El 080 Barcelona Fashionse despide de su edición de verano con cifras que avalan la buena salud del diseño catalán: más de 30.000 personas siguieron de cerca los 27 desfiles de firmas y diseñadores que presentaron, en su mayoría, las propuestas para la próxima temporada primavera-verano 2019. Antonio Miro se llevó el Premio Nacional de la Generalitat de Catalunya a la Mejor Colección 080; la firma emergente Mans Concept Menswear capitaneada por Jaime Álvarez el Premio al Diseño Emergente by Desigual y, por último, la empresa familiar Red Point fue distinguida con el Premio MODACC a las firmas exportadoras.
Como siempre, Gratacós siguió de cerca las últimas novedades para comprobar qué tejidos se subieron a la pasarela y como éstos se presentaron siguiendo las pautas y el estilo de cada diseñador que transformó la materia prima en sorprendentes looks de verano. Analizamos algunas propuestas:
Los 15 minutos de gloria de Xevi Fernàndez
¿Cómo te vestirías para protagonizar tus quince minutos de gloria? Con este potente argumento, Xevi Fernàndez debutó en el 080 Barcelona Fashion exhibiendo una colección festiva, íntegramente femenina, que rindió homenaje al glamour de los años 70. El diseñador ampurdanés, vinculado con el arte, se inspiró en The Factory, el referente artístico de Nueva York fundado por Andy Warhol y centro de la contracultura estadounidense. “Esta colección tiene relación con el empoderamiento de la mujer y su lucha con propuestas sólidas que desvelan su lado más sofisticado”, reconoció Fernàndez días antes del desfile una vez finalizada la deslumbrante propuesta.
Xevi Fernández: “Esta colección tiene relación con el empoderamiento de la mujer y su lucha”
Para dar visibilidad a ese glamour en vestidos, trajes dos piezas o pantalones palazzo, Xevi Fernàndez utilizó varios tejidos con motivos brillantes e iridiscentes que captaron la luz de los focos y el movimiento. Es el caso de los laminados en plata o las lentejuelas XL en rosa palo que marcaban el ritmo a su paso. “Me siento muy orgulloso de esta colección porque considero que me ha salido redonda y si fuera mujer, me lo pondría todo”, concluyó.
La segunda parte del Plan B de Bolaño
Manuel Bolaño siempre levanta expectativas en la pasarela catalana por su creatividad y puesta en escena, y más aún si hacia unas cuantas ediciones en las que se había ausentado para centrarse en el Atelier Bolaño, la colección de prendas atemporales –en su mayoría vestidos- donde el diseñador barcelonés de raíces gallegas ha centrado su labor en los últimos años.
En este esperado retorno, Bolaño exhibió el que sería la segunda parte de su reconocido ‘Plan B’ donde reunió prendas míticas del Atelier Bolaño que se caracterizan por sus volúmenes inesperados, las sensuales aberturas y el trabajo artesanal focalizado en los detalles como la riqueza de los tejidos utilizados para elaborar cada prenda. Y aquí el diseñador, como es habitual, volvió a confiar en Gratacós en su propuesta íntegramente teñida en blanco y negro como tonos neutros símbolos de esa elegancia imperecedera que Bolaño nos transmite sin abandonar evidentemente su estilo reflexivo e intimista.
La buena fortuna de Brain & Beast
Como era de esperar, Brain & Beast añadió la nota irreverente a los desfiles del 080 Barcelona Fashion. Esta vez, el equipo creativo liderado por Ángel Vilda, se inspiró en los talismanes -esos supuestos objetos que atraen la buena o la mala suerte- para centrar su colección de moda urbana y contemporánea, siempre con la ironía y el sarcasmo que caracterizan la firma barcelonesa. “No creemos en la suerte y todo lo que cosechamos es fruto del trabajo y del esfuerzo”, comentó Vilda antes del desfile.
Ángel Vilda: “No entendemos el tejido Gratacós como un tejido de fiesta, más bien para uso a diario”
Así, en la pasarela se visibilizaron temas como la muerte, el juego o la religión en una propuesta que marcó el principio del cambio en palabras del diseñador: “Es el primer desfile de un ciclo de futuras colecciones que vendrán”. En el desfile de la propuesta ‘Talisman Torsion nº1’ también se exhibieron nuestros tejidos, que Brain & Beast adoptó con sus códigos habituales. “No entendemos el tejido Gratacós como un tejido de fiesta, más bien para uso a diario”, detalló Ángel Vilda. Así los materiales coloristas y brillantes que se vieron en el 080 se adaptaron a los looks urbanos de la firma barcelonesa en una propuesta desenfadada que contó con rostros nuevos en la pasarela.
Cuando nos preguntáis de dónde sacábamos las inspiraciones para idear cada año las colecciones de tejidos de la temporada, la respuesta se mantiene siempre en una eterna incógnita. ¿Proviene de algo concreto o es un cúmulo visual de experiencias personales? No sabemos a ciencia cierta cuáles son las conexiones exactas que empujan la creatividad, pero sí que podemos concluir que nos nutrimos constantemente de las artes pluridisciplinares, y en especial las más sensoriales, para encontrar esos motores que incitan la asociación de ideas que luego, dan paso a la elaboración de las distintas formas y texturas de los tejidos porque en el fondo, todo está interrelacionado.
Este mes, destacamos algunas de las exposiciones más inspiradoras de PhotoEspaña, el consolidado festival internacional de fotografía de Madrid que representa el punto de encuentro idóneo para los amantes del arte del retrato. Esta edición, el certamen celebra dos décadas, desde su creación en 1998, y reúne a 530 fotógrafos en 90 exposiciones distintas bajo una visión más transgresora que combina distintos lenguajes. De todo el nutrido programa de eventos y actividades que se mantiene vivo durante el verano (hasta finales de septiembre), cerramos el objetivo a esta selección que consideramos imprescindible por algún motivo u otro.
Cecil Beaton. Mitos del siglo XX
La cámara de Cecil Beaton ha inmortalizado a distintos personajes que han marcado la historia del siglo XX: creadores de vanguardia, iconos culturales de Hollywood, aristocracia europea… Desde Audrey Hepburn a Marlon Brandon pasando por Salvador Dalí o la mismísima Reina Isabel II de Inglaterra, personalidades emblemáticas que se han rendido al objetivo de Beaton y se recogen en una exposición de la Fundación Canal.
Carmen Calvo. Quietud y vértigo
La artista valenciana rescata antiguas fotografías de álbumes familiares encontradas en mercadillos, durante los años 40 y 50, para descontextualizarlas y dotarlas de nuevos significados. Imágenes sacadas del olvido que tienen una segunda vida y se cargan de un nuevo sentido. Carmen Calvo ha construido con su obra un mundo complejo y misterioso con cierta ironía y humor, en el que el feminismo, la crítica social y la religión se entrelazan.
La cámara de hacer poemas
De Lorca a Brossa, de Kavafis a Neruda. Esta exposición nos habla de las relaciones que se establecen entre la fotografía y la poesía, a partir de una selección de libros iberoamericanos en los que la alianza de estas dos disciplinas es esencial. Fotografías que convierten en fotonovela un poema, poemas que invaden fotografías, fotógrafos que realizan antologías poéticas, poemarios fotográficos y fotos poéticas.
¡Moda! El diseño español a través de la fotografía
Un centenar de fotografías dialogan con diseños exclusivos en esta exposición que rinde homenaje a la moda española. Grandes fotógrafos internacionales como Richard Avedon, Henry Clarke o Irving Penn cayeron rendidos ante los diseños de modistos españoles como Balenciaga, Pertegaz o Elio Berhanyer. Una relación que con el nacimiento de las grandes cabeceras de moda encumbraría la costura española en el panorama internacional. Una exposición que cuenta con el apoyo del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes y el Museo del Traje que unen esfuerzos para ensalzar la moda española a través de la fotografía internacional.
Maria Švarbová. Swimming Pool
‘Swimming Pool’ es el proyecto más emblemático de la fotógrafa eslovaca quien comenzó en 2014 motivada por la búsqueda de localizaciones sugestivas y por su fascinación por las piscinas públicas: su belleza estéril y geométrica genera el tono de esta serie fotográfica. A pesar del aire retro de los escenarios, las imágenes evocan una atemporalidad que se mueve entre un futuro paralelo y una fantástica utopía quebrada. Precisamente, las instantáneas evocadoras de Maria Švarbová inspiraron a Josep Font, director creativo de Delpozo, en la concepción de la actual colección Primavera-Verano 2018, donde más allá de su similitud con las tonalidades (turquesas, verdes agua, corales…) existe un guiño a través de las siluetas con vestidos con volantes, blusas voluminosas o tops con pliegues que conforman este universo acuático. La exposición se puede ver en la boutique madrileña de la firma (Lagasca, 19) hasta el 26 de agosto.
El inicio del solsticio de verano viene marcado por una nueva cita con la moda en Barcelona. Vuelve el 080 Barcelona Fashion y lo hace en dos escenarios distintos: el tradicional Recinto Modernista de Sant Pau, donde se celebran las últimas ediciones de la pasarela catalana, y el Club Pati Vela Barcelona, en el Moll de la Marina, donde se presentará las colecciones de baño dentro del que llaman 080 Barcelona Fashion Beach.
Esta edición de la pasarela catalana contará con menos participantes, aunque la calidad se mantiene: un total de 27 diseñadores y marcas exhibirán las propuestas de primavera-verano 2019. Habrá caras nuevas como la firma emergente de moda urbana Killing Weekend, la firma Z1 y el joven diseñador Xevi Fernández, a quien ya conocemos de la pasarela madrileña y que colabora activamente con nosotros. Puedes recuperar la entrevista que le hicimos hace unos meses aquí. También reiteran su compromiso con el 080 Barcelona Fashion los premiados de la edición anterior como Mans Concept Menswear, Brain & Beast y Krizia Robustella. La pasarela catalana contará con el apoyo de Oscarleon, Miriam Ponsa, Txell Miras, la firma de moda sostenible amt. y la marca Aubergin con creaciones que combinan ética, sostenibilidad y artesanía de calidad. Como retornos esperados, destacamos el del diseñador Manuel Bolaño y la emblemática firma TCN con una renovación de códigos que mantiene la esencia mediterránea. Estos son algunos de los nombres que participaran en esta 22ª edición entre otros destacados creadores catalanes.
Un invitado especial: André Léon Talley
Cada año, la pasarela catalana cuenta con un rostro destacado dentro del panorama internacional. En esta ocasión, el 080 Barcelona Fashion contará con la visita de André Léon Talley que aprovechará la ocasión para presentar el documental estrenado en Estados Unidos sobre su particular trayectoria en el mundo de la moda. La obra se titula ‘The Gospel According to André’ de Magnolia Pictures y está dirigida por Kate Novack.
André Leon Talley es popularmente conocido por ser el ex editor de la edición estadounidense de la revista Vogue. Este puesto, junto a su exuberante personalidad y su característica manera de vestir, le ha dado visibilidad mundial durante más de 25 años donde se lo ha visto en el front row de los desfiles en las principales semanas de la moda: Nueva York, Londres, Milán y París. Más allá de Vogue, este incansable creador de tendencias también ha trabajado en otras publicaciones relevantes como Interview, New York Times o W. André Leon Talley ha utilizado su poder mediático para promocionar jóvenes diseñadores y reivindicar la causa afroamericana en el mundo de la moda.
Precisamente, el documental ‘The Gospel According to André’ hace un repaso a su peculiar historia dejando al descubierto algunos momentos más significativos de su carrera. Desde sus orígenes humildes hasta convertirse en uno de los grandes creadores de moda más influyentes de nuestro tiempo.
Diseñadores que confían en Gratacós
De todos los participantes y el calendario de actividades del 080 Barcelona Fashion que podéis consultar en su web, nos gustaría recomendaros tres desfiles que seguiremos de cerca porque se podrán apreciar tejidos Gratacós en la pasarela.
El debut de Xevi Fernández
Este diseñador ampurdanés, que atesora varios reconocimientos, se dio a conocer en la pasarela Mercedes-Benz Fashion Madrid donde ha presentado sus últimas tres colecciones. Como creador, siempre le ha interesado el mundo del arte y la parte más artesanal de la confección. En su debut a la pasarela catalana, Xevi presentará la colección ‘Five Minutes Glory’ donde reflexiona entorno de The Factory, un referente de la contracultura estadounidense de los años sesenta fundado por Andy Warhol. Xevi Fernández se inspirará en su rompedora decoración con paredes de pintura plateada y espejos rotos que lanzaba al mundo un mensaje claro: “El mundo está en decadencia”.
El retorno de Manuel Bolaño
Teníamos ganas de que Manuel Bolaño volviera a presentar colecciones en la 080 Barcelona Fashion, tras algunas ediciones mostrando sus últimos trabajos en formatos alternativos. El diseñador barcelonés de raíces gallegas exhibirá formalmente su ‘Plan B’, con algunos de los modelos que ya hemos visto en el escaparate del espacio Gratacós del pasado mes de mayo. Esta propuesta recupera las prendas míticas del Atelier Bolaño con vestidos esenciales en color negro donde se trabaja especialmente la artesanía, fusionando técnicas de costura con tejidos de alta calidad que crean volúmenes inesperados. Una colección atemporal que se va ampliando gradualmente a lo largo de las estaciones.
La apuesta segura
¿Y qué decir a estas alturas de “las locuras” de Ángel Vilda al frente de Brain & Beast? Año tras año, la firma del diseñador barcelonés es una de las que más expectativas acaparan por su creatividad y originalidad con ese trasfondo de denuncia mediante el humor y la cultura popular como vehículo para la reivindicación. Después de ganar el Premio Nacional a la Mejor Colección 080 Barcelona Fashion con su colección especial número 25, Vilda plantea un nuevo planteamiento con una saga que empieza desde cero. La propuesta se llama ‘Talismán’ y gira entorno a este término popularizado por el psiquiatra suizo Carl Gustav Jung. Veremos muy pronto como lo concibe…
La muerte de Alexander McQueen aún se siente cercana, aunque ya hayan pasado 8 años desde aquel fatídico 11 de febrero de 2010 donde el genial diseñador londinense decidió sacarse la vida. Un día antes del funeral de su madre. Entonces el británico tenía 40 años y dejaba atrás una trayectoria meteórica que dejaría huella dentro del controvertido mundo de la moda. De hecho, su vida -y su obra- tiene más paralelismos con la de las estrellas del rock’n’roll que la de los clásicos modistos de la alta costura. Desde su subida a lo más alto a su descenso a los infiernos. “Mis shows son sobre sexo, drogas y rock’n’roll. Son emoción y piel de gallina. Quiero ataques al corazón y ambulancias”, confesó el propio McQueen durante sus años como diseñador.
“En mis shows quiero ataques al corazón y ambulancias”
Alexander McQueen nació en el seno de una familia numerosa de clase obrera. Hijo de un taxista del East End londinense, de bien joven ya demostró de un extraordinario talento para las técnicas de la costura. De hecho, el propio diseñador se pagó sus primeras telas con el subsidio del paro. Primero fue aprendiz en una de las sastrerías más importantes de Savile Row. Años más tarde se matriculó en un postgrado de moda en la prestigiosa Central Saint Martins del que se graduaría en 1992 con una colección basada en la figura de Jack El Destripador. Aquella colección sorprendió en especial a Isabella Blow, entonces editora de Vogue UK. Isabella, junto a su madre, se convertiría en una de las mujeres más importantes en la vida del diseñador. Más tarde vinieron colecciones para recordar como ‘Taxi Driver’ y ‘Highland Rape’ donde le empezó a perseguir la polémica. Su identidad era enigmática y sus apariciones en público eran más bien escasas porque McQueen era muy receloso de su vida íntima. Sin embargo, su nombre siguió pisando con fuerza y en 1996 relegó a John Galliano al frente de la dirección creativa de Givenchy. A pesar de trabajar para la firma francesa, McQueen siempre mantuvo viva su propia firma donde condensaba sus inquietudes – y tormentos- personales.
McQueen, el documental
Precisamente, para recordar el legado del diseñador británico, hoy 8 de junio se estrena ‘McQueen’, una película de Ian Bonhôte Y Peter Ettedgui que indaga en la figura y la obra del malogrado enfant terrible de la moda. En esta obra, se deja en segundo plano los inevitables clichés del sector y se centra en la iconografía propia de Alexander McQueen como las calaveras, con temas recurrentes en su obra oscura, dramática y salvaje. Una fantasía gótica y teatral que cuenta con portavoces próximos al diseñador británico. Precisamente, ‘McQueen’ se estructura en cinco capítulos que corresponden a cinco de sus grandes desfiles: desde Jack The Ripper Stalks His Victims (1992) a Plato’s Atlantis (2009), su último desfile con materiales que hacen referencia a sus obsesiones como las drogas, el sexo, la violencia, la muerte y el dolor, siempre había dolor en Alexander McQueen. Por desgracia, todo el mundo conoce el final de esta película, pero su visionado representa una oportunidad para mantener vivo el legado creativo de Alexander McQueen, elevado al rango de leyenda.
Este 2018 es el año del nuevo MODA-FAD. Ubicada en el Disseny Hub de Barcelona, la asociación de moda integrada en el FAD (Fomento de las Artes y del Diseño) da voz y visibilidad a los diseñadores locales. Una entidad formada por profesionales de la moda de los diferentes ámbitos, desde ropa a calzado, que puesta por iniciativas que ayuden a dar continuidad a creadores con vocación comercial. Una tarea titánica en los tiempos que corren.
En abril, el MODA-FAD asomó la cabeza con una junta directiva renovada y con compromisos, retos y proyectos que ponen en valor los profesionales de la moda, el diseño y la artesanía que esperamos que den “guerra” para rato. En esta primera etapa de la asociación, el diseñador Edgar Carrascal asumió la presidencia acompañado por su mano derecha, Mireia Playà especializada en calzado vegano. También participan en la directiva Elisenda Oms y Elisabet Carlota de Carlota Oms, Antonio Calderón y Pau Esteve.
El espíritu de la nueva Asociación para el Fomento de la Moda deja clara su voluntad por defender la marca Barcelona y apostar por la internacionalización; contribuir al desarrollo empresarial y el tejido industrial del país y la “dignificación” de los oficios vinculados con la moda. También tiene una voluntad didáctica de compartir conocimientos y hacer pedagogía en el consumo de moda, con el fin de aportar herramientas necesarias para un consumo consiente y sostenible.
Los Premios MODA-FAD
En el marco de la Barcelona Design Week, se impulsan los nuevos Premios MODA-FAD en una ceremonia y fiesta posterior que tendrá lugar el próximo miércoles 6 de junio en el Disseny Hub Barcelona. Unos galardones que están orientados a reconocer el trabajo de profesionales y empresas del mundo de la moda y que han hecho aportaciones al sector durante el último año. En total, se entregarán premios en tres categorías diferentes: Mérito en Diseño de Moda, Mérito en Innovación a la Moda y Premio al Talento del Año. También se otorgará un reconocimiento especial a un diseñador o marca que no está en activo, pero se valora su aportación en el sector de la moda.
Los premiados
En esta primera edición, el diseñador Víctor von Schwarzcon su colección Doble Vida, 2018 es el ganador del Premio Mérito en Diseño de Moda. Una propuesta reivindicativa que pone de manifiesto la precariedad del sector y las dificultades que se topan los que empiezan, “la nueva generación”. Una vida doble entre la creatividad y la realidad que no suele durar más de 10 años. Como representación de esta ‘Doble Vida, la colección se divide en dos partes: una puramente negra y blanca con formas que se inspiran en la vestimenta de oficina. La otra, más fantasiosa con purpurina, formas voluminosas y tonos pastel.
El Premio al Mérito en Innovación en Moda recae en Piñatex® by Ananas Anam. Una firma que desarrolla un producto en el que se integra el éxito comercial y se promueve en paralelo el desarrollo social, ecológico y cultural.Con este punto de vista, Piñatex® nace con un material de base natural sin tejer que los consumidores pueden utilizar como una alternativa sostenible. El material está hecho de fibras de hoja de piña, un producto procedente de la industria agrícola que no requiere gran cantidad de terreno, agua o pesticidas para producir la materia prima.
El Premio al Talento del Año se lo lleva Pepa Salazar, uno de los talentos con más proyección de la moda española. Establecida en Madrid, esta diseñadora valenciana presentó en 2013 su primera colección por la que ganó el premio Mercedes-Benz Fashion Talent en la siguiente edición. En la colección Otoño-Invierno 18/19, la diseñadora presenta un universo marcado por las imágenes de lo absurdo, ficticias y utópicas, pertenecientes a la mitología y paganismo propios de las culturas primitivas. El jurado ha considerado que la última propuesta es rica en colores y texturas, tiene carácter y fuerza y una identidad propia que se contagia en todas las colecciones de Pepa Salazar.
Por último, Gori de Palma recibe el Premio especial de la Junta del Nuevo MODA-FAD. La esencia del diseñador se condensa en lo industrial y lo denso, bajo un filtro afterpunk. Una firma de autor afinada y oscura, con un toque perverso basado en los movimientos subculturales.
En la primera edición de los premios también se rendirá homenaje a la figura de la modista y empresaria catalana Carme Martí Riera (1872-1949), una profesional de ideales fuertes que luchó por dignificar la profesión de modista, además de ser la creadora del Sistema Martí, la primera técnica de patronaje y con rigor técnico a escala mundial.
Los asistentes de esta celebración anual del talento de la moda barcelonesa también podrán ver la exposición “El mejor diseño del año”, donde se muestran algunas piezas de los ganadores de estos premios. Una muestra que, además, recoge 500 obras finalistas y ganadoras de los diferentes premios que otorgan las asociaciones del FAD en las diferentes disciplinas del diseño.
Londres revive la esencia de Azzedine Alaïa a través de una exposición en el Museo del Diseñoque rinde homenaje a la trayectoria de este maestro de la costura a través de sus vestidos más icónicos y representativos. El diseñador tunecino falleció el pasado noviembre a los 77 años dejando en herencia un largo legado que condicionó la confección de prendas. Conocido como el escultor del cuerpo femenino, Alaïa fue pionero en experimentar con arriesgados patrones y aplicar innovadores materiales a sus creaciones. ‘Azzedine Alaïa: The Couturier’ fue concebida meses antes del fallecimiento del artista junto a Mark Wilson, colaborador y comisario de la muestra en la que trabajaron juntos. Finalmente la exposición se abrió al público el 10 de mayo y se podrá visitar en la capital británica hasta el próximo mes de octubre.
El escultor de prendas
Azzedine Alaïa era un modisto de origen tunecino que en los años 50 se asentó en París –donde conoció a André Malraux y Joan Miró- para empezar una de las carreras más prosperas y consolidadas en el mundo de la moda. En su primera etapa, el diseñador empezó a trabajar en Christian Dior, bajo la dirección creativa de Yves Saint Laurent y siguió formándose en firmas como Guy Laroche o Thierry Mugler hasta abrir su firma homónima durante la década de los 80. Hijo de agricultores de origen español, el artista solía vestir de negro y realizó toda su producción textil en su pequeño atelier – y hogar a la vez- en el barrio parisino de Le Marais. Fue en el taller donde empezó a experimentar con las técnicas que usaban los modistos de la época para perfeccionarlas y ampliar así, sus posibilidades. Le ayudó en parte sus estudios sobre escultura y bellas artes que le aportaron una visión más amplia en la confección de vestidos que entendían las formas y necesidades del cuerpo femenino. De hecho, uno de los hitos de la firma fue marcar la sensualidad de la mujer a través de arriesgadas prendas como vestidos ajustados con cinturas marcadas, faldas que jugaban con volantes, el uso de pieles, látex y mallas metálicas con efecto red como tejidos principales. Alaïa también fue el primero en rechazar el calendario de la moda tradicional, mostrando sus colecciones cuando creía que estaban listas. Él mismo elaboraba todas sus prendas a mano, cortando los patrones con minuciosidad. Célebre fue su obsesión por la perfección y la dedicación total a su oficio de modisto.
Desde los inicios de la firma, el diseñador tunecino elaboró exclusivos vestidos para la alta sociedad parisina y en poco tiempo su nombre se popularizó por todo el mundo. Grace Jones o Greta Garbo fueron algunas de las personalidades más afines al diseñador en la década de los 80 y 90, y la modelo Naomi Campbell se convirtió en la musa de la firma. El nuevo Milenio trajo consigo el nacimiento de una nueva generación donde Alaïa se posicionó como uno de los diseñadores de referencia para Kim Kardashian, Rihanna o Lady Gaga.
Una muestra multidisciplinar
Las más de 60 prendas que se reúnen en la capital británica están agrupadas según la idea conceptual que las domina, sin seguir un orden cronológico, y contienen ejemplos de sus más famosas colecciones, como “Explorando el volumen”, “Fragilidad y fuerza”, “Formas recogidas” o “Siluetas negras” -que reúne vestidos que datan del 1982 hasta 2003-.
‘Azzedine Alaïa: The Couturier’ cuenta también con las fotografías de Richard Wentworth realizadas durante los últimos meses del costurero y una serie de vídeos alrededor del franco-tunecino, entre los que destaca un cortometraje dirigido por Ellen von Unwerth, fotógrafa, donde retrata momentos íntimos del artista a principios de los noventa.
París reconstruye lo que Martin Margiela deconstruye en su proceso de construcción. La obra del misterioso belga, conocido como “el diseñador ausente” o “el genio sin rostro”, protagoniza la primera exposición del Museo de la Moda de París desde que la española Miren Arzalluz ocupa la dirección. “Margiela ha sido un creador iconoclasta, rompió los cánones establecidos e introdujo una silueta absolutamente innovadora cuestionando el sistema de la moda”, ha explicado Arzalluz en declaraciones a Efe.
Así, el PalaisGalliera acoge hasta el 15 de julio una retrospectiva de los veinte años de trabajo del diseñador (1989-2009) más revolucionario e influyente de las últimas décadas en una muestra donde el propio Margiela ha colaborado activamente, a pesar de no haber mostrado nunca su cara en los desfiles ni ha concedido entrevistas. Comisariada por Alexandre Samson, la exposición ‘Martin Margiela, 1989-2009’ es una mirada inédita al discurso estético del diseñador, construida a través de 130 looks y material de archivo de la firma, así como vídeos de los desfiles, fotografías y bocetos. En las salas del museo se exhiben algunas de sus prendas icónicas que revelan su capacidad para trabajar con todo tipo de materiales y el talento para inventar distintas siluetas que fueron una de sus insignias de la firma.
El genio de la deconstrucción alérgico a la fama
Margiela nació en Lovaina en 1957 y es uno de los emblemas de la Real Escuela de Bellas Artes de Amberes, donde se diplomó en 1980 antes de entrar en las oficinas de Jean-Paul Gaultier, a quien asistió durante casi cuatro años. A partir de 1987, empezó a nacer el mito con la creación de su firma homónima. En los desfiles, las modelos desaparecían detrás de máscaras de muselina en escenarios urbanos como aparcamientos y estaciones de metro. Todo estaba pensado para que la auténtica protagonista fuera la ropa. De hecho, el diseñador ha sido uno de los artistas más reservados, enemigo de las entrevistas y alérgico a los flashes. “Dada mi naturaleza tímida y reservada prefiero estar entre bambalinas y gozar de la protección del anonimato. Mi única tarjeta de visita es mi trabajo”, había confesado en alguna ocasión.
“Mi única tarjeta de visita es mi trabajo”
Su nombre está ligado al trabajo deconstructivista porque estudiaba la ropa como si fuera arquitectura, llegando hasta la propia estructura de cada prenda para hacer una nueva creación. En ocasiones, también daba la vuelta a la estructura para que el interior fuera el exterior, mostrando el reverso de cada prenda. Un ejercicio de investigación cuya finalidad era mostrar el proceso creativo y no tanto el aspecto final. De esta forma, Margiela cuestionó las bases de la industria y la concepción misma del traje, a través de un conocimiento profundo de la sastrería y un perfeccionismo hasta el último detalle. “Es alguien que no solo tiene una visión alternativa de la mujer incluso de su cuerpo, sino que cuestiona principios fundamentales del sistema de la moda”, comenta Arzalluz.
El diseñador belga también tomaba gusto en transformar los patrones, deformaba las siluetas y tenía especial obsesión por las siluetas XXL. Así lo demostró en su célebre colección ‘Oversize’ lanzada en el año 2000, donde agrandó hasta el extremo todas las prendas de la colección en una época donde lo ajustado estaba en boga. Una muestra más, que para Margiela, la tendencia iba siempre detrás de la investigación.
En la exposición se aprecian algunos rasgos más que definen la obra de Margiela: los hombros ligeramente levantados que huyeron de las rígidas hombreras de los años 90, las líneas minimalistas de sus diseños, la conceptual interpretación de patrones en prendas planas o sus zapatos más famosos: los “tabi”, una versión renovada del tradicional calzado japonés que separa el dedo gordo del pie del resto.
La exposición ‘Martin Margiela, 1989-2009’ constituye una magnífica oportunidad para conocer la obra de este genio de la moda vanguardista a través de su cuidado proceso de investigación y su costura que lo llevó a entrar en la Alta Costura. “Veinte años, cuarenta desfiles, cientos de prendas, ¿qué me queda?”, rezaba el diseñador en una frase que quedó inmortalizada durante el último desfile de la colección primavera-verano 2009. Margiela ya había dicho todo lo que tenía que decir.
Algo duele en lo más profundo de la industria de la moda cuando uno de los grandes maestros se desvanece. Es como si se acabara el fin de un ciclo próspero o de una etapa de grandes logros para dar lugar a la incertidumbre. La nostalgia de pensar que cualquier tiempo pasado fue mejor es mala compañera.
Esta semana, el sector ha perdido uno de sus máximos representantes, Hubert de Givenchy. El modisto francés falleció el sábado a los 91 años mientras dormía. “El eterno aprendiz”, que era como Givenchy se definía a sí mismo, dejó este mundo mientras soñaba. Es curioso como los visionarios, no dejan de soñar hasta su último aliento.
Una trayectoria entre telas
Hubert de Givenchy nació el 21 de febrero de 1927 en Beauvais en el seno de una familia protestante que pertenecía a la nobleza francesa. Su padre murió cuando tenía dos años y el diseñador se crio con su madre y si abuelo que poseía una fábrica de tapices en la que además coleccionaba telas, muebles y otro tipo de objetos típicos de la época. Según había contado en múltiples ocasiones, desde pequeño quiso dedicarse al mundo de la moda, pero no era una profesión que en la época fuera bien vista. En 1944 abandonó el núcleo familiar para trasladarse a París con el sueño de ser costurero. En la capital francesa estudió en la Escuela de Bellas Artes junto con otros modistas como Robert Piguet o Elsa Shiaparelli. Al poco tiempo de aterrar abrió su propio taller en París y no dudó, al cabo de poco tiempo, en fundar su propia marca: la maison Givenchy, que inauguró en 1952. Dos años más tarde se convirtió en el primer diseñador en presentar una línea de prêt-à-porter de lujo que lo catapultó al éxito. Es también en esa época, en 1953, cuando Givenchy conoció al maestro Cristóbal Balenciaga con quien mantuvo una gran amistad y siempre se declaró su absoluto admirador. De hecho, el modisto francés se convirtió en impulsor del Museo Balenciaga, fundado en 2011 como muestra de compromiso por al que consideró una fuente de inspiración. De Balenciaga, heredó una forma de hacer y entender la Alta Costura como símbolo de la elegancia atemporal.
Tras una larga trayectoria a la cabeza, en 1988 el grupo de lujo LVMH adquiría la maison Givenchy. El creador relegó su posición como gran propietario de la firma, aunque siguió diseñando colecciones para la casa. Otros diseñadores ocuparon el cargo de director creativo como Galliano o hasta hace poco, Riccardo Tisci. El mismo Givenchy se retiró en 1995 con un desfile simbólico en París. A pesar de no estar dentro del circuito, Hubert de Givenchy nunca se desconectó del sector al que amaba hasta el fin de sus días: “Dejaré de hacer ropa, pero jamás de descubrir. La vida es como un libro: hay que saber pasar página”. Una gran lección de vida de unos de los maestros de la aguja del siglo XX.
El modisto (y amigo) de Audrey Hepburn
Givenchy visitó personalidades clave del siglo XX, como Jacqueline Kennedy, Wallis Simpson, Grace Kelly, o Carolina de Mónaco. Aunque, su preferida siempre fue Audrey Hepburn. De hecho, más allá de lo profesional, la actriz fue su musa y amiga durante años. El primer encuentro con la actriz belga surgió en 1953 en un momento clave. Entonces, Hubert de Givenchy accedió a prestarle varios modelos para la película ‘Sabrina’ que se estrenaría un año después. Esa colaboración marcó el inicio de todas las colaboraciones que vendrían dentro y fuera de las pantallas. El modisto creó para la actriz diseños icónicos como el vestido negro que vistió en ‘Desayuno con diamantes’ (1961); las creaciones retratadas por Fred Ataire en ‘Una cara con ángel’ (1957) o la pieza de encaje y antifaz negros de Hepburn en ‘Cómo robar un millón’ (1966). Era tanta la confianza y admiración mutua, que Givenchy incluso tenía un libro de bocetos dedicados a Hepburn, titulado ‘A Audrey con amor’. “Siempre respeté el gusto de Audrey. Ella no era como otras estrellas de cine porque le gustaba la simplicidad”, aseguró el modisto de su musa.
La moda es arte. Y como tal, sirve de lienzo inspiracional a otras disciplinas artísticas como la pintura. Y en especial, la del maestro Joaquín Sorolla. Un pintor que ejerció de cronista gráfico de su época retratando la modernidad y la alta costura a la vez a través de sus obras cargadas de contenido estético, vinculadas con la moda.
Para ensalzar su trayectoria artística, el Museo Thyssen-Bornemisza ha organizado una exposición, en colaboración con el Museo Sorolla, que analiza precisamente la influencia de la moda en la obra de Joaquín Sorolla y que podrá verse simultáneamente en ambas sedes, del 13 de febrero al 27 de mayo de 2018.
La muestra, comisariada por Eloy Martínez de la Pera, reúne más de setenta pinturas, procedentes de museos y colecciones privadas nacionales e internacionales -algunas de ellas nunca expuestas públicamente-, junto a una selección de vestidos y complementos de época, con valiosas piezas prestadas también por importantes instituciones y colecciones particulares, muchas de ellas inéditas.
Un cronista de la modernidad
Sorolla fue un gran amante de la moda y se convirtió en el cronista perfecto de los cambios en las tendencias y estilo de la indumentaria que se produjo a finales del siglo XIX y principios del XX. Precisamente, sus obras reúnen un evocador catálogo de vestidos, joyas y complementos, realzados por su trazo suelto y vigoroso. Precisión en los detalles de los vestidos, énfasis en los tejidos y un catálogo pictórico de complementos presentes en los retratos -en su mayoría femeninos- pintados por el artista entre 1890 y 1920, que dialogan junto a las piezas de moda situadas en las distintas salas del museo. Sorolla retrata a las mujeres ensalzando su condición y feminidad con miradas que inspiran confianza y posturas que marcan un cierto empoderamiento. El artista valenciano concebía la mujer como un ser independiente que no se regía por las convenciones en un tipo de pintura que rompía frontalmente con los clásicos.
La exposición se desarrolla en cuatro secciones: ‘El Sorolla íntimo’, ‘El retrato de sociedad’, ‘El verano elegante’ y ‘El País moderno’, conservando en cada bloque elementos diferenciados que configuran el ambiente de cada temática. Una oportunidad única para descubrir en Madrid la obra del artista y su especial gusto en inmortalizar, a través de la pintura, la moda de la época.
Las pasarelas de Madrid y Barcelona dejan a su paso un centenar de propuestas creativas de los diseñadores del momento. Desde Gratacós hemos visto algunos de nuestros tejidos en la pasarela en las colecciones para la próxima temporada Otoño-Invierno 2017/2018. Destacamos los looks más relevantes:
La fiesta neoyorkina de Moisés Nieto
Moisés Nieto se desmarcó del calendario oficial de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid para convertir el Club Matador de Madrid en el Club Area de Manhattan de finales de los 80 en un ambiente nocturno lleno de glamour que rinde culto al arte. Así, la propuesta del diseñador ubetense se inspira en la cultura clubber y en los excesos de las noches infinitas a golpe de terciopelo y lentejuelas en vestidos midi combinadas con unas Reebook para no parar de bailar. También destacan las prendas de patchwork en negro donde el devoré, la seda y el guipur se mezclan para brillar en medio de la multitud. Por último, no pasaron desapercibidos algunos detalles glamurosos como las plumas y las prendas con sedas deshilachadas.
El lujo ochentero de The 2nd Skin Co.
Juan Carlos Fernández y Antonio Burillo se inspiran en la década de los 80 para vestir en su día a día a la mujer The 2nd Skin Co. Como novedad, se incorporan las prendas de punto a los looks más sofisticados con jerséis de cuello alto con estampado geométrico y hombros realzados que se combinan con vestidos y tops con lentejuelas bordadas y terciopelo que rebaja esta vez su brillo. De la colección, destaca también un blazer-vestido de tweed negro, que se versiona con escote palabra de honor tras prescindir de sus mangas. Una propuesta que convive con minivestidos con escote asimétrico y grandes flores en un hombro, minifaldas y vestidos camiseros.
A la caza de Palomo Spain
Palomo Spain fue el encargado de cerrar la 67 edición de la pasarela madrileña con la colección exhibida hace unas semanas en París. La propuesta ‘The Hunting’ se presentó en los salones del Teatro Real con modelos masculinos que juegan a la tan característica ambigüedad de los diseños de Alejandro Palomo. Un espectáculo de moda de estética barroca que propone un recorrido melodramático por la historia de la monarquía: levitas irisadas, túnicas de cota de malla y reminiscencias medievales, chalecos de tweed y tejidos ricos en ornamentos para una propuesta majestuosamente exquisita.
La colección emocional de Escorpion
Escorpionpresentó en el 080 Barcelona Fashion una de las pocas propuestas see now, buy now (lo veo y lo compro al momento) de la edición. Así, la colección ‘Feel’ que corresponde a la próxima temporada primavera-verano de Sybille Horaist se inspira en el impulso de sentir, de experimentar y de tocar. Una propuesta experimental que se divide en tres líneas: la primera de estética más dura con tonos verde camuflaje, beige y negro. La segunda juega a los contrastes geométricos con zigzags, franjas y cenefas en varios colores. Por último, en los últimos looks, las flores se adueñan de las prendas con jerséis estampados y faldas fluidas con volantes.
El safari glamuroso de Mietis
Maria Fontanellas sorprende con creces con la colección ‘Safari In Wonderland’, una propuesta invernal que ya avanzó en la entrevista que le hicimos en enero en nuestro espacio (recupérala aquí). Un viaje hacia una selva imaginaria llena de maravillas donde la mujer Mietis, refleja a través de la indumentaria, su lado más excéntrico e independiente. Esta propuesta de estética aventurera y sofisticada a la vez combina piezas exteriores como chaquetas y abrigos largos de inspiración miliar con brillos y metalizados que acentúan el espíritu más glam rock de la colección. También son presentes los volúmenes, las formas redondeadas y la aplicación de plumas que le añaden un punto de teatralidad.
