionales del sector.

Juan Gratacós: “El tejido sin color sería aburrido”

En nuestro caso, esta cita es siempre imperdible. No solo por la participación de Rosa Pujol, encargada del departamento de diseño de la empresa, sino porque Gratacós se desvive por las gamas cromáticas. “Nos encanta el color y el tejido sin color sería aburrido”, comentó Juan Gratacós minutos antes de la presentación del nuevo informe.

Esta edición se inspira en el concepto de la adaptación con matices positivos. “Le sacamos la carga humilde o negativa a la palabra porque adaptarse no quiere decir conformarse, todo lo contrario”, detalló el arquitecto Pere Ortega en la presentación. Así, ‘Adapt’ se basa en la idea de ajustarse a un contexto determinado, utilizando un tipo de creatividad racional que permita buscar soluciones concisas y válidas. “Nos referimos a la creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada y reflexionada que encaje con la situación actual. No tiene nada que ver con la genialidad del momento o un brillo puntual”, explicó. La adaptación como símbolo de la inteligencia, de la estrategia racional y la sabiduría popular.

Pere Ortega: “Entendemos la adaptación como un tipo de creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada”.

La propuesta cromática ‘Adapt’ se estructura a través de cuatro gamas de color, texturas y materias bautizadas como, Afterwork, Baltic Sight, Natif y Modern. A continuación, os explicamos un breve resumen con sus inspiraciones.

1. AFTERWORK

La primera inspiración se centra en el momento de ocio después de trabajar. Un espacio para el descanso, la diversión y el hedonismo, siempre compartido. Afterwork es una propuesta versátil, que se adapta en estos contextos festivos a través de tonos pastel como el rosa candy o el azul bebé que contrastan con algunos flúores que le dan ese punto de luz necesario en cualquier fiesta: se tiñen de verde lima, amarillo y fucsia. En esta inspiración se introduce el concepto del tono transparente a través de superficies vítreas y texturas y estampados que imitan el reflejo del agua.

2. BALTIC SIGHT

La segunda gama es más introspectiva y toma como fuente de inspiración el mar Báltico que baña los países del norte de Europa. Es una propuesta fría y racional que apela al confort y a la intimidad en esa búsqueda de los refugios interiores. La gama de azules se inspira en las aguas profundas en tonos fríos y grisáceos, verdes apagados y los tonos neutros como el blanco, el negro y el beige. Como nota de color juega con algunos tonos rojizos. La propuesta también hace un guiño a los patrones estructurados, las siluetas arquitectónicas, los estampados lineales y los accesorios verticales. Se trabaja el concepto de silencio.

3. NATIF

La tercera inspiración es un homenaje a la autenticidad, a la tierra y a la naturaleza. Representa un giro hacia la artesanía y también quiere transmitir la multiculturalidad con diseños sin denominación de origen. Todo forma parte del todo. La paleta de colores de Natif es vibrante con tonos poderosos que van desde los naranjas saturados, los morados, los azules mágicos y los rojos tierra. Las tonalidades verde se vinculan con las hojas y los bosques. La singularidad cultural se consigue a través de los estampados florales y los que imitan el trazo manual, los motivos geométricos y los acabados rústicos.

4. MODERN

Por último, la cuarta inspiración representa un pasaje por las otras gamas. La ciudad y su vida interior es el motor de la creatividad y la gama de colores expresa como los individuos se adaptan a la ciudad, a la vez que se mimetizan en sus edificios, asfalto, huertos urbanos, zonas verdes… Forman parte de la urbe las 24 horas. Para expresarlo se utiliza una paleta cromática muy sensitiva con colores que aportan vitalidad. Los falsos crudos, los verdes apagados, el azul petróleo, el rosa pálido, el denim, el naranja excéntrico…conviven con siluetas minimalistas, materias tableadas y estampados lineales.

Los cuadros siempre han estado presentes en la historia de la moda contemporánea. Es más, forman parte de esas tendencias impertérritas, ajena a los ciclos, que se repiten y se renuevan sin perder su identidad.

A priori, cuando relacionamos un estampado de cuadro nos viene en mente el estilo británico con sus impolutos trajes, el tartán que recuerda a los escoceses o los cuadros vichy que nos remiten a la edad de la inocencia. Siempre es tiempo para apostar por los cuadros, sea en las colecciones de invierno o de verano. Lo novedoso es que hoy en día, muchos cuadros rompen barreras y se salen de su zona de confort apoderándose de prendas, accesorios o complementos hasta ahora menos convencionales.

Vamos a analizar los tres estampados de cuadros más comunes en las pasarelas de la nueva temporada Otoño-invierno 2019/2020:

Príncipe de gales

Es un tipo de diseño de tejido de dos colores en forma de cuadros complejos, a veces con un tercer color como perfil. En él se combinan alternativamente grandes cuadros con un diseño milrayas junto con cuadros más pequeños en pata de gallo. Habitualmente se suelen utilizar como colores base las distintas escalas de grises (o colores apagados) y en ocasiones se añade un color más a ese tono base, normalmente azul. El origen de este estampado es popular al ser un tejido que utilizaban los trabajadores, aunque fue el Duque de Windsor (Enrique VIII) quien lo acabó popularizándolo en los años 30 y se extendió por todo el mundo.

Al jugar con el binomio blanco y negro, este tipo de cuadros se convierte en un clásico atemporal, perfectos en cualquier fondo de armario. Esta temporada, bajo un estilo preppy se ha visto especialmente en las pasarelas de Marc Jacobs, Prada, Givenchy, Balenciaga, Chloé y Marni, entre muchos otros que recuperan este patrón.

Tartán

Es quizás el cuadro más identificable. Un tejido cuyo patrón lo conforman líneas horizontales y verticales que dibujan cuadros de distintos colores. De origen escocés, el tartán se asocia a los clanes que los usaban para distinguirse. Cada familia adaptaba diseños particulares, así como unos colores que los identificaban como miembros de cada clan. Existen tartanes con nombre como McAndrew, McQueen, Douglas… incluso diseños modernos como el Royal Stewart, creado por Vivienne Westwood. En su origen el tartán estaba hecho de lana, aunque hoy en día se plasma a través de varios tejidos. En la actualidad, con la aparición de nuevos materiales la palabra tartán ha pasado de definir el tejido al diseño, independientemente de dónde se plasme.

El tartán acepta infinidad de colores y combinaciones distintas, la clave está en el gusto personal. Los más habituales son los más clásicos en color rojo o en verde, o color blanco y negro y en tamaño XXL. A finales del siglo XX, el tartán también se ha asociado a una estética más transgresora y ha encontrado sus adeptos dentro del movimiento punk de finales de los 70 con diseñadoras como Vivienne Westwood y en el grunge y su contracultura de los noventa. En esta época lo adaptaron John Galliano y Alexander McQueen para citar algunos ejemplos.

Cuadros ventana

Hablamos de un tipo de cuadro sencillo que hace cuadrados gracias a unas finas líneas que lo conforman. Así, sobre un fondo oscuro se añade una ligera línea que dibuja un cuadro amplio. Como base, el cuadro ventana puede tener un tartán (con lana más fina) o un tweed (que le da un aspecto más rústico). Este tipo de cuadro se popularizó en los años 30 en Gran Bretaña cuando el hombre comenzó a buscar motivos más atrevidos e informales que mantuvieran esa imagen de dandi clásico, pero con ciertas licencias.

Hoy en día, los cuadros ventana están muy extendidos y se usan prácticamente por igual en las colecciones de moda de invierno y verano. Os citamos la última colección que hizo Karl Lagerfeld para Chanel para observar este tipo de cuadros mezclados con otros tejidos y estampados.

La colección actual de Gratacós también contiene muchos tejidos de cuadros. Aquí te dejamos algunas referencias para que te inspires.

Concepto general

Tecnología y ecología. ¿Son dos conceptos antagónicos? ¿Pueden ir cogidos de la mano? Desde Gratacós creemos que sí. La innovación y las últimas tecnologías al servicio de la nueva economía verde, aquella que está al servicio de la sostenibilidad en todas sus dimensiones. Una necesidad estrategia global que afecta a las empresas de cualquier sector y que, desde Gratacós, hace años que trabajamos desde múltiples aspectos como el ahorro energético o la apuesta por embalajes reciclados que cumplen las normativas europeas. Aun así, es en esta colección Otoño-Invierno 2019/2020 es cuando el giro hacia lo sostenible afecta también a los procesos de producción con la introducción de tejidos sostenibles en nuestro tradicional catálogo de temporada.

En la era de las fake news y del exceso informativo (que genera irónicamente más desinformación) queremos ser más honestos que nunca. Hemos iniciado un camino, una transición hacia la sostenibilidad apostando por fibras recicladas y regeneradas para elaborar tejidos sostenibles que minimizan el impacto del medio ambiente. En esta colección hemos introducido algunos artículos más bien anecdóticos porque consideramos que ha sido una propuesta experimental para madurar procesos. La idea es que, mediante el ingenio y la creatividad del departamento de diseño, demos nuevos pasos en las siguientes colecciones que sí que os avanzamos que contarán con abundantes artículos elaborados con materias primas recicladas y regeneradas. Por eso consideramos que esta es la colección del cambio. Del inicio a este giro verde donde la tecnología y la ecología crean sinergias para un mundo más sostenible.

Dicho esto, la propuesta ‘Technology vs Ecology’ se inspiró en su día en un contexto de mutación y de cambio que afecta de forma específica al departamento de diseño. No fue una colección fácil de concebir porque se valoró el contexto económico global para crear productos más contenidos (que no menos creativos) para una mayor aceptación de un mercado que se presenta inestable y poco arriesgado para una temporada que nace con una gran dificultad generadora de conceptos. Aun así, la colección se planteó desde tres puntos de vista: una cierta austeridad con artículos que versionan los clásicos utilizando nuevos lenguajes contemporáneos; una vocación transeasonal para un armario inteligente y flexible con artículos que funcionen en este período de entretiempo. Y, por último, una línea de artículos para las ocasiones especiales con reflejos y brillos que enriquecen los tejidos: Jacquards preciosos, hilos de fantasía, flores de invierno, tartanes, prints en terciopelo de efecto vintage… Una propuesta para la noche interpretada de un modo libre y con cierta extravagancia.

Tejidos

Ante esta sobriedad y clasicismo, esta colección se han utilizado materias nobles para tejidos austeros, serenos y sin estridencias. Tejidos robustos solo en apariencia con texturas elaboradas de tacto extraño donde los brillos se funden con los mates. Los terciopelos y las sedas se vuelven más densos, pero mantienen ligereza y suavidad al tacto para conservar un punto teatral sin caer en excesos. También se han tenido en cuenta los diseños táctiles de tejeduría y los tejidos en colores oscuros que juegan con puntos de luz muy bien estudiados con una luminosidad atenuada, pero más racional que nunca. Luz controlada.

La colección Otoño-Invierno 2019/2020 es también una colección rica en tejidos que imitan las falsas pieles o la piel de los animales con un claro espíritu cruelty-free. Por último, se ha tenido en cuenta los tejidos que imitan las técnicas manuales como los tie-dye, las acuarelas… Es evidente que se fabrican a partir de un proceso industrial y digital, pero intentamos que el resultado final parezca artesanal.

Diseños

Los diseños también conectan con la naturaleza desde diversos ángulos: desde elementos florales, pasando por manchas y relieves que imitan algunos minerales hasta estampados que recuerdan a las pieles de los animales. En la colección también abundan los grafismos lineales más básicos, los motivos pictóricos y una nueva reconfiguración de las rayas y los cuadros.

De hecho, en líneas generales es una propuesta ecléctica que mezcla varios códigos, manteniendo una sintonía de base: piel, flores de aspecto manual, brillos atenuados, motivos retros inspirados en las tapicerías del hogar, tartanes estampados digitalmente, texturas sorprendentes, volúmenes de noche…

Colores

En cuestiones cromáticas se habla de una colección densa, pero sorprendente donde abundan los colores oscuros con pequeños brillos estudiados que rompen con la monotonía. Una especie de oscuridad poética. El negro es un color constante que articula la propuesta invernal. Estos tonos apagados de invierno hacen referencia a la belleza de los clásicos imperecederos. Colores sensuales y elegantes donde las texturas y los volúmenes se hacen más evidentes.

Más allá de la gama oscura, existen otros tonos más alegres como algunas pinceladas de azul de inverno, rojos brillantes, ladrillos caramelizados, turquesas fríos con mostazas, seductores verdes (pierden fuerza respecto otras temporadas) y una paleta de rosas en tonos dulces. También existen matices naranjas y fresas que buscan la armonía y el contraste con el resto de los colores de la colección. Todo este colorido coquetea con los metalizados, en especial el dorado mate.

Desde Gratacós esperamos que os guste esta nueva propuesta y os invitamos a venir a verla en nuestro espacio de Barcelona.

El giro hacia la empresa verde es hoy en día una obligación, ya no una opción a contemplar. Los desbordantes procesos industriales y las consecuentes producciones en masa del pasado siglo, sin tener en cuenta la mella que dejan en el medio ambiente, son inconcebibles en pleno siglo XXI.

La industria ha heredado un modelo de desarrollo insostenible basado en el mal uso de los recursos sociales y naturales con consecuencias para la Tierra que hace décadas que se están evidenciando de forma frecuente y cada vez más común: el aumento de la temperatura del planeta, la deforestación a gran escala, el aumento de las emisiones de gas invernadero o la fecha de caducidad de muchos recursos naturales y fuentes de energía por un uso irresponsable, sin pensar en las consecuencias. En definitiva, el temido cambio climático que ya estamos experimentando. Hoy en día hablamos de crisis medioambiental, un tipo de recesión global que se añade a las que ya conocíamos hasta el momento como la financiera, la económica o la industrial. Más allá de los desastres ecológicos de gran escala, si no se adoptan medidas adecuadas para frenar este fenómeno, la crisis medioambiental puede conllevar conflictos sociales y la incapacidad de las empresas para seguir manteniendo sus actividades económicas.

Rosa Pujol: “La sostenibilidad es una apuesta colectiva necesaria”

Conscientes de la situación, creemos que de las crisis también surgen nuevas oportunidades y aquellas empresas que se comprometan con la nueva “economía verde” serán las que tendrán ventajas competitivas y se posicionaran como líderes. “Gratacós quiere crecer y con esta voluntad entiende que hay que tener en cuenta otros parámetros. La sostenibilidad es una apuesta colectiva necesaria en todos los sectores”, afirma Rosa Pujol, directora creativa de Gratacós. Una necesidad y una demanda en auge entre los consumidores de productos sostenibles y de origen ético. Especialmente entre las nuevas generaciones que poseen una mayor sensibilidad. “Nosotros creamos colecciones para las generaciones del futuro porque en ellas está el cambio y están pidiendo que la industria tome medidas”, asegura Pujol.

Rosa Pujol: “Creamos colecciones para las generaciones del futuro”

En este sentido, desde Gratacós hace años que trabajamos por un futuro sostenible basado en la eficiencia en el uso de la energía y de los recursos naturales. En los despachos de Barcelona y en su almacén de Canovellas se ha apostado por una política de eficiencia energética y un sistema novedoso de iluminación BOP (con base de plasma) que actualmente es el producto tecnológicamente más avanzado del mercado. Además, todo el material plástico que utilizamos para el embalaje de nuestras mercancías está suministrado por una empresa que certifica su fabricación con material 100% recuperado y el cartón de las cajas tienen el certificado REACH que controla y restringe el uso de sustancias químicas.

Un paso más allá

Actualmente nuestra misión en materia de sostenibilidad se extiende también a los procesos de producción y a una apuesta paulatina por la innovación y la investigación de fibras y tejidos sostenibles que ya se están integrando en las colecciones de cada temporada. “Estamos hablando de un cambio que afecta en la tejeduría con fibras de procedencia regenerada y reciclada y la apuesta por tejidos bio. Ahora mismo estamos trabajando bajo estas directrices”, explica Rosa Pujol.

En la actual colección Otoño-invierno 19/20 ya se han introducido algunas fibras de procedencia reciclada y regenerada, pero la apuesta real y palpable tomará forma en las próximas colecciones de verano 2020 e invierno 2020/2021: polyester reciclado, algodón reciclado o regenerado y cupro, entre otras novedades que ya estamos presentando en ferias internacionales. ¡Este giro verde es imparable!

Esa apuesta por la sostenibilidad tiene algún hándicap. “Estas fibras son un poco más caras porque han pasado un proceso de regeneración. Poco a poco el cliente entenderá este valor añadido”, argumenta la directora creativa de Gratacós.

¿Se podría conseguir la sostenibilidad al 100%?

La apuesta sostenible es paulatina, pero imparable y nuestra intención es afianzar y trabajar en esta dirección en los próximos años. “Ahora mismo no tiene sentido hablar a tantos años vista porque lo que importa es la posición y la actitud de la empresa buscando nuevas fórmulas de desarrollo sostenible”, explica Rosa Pujol. Y añade a modo de conclusión: “Si no lo hacemos así, no tenemos futuro”.

Barcelona es un continuo hervidero de moda. Cada año de las escuelas de diseño que alberga la ciudad condal salen centenares de nuevos talentos con ganas de darse a conocer, a través de historias y proyectos que quieren contar a través de cada puntada. Ellos forman esa codiciada sangre nueva tan necesaria para rejuvenecer la industria con su entusiasmo -propio de la juventud- y creatividad.

Una de las citas más interesantes para nosotros tiene a ver con los proyectos finales que cada año impulsan las escuelas para garantizar que sus alumnos están preparados para salir al mercado laboral. Esa prueba de fuego donde se demuestran los conocimientos adquiridos tras años de aprendizaje y se da rienda suelta a la imprenta personal de cada futuro diseñador. Una creatividad que, en ocasiones, está sujeta a la comercialidad que tanto vivimos hoy en día y que es imprescindible para sobrevivir en la caprichosa industria de la moda. Es así, sin más.

Habitualmente, los proyectos finales de las escuelas de diseño tienen forma de desfiles donde se presentan los looks de la primera colección del alumno. Una especie de testeo. Estas pasarelas de new talents se acostumbran a hacer en espacios multidisciplinares como teatros, museos o recintos modernistas en paralelo a la edición de verano del 080 Barcelona Fashion. Allí es donde todos los profesionales de moda – principiantes y expertos- están atentos para descubrir quien despunta o parece despuntar. Lo que llamamos la continua búsqueda del Who’s Next.

Como creadores y productores de tejidos de calidad, es nuestra obligación estar en la vanguardia de lo que se cuece dentro del sector textil y también de la moda en general, no tanto desde el presente, sino mirando siempre el futuro. Lo interesante siempre está en lo que vendrá. Por eso, uno de nuestros focos de atención es observar cómo tratan los tejidos, los volúmenes, las texturas… y que siluetas dan forma los nuevos talentos para inspirarnos y también para comprender qué necesidades de materias primeras tendrán en ese futuro inmediato. Esto nos permite innovar, arriesgar y experimentar continuamente. Algo que nos gusta especialmente e intentamos que esté presente en cada colección para mantener la calidad de los tejidos siguiendo las últimas tendencias del mercado. Pronto veréis lo que os hemos preparado en esta nueva temporada Otoño-Invierno 2019/2020 que ya estamos lanzando.

Por otra parte, recordamos que desde Gratacós respaldamos las jóvenes promesas de la moda y lo hacemos a través de nuestro espacio multidisciplinar. Nuestra boutique barcelonesa es un laboratorio de I+D para el textil, pero es también un centro de formación continua para estudiantes y jóvenes diseñadores que ya se han lanzado al mercado con su marca. Y, por último, recordamos que desde nuestro espacio también ofrecemos descuentos a estudiantes de las escuelas de diseños para que realicen sus tesinas finales con nuestros tejidos más singulares. ¡Rienda suelta a la imaginación!

A continuación, os ofrecemos imágenes de algunos proyectos (lookbooks o editoriales) que se han elaborado con tejidos Gratacós. Corresponden a Ana Hernández, Xènia Simó y el dúo de diseñadores Albert Sánchez y Sebastián Cameras responsables de la joven firma OnrushW23FH. Todos ellos han estudiado en Idep Barcelona. También algunos diseños de Katia Combatti de IED y Asya y Yaidelin que se han graduado en el Institut Català de la Moda.

Inauguramos temporada hablando de otra exposición que ensalza la figura femenina y da una nueva visión de la relación “cuerpo-moda”. Su título es evocador: ‘El Cuerpo Inventado’. Una muestra organizada por Collectors Collective en Madrid que pone de manifiesto los cánones estéticos que han permanecido en la moda desde principios del siglo XX hasta nuestros días, aportando una nueva dialéctica de la evolución y los cambios que se aprecian especialmente en la indumentaria de la mujer. 

4 siluetas y un siglo

La silueta es la responsable de crear el espíritu del tiempo más allá de colores, tejidos o adornos. Es precisamente la silueta la que plasma el canon estético de una época. 

Pese a su aparente riqueza y variedad, la historia del traje femenino de Occidente ha ido repitiendo sus formas a lo largo de los siglos: apenas se cuentan un puñado de siluetas con las que los modistas se inventan los cuerpos vestidos. Por ejemplo y centrándonos en los últimos 100 años, las siluetas que han tenido más relevancia en el siglo XX son cuatro: silueta tubular, silueta triangular y silueta de triángulo doble, silueta globular y silueta anatómica. Además, todas ellas cuentan con antecedentes en los siglos anteriores. Eso sí: la prevalencia no es excluyente. Las siluetas pueden convivir en el tiempo, aunque el protagonismo de una de ellas será la que defina la época.

A su vez, la exposición también propone una reflexión sobre “la tiranía de lo invisible” y del cuerpo desnudo, movimiento que se ha ido consolidando en los últimos años hasta llegar hoy en día a límites insospechados.

Colecciones y creadores

‘El Cuerpo Inventado’ se conforma a través de piezas de importantes coleccionistas de moda (Antoni de Montpalau, Quinto, Maite Mínguez y López-Trabado), así como de tres museos de gran peso internacional como son el Museo del Traje de Madrid, MUDE: Museo del Diseño y la Moda de Lisboa y el Museo de la Moda de Santiago de Chile.

Los diseños expuestos forman parte de los nombres más relevantes del panorama internacional como Lanvin, Chanel, Christian Dior, Givenchy, Mainbocher, Versace, Yssey Miyake, Azzaro, Azzedine Alaïa, Pierre Cardin, Yves Saint Lauren, Pucci, Christian Lacroix, Commes des Garçons o Gucci. También hay modelos de diseñadores españoles de primer nivel como el maestro Cristóbal Balenciaga, Pedro Rodríguez, Lorenzo Caprile, Ágatha Ruiz de la Prada, Jesús del Pozo, Leandro Cano, Ernesto Artillo, Antonio Velasco o Josep Font.

Iconos de moda de ayer y hoy

Durante toda la historia del traje, la moda se ha servido de personas influyentes para propagarse. Hasta el siglo XIX, era la aristocracia quien solía tener esta misión, pero a final de ese siglo esta tendencia comienza a cambiar y son las mujeres del ámbito de la cultura y del espectáculo las que se convierten en prescriptoras de la moda para la difusión de las modas.  Al lado de una silueta concreta suele haber una mujer influyente legitimándola: ¿cómo podríamos desvincular la silueta que estrecha la cintura, proyecta los senos y amplia las caderas de la actriz Marilyn Monroe?

Por eso, la exposición también recoge el papel de esas mujeres célebres que han consolidado los diferentes cánones estéticos, haciendo un recorrido por los nombes más influyentes de la moda del siglo XX, con vestidos que pertenecieron a Madonna, Claudia Schiffer, Rita Hayworth, Audrey Hepburn, Sophia Loren, Lady Gaga, o incluso a S.M. Doña Letizia, entre otras mujeres relevantes.

‘El Cuerpo Inventado’ de Collectors Collective se inaugura el próximo jueves 12 de septiembre en la avenida General Perón de Madrid y se podrá visitar hasta el 15 de diciembre.

Fotos: Alfonso Ohnur

Habitualmente, acostumbran a quedar en segundo plano ya que no consiguen ser el centro de atención. Las espaldas no siempre triunfan en la moda, puesto que el primer golpe de vista se lo lleva el rostro – la auténtica obsesión de los fotógrafos- o el reverso frontal de los vestidos. Sin embargo, una exposición en París está dispuesta a recuperar el legado y la importancia de las espaldas, explorando la relación entra la moda y esta parte del cuerpo sensual que rara vez se ve de entrada.

Este es el objetivo de ‘Back Side, Back to fashion’, la original exposición organizada por el museo de moda Palais Galliera que se presenta en el Museo Bourdelle, en medio de una famosa colección de estatuas de yeso, donde se pueden ver los maniquíes con diseños destacados por su escote en la espalda.

De hecho, la espalda le recuerda al ser humano sus propios límites: se escapa de la vista y en parte, al tacto. Sin embargo, la moda sigue decorando, cargando o desnudando la espalda. En la zona más plana de nuestro cuerpo, los mensajes y los patrones se despliegan en todo su esplendor sin apenas darnos cuenta.

Otro de los objetivos de la exposición es explorar la relación con la espalda a través de la historia, con los complejos cierres impuestos a las mujeres, a menudo vistos como un símbolo de sumisión. Anatómicamente, el cuerpo no está hecho para poner los brazos detrás la espalda, los cierres en la espalda son antinaturales”, según explicó el comisario de la exposición, Alexandre Samson.

Así, la exposición propone un curso temático de 100 siluetas y accesorios que le dan a la espalda el sitio que se merece en el conjunto de la moda. “Nuestra espalda es la única parte de nosotros mismos que no vemos y otros sí”, recordó Samson.

La espalda, el nuevo escote de moda

Haciendo un repaso histórico, a finales del siglo XV, había lazos en las espaldas de las prendas femeninas en todas las clases sociales. Sin el lujo de las sirvientas, las mujeres campesinas tenían que pedir ayuda a sus hermanos, padres o maridos. El cierre de gancho apareció en el siglo XVIII, los corsés llegaron en el siglo XIX y se cerraban por delante, atados por la espalda. El escote surgió en el siglo XX cuando el maestro de moda francés Paul Poiret liberó a las mujeres de sus corsés. Pero incluso entonces, liberar la espalda de las ataduras y cierres tenía connotaciones sexuales. Un momento clave fue cuando Rita de Acosta Lydig, una socialité estadounidense de clase alta que causó un escándalo al mostrar su espalda desnuda con un simple vestido negro en la Metropolitan Opera, en Nueva York, a principios del siglo XX.

Otro “escándalo de moda relacionado con la espalda” reciente ocurrió en junio de 2018, cuando la primera dama de Estados Unidos, Melania Trump, visitó un campamento para niños inmigrantes indocumentados en la frontera con México. Las palabras en la parte posterior de su parka tenían un mensaje contundente: “Realmente no me importa, ¿y a ti?”

La exposición ‘Back Side’ se podrá visitar en el Palais Galliera de París hasta el 12 de noviembre.

Después de Barcelona, ha sido el turno de las pasarelas de Madrid. Como es habitual, Gratacós se ha vuelto a hacer evidente en algunas creaciones de la próxima temporada gracias al apoyo de los diseñadores españoles que confían en nosotros. A continuación, analizamos algunas propuestas vistas en la 70ª edición de la Mercedes-Benz Fashion Madrid en las colecciones Primavera-Verano 2020. ¿Reconoces los tejidos?

Dominnico: La nueva generación

El ganador de la Mercedes-Benz Fashion Talent, Domingo Rodríguez presentó la colección premiada en la pasarela madrileña: ‘Harajuku Kids’ es una propuesta que apela a los jóvenes de la generación Z inspirándose en Club Kids, la generación londinense de los noventa y también en la nueva era digital. Una propuesta que tiene en cuenta también a las tribus urbanas de Japón y se concibe como agender, alejada de etiquetas con formas y siluetas extravagantes que son una invitación al individualismo y al carácter propio.

La colección de Dominnico, repleta de tejidos Gratacós, está impregnada de texturas, lentejuelas, laminados, tules, superposiciones y volúmenes envueltos en una gama de colores pastel. Así, herencia, actualidad y hasta futuro se mezclaban gracias una dulzura y feminidad poco habituales en Dominnico que avanza para ganar madurez en su estilo.

Brain & Beast: Se libera de los clichés

El equipo creativo de Brain & Beast, liderado por Ángel Vilda presentó en Madrid la segunda parte de su propuesta basada en los tótems y los tabús, cuya introducción se vio en Barcelona. Si en el 080 Barcelon Fashion, Vilda criticaba los clichés y las convenciones que las personas se autoimponen, en ‘Taboo’ se mostró la liberación del alter ego, la proyección del deseo real. En la pasarela no faltaron los mensajes estampados como ‘Happiness is a lack of fear’ (La felicidad es la falta de miedo) en las prendas más llamativas. Tejidos iridiscentes y satinados conviven con clásicos que huyen de la apariencia sobria combinándose con propuestas atípicas que dan lugar a estilismos renovados. La escenografía, como siempre impecable: una bola de discoteca presidió el escenario simbolizando el tótem, mientras que las sillas colocadas en el medio de la pasarela simbolizaban los tabúes.

Juan Vidal: Una oda a la belleza clásica

El diseñador alicantino especializado en realzar la feminidad de la mujer presentó una colección de tintes renacentistas dedicada a la diosa Venus, ideal clásico de belleza. Así, Juan Vidal recoge todos los referentes romanos y grecorromanos las lleva en plano urbano y contemporáneo con una propuesta pura y luminosa, que empodera a la mujer. Las diosas de Juan Vidal visten de blanco con pinceladas de azul y dorado, hasta llegar al negro riguroso. Las faldas fueron una constante en todo el desfile, así como las prendas vaporosas, las camisas XL y los volúmenes sugerentes.

The 2nd Skin and Co: la artesanía del taller

‘Atelier Madrid’ fue la nueva propuesta de The 2nd Skin Co. y hace referencia a la ubicación de su taller con claros guiños franceses. En este sentido, la firma española pretende fusionar la estética madrileña con los detalles de la Alta Costura. Una vez más, los diseñadores Antonio Burillo y Juan Carlos Fernández juegan a deconstruir patrones con un trabajo que da la vuelta a cada prenda para que salga a la luz lo que tradicionalmente queda oculto en un diseño y le da forma. Así se ven creaciones que parecen semiacabadas y algunas etiquetas saltan a la vista. La principal apuesta de esta colección son los vestidos cóctel con cortes mini, cuerpos encorsetados y faldas voluminosas. Los lazos y motivos florales se convierten en hilo conductor de unas propuestas en las que el color fucsia tiene significativa presencia.

La exposición: Juan Carlos Pajares

Dentro del programa Madrid Capital de Moda (MCDM), en paralelo a la Mercedes-Benz Fashion Week, destacamos la exposición que hizo Juan Carlos Pajares en los Jardines de Cecilio Rodríguez de la capital española. Allí fue donde el diseñador presentó su colección ‘Yes, take the risk’ en una sólida apuesta por investigar nuevos lenguajes creativos que se salgan de los convencionalismos de la moda.

Pajares contó con la colaboración del productor musical Meneo que intentó sonorizar las 5 familias de conjuntos distintos que representan las 5 fases de los sentimientos que inspiran la colección en una divertida performance. La nueva propuesta en sí habla del riesgo y de la valentía a través de colores y tejidos contrastados como organzas y mikados de seda, sarga, crepes, neopreno y lentejuelas. Una colección para aquellas personas que desean y sienten, valoran la moda, pero, sobre todo acaban escuchando a esa voz interior y se expresan con ella.

Barcelona acoge la primera gran exposición retrospectiva sobre Oriol Maspons, el célebre fotógrafo barcelonés que desempeñó un papel clave en la renovación del lenguaje fotográfico en España durante las décadas de 1950 y 1960. La exposición, de gran formato que se aloja en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), contiene 530 imágenes que recorren más de cuatro décadas de intensa actividad en los campos del reportaje, el retrato, la moda y la publicidad, contextualizando su producción y apoyando la investigación en la recuperación de material documental –libros, revistas, carátulas de discos, etc.–, para conocer también el destino final de las fotografías del autor, así como la recepción de su obra en los medios especializados y generalistas de la época.

¿Quién fue Oriol Maspons?

Oriol Maspons (Barcelona 1928-2013) fue una figura clave en dar un giro al lenguaje fotográfico en España en los años 60, primero desde el ámbito de la fotografía amateur y desde 1957 como profesional. Contrario a la concepción de la fotografía como un objeto de contemplación estética, Maspons defendió la fotografía aplicada o útil.

En 1952, Maspons ingresó en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, pero muy pronto se opuso a los valores estéticos defendidos por esta asociación y a su funcionamiento, lo que le valió una oposición férrea a cualquiera de sus iniciativas innovadoras. Su artículo “Salonismo”, publicado en la revista Arte Fotográfico en 1957, supuso una dura crítica al conservador mundo agrupacionista. En 1955 se trasladó a París, donde frecuentó los ambientes fotográficos y pudo conocer a Brassaï, CartierBresson y Doisneau, entre otros. Las entrevistas que realizó a estos fotógrafos fueron publicadas en Arte Fotográfico y permitieron que los profesionales y aficionados españoles se asomaran a la creación fotográfica extranjera. También en esos años es fundamental su participación en el grupo AFAL, de Almería. A su regreso a Barcelona, en 1957, decidió profesionalizarse y formar sociedad con Julio Ubiña.

“Maspons desempeñó un papel clave en la renovación del lenguaje fotográfico en España durante las décadas de 1950 y 1960”

El fotógrafo formó parte de la llamada gauche divine, heterogéneo grupo de jóvenes intelectuales y artistas, modelos, cineastas, escritores y arquitectos, que a finales de la década de 1960 se rebelaron en Barcelona contra la cultura oficial franquista. Frente a su cámara posaron sus principales protagonistas y retrató sus escenarios. A lo largo de su dilatada trayectoria, Oriol Maspons se dedicó al reportaje, al retrato, a la moda y a la publicidad. Trabajó para las principales revistas de la época, como La Gaceta Ilustrada, Destino, Cuadernos de arquitectura, Triunfo, Interviú, L’Oeil, Paris-Match, Bocaccio, Expression, Elle, etc. Su amistad con Esther Tusquets hizo que participara desde el principio en la creación, por parte de la editorial Lumen, de la colección Palabra e Imagen en cuyos volúmenes la fotografía y el texto eran tratados en pie de igualdad. En ella publicó su primer libro en 1961, La caza de la perdiz roja, con textos de Miguel Delibes, al que seguirían Toreo de salón, con textos de Camilo José Cela, y Poeta en Nueva York, con poemas de Lorca, ambos trabajos realizados junto con Julio Ubiña. Ilustró numerosos libros entre los que cabe destacar, por su cuidada factura, Arquitectura gótica catalana, de Alexandre Cirici, editado también por Lumen en 1968.

El fondo Maspons en el MNAC

El archivo Maspons que conserva el MNAC contiene la obra completa del fotógrafo, que en el año 2011 depositó su archivo en el museo. Se trata de más de 7.000 fotografías en papel, además de negativos y diferentes materiales fotográficos a partir de los cuales se pudo investigar y preparar esta gran exposición. Gracias a la Fundación Nando y Elsa Peretti, el museo pudo adquirir un conjunto de 200 imágenes de este archivo, muy representativas de las diferentes etapas del fotógrafo, y pudo así iniciar las tareas de documentación y digitalización. En 2011 se digitalizaron unas 3.000 imágenes. Recientemente, gracias al patrocinio de Agrolimen, se pudieron finalizar los trabajos de escaneado y limpieza de este importantísimo archivo. En esta segunda fase el museo ha podido tratar unas 2.000 fotografías en papel y finalizar el inventario, que ha sacado a la luz numerosas imágenes inéditas.

Obras inéditas o poco conocidas

Entre las novedades que han salido a la luz hay fotografías de primera época realizadas en París, Londres e Ibiza en los años 1950, que reflejan la vida en las calles, la gente esperando el metro, el ambiente nocturno y también imágenes de modelos en la playa. Así mismo se muestran imágenes de reportajes realizados en Cuba, Nicaragua y Sudáfrica, que nunca fueron publicados.

La exposición ‘Oriol Maspons, la fotografía útil’ está comisariada por Cristina Zelich, comisaria de exposiciones especializada en fotografía y se podrá visitar hasta el 12 de enero de 2020. ¡No te la pierdas!

Fotos: Cedidas por Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). Exposición Oriol Maspons, la fotografia útil / 1949-1995.