Empieza la temporada veraniega con una tendencia cada vez menos reservada para las ocasiones especiales: las lentejuelas, que con sus brillos atrapan todas las miradas. Desvinculadas de su zona de confort, estas pequeñas láminas metalizadas cosidas en el tejido se erigen las protagonistas del momento junto con otros materiales que deslumbran por sí solos como las iridiscencias o los acabados satinados que producen un brillo más discreto.

En esta ocasión, las lentejuelas, junto con los colores flúor y las transparencias, salen de los desfiles de las colecciones SS22 de Tom Ford, Michael Kors, Loewe, Valentino o Rodarte para invadir la calle a través de outfits resplandecientes. La clave de las lentejuelas, hasta ahora reservadas en celebraciones concretas como las Nocheviejas, es que existen muchas opciones para lucirlas con acierto en prendas para llevar a todas horas. De día y de noche sin reparar en brillos ni excesos. Desde los looks rock & roll de Saint Laurent, hasta la sofisticación de Chanel y Celine que las combinan con tweed o en detalles clave como muestran Gucci, Balmain o Paco Rabanne, creador de la icónica malla metalizada.

De Tutankamón a Leonardo da Vinci

El origen de las lentejuelas se remonta al Antiguo Egipto, donde se cosían pequeños discos de oro y plata en la ropa de los faraones y sus consortes como signo de riqueza. De hecho, fue durante el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922, cuando los arqueólogos encontraron, entre distintos objetos, ropa decorada con brillantes discos de metal. Una época que coincidió a su vez, con la fiebre metalizada de los Locos Años 20, encarnada por el vestuario de las flappers y la egiptomanía que desató este hecho, que inspiró a los diseñadores de la época a diseñar atuendos con discos metalizados para destacar en la pista de baile. 

En inglés, la palabra sequin (lentejuela, se vincula al término en árabe sikka (moneda) y al zecchino, una moneda dorada acuñada en Venecia durante el siglo XIII. Las primeras lentejuelas fueron monedas cosidas a la ropa, por razones que iban desde exhibir la riqueza y el estatus hasta complicarle la vida a los ladrones. Se dice también que Leonardo da Vinci, uno de los grandes inventores de la humanidad, ideó una máquina para producir pequeños discos de metal. Un prototipo que nunca se llegó a fabricar, pero que ya ubica la antigüedad de la lentejuela.

Más tarde, en los siglos XVII y XVIII, empezaron a usarse carteras, estuches y aparecieron los bolsillos. Por lo tanto, en la indumentaria de hombres y mujeres ya no era necesario coser las monedas a la ropa para mantenerlas a buen recaudo, y los pequeños discos de metal se convirtieron en un ornamento puramente estético. 

La lentejuela brilla en el siglo XX

Las lentejuelas como las conocemos surgieron en el siglo XX. Sus destellos empezaron a adornar los ricos vestidos de la Bélle Époque, añadían toques de luz a las creaciones de los años 20 y volvieron a adornar las prendas de los sensuales años cincuenta. Actrices como Marilyn Monroe o Rita Hayworth sucumbieron al centelleo de la lentejuela con innumerables trajes que resplandecieron dentro y fuera del celuloide. Un vestido brillante de la época que conecta con la actualidad es el icónico vestido beige que la diva rubia llevó cuando cantó ‘Cumpleaños feliz’ al presidente John F. Kennedy en 1962. Ese mismo vestido cubierto de cristales fue el que se enfundó Kim Kardashian en la MET Gala 2022.

Los materiales utilizados para crear las lentejuelas también cambiaron con el tiempo. El metal de los primeros prototipos evolucionó hacia la gelatina en la década de los 30. Este último material resultaba menos pesado, pero era frágil y no aguantaba bien los cambios de temperatura. Luego, pasaron a ser de plástico, flexible y resistente al lavado. Gracias a este cambio, las lentejuelas se volvieron más prácticas, menos costosas y más asequibles que sus anteriores versiones.

Un adorno vinculado con la música, el movimiento y el exceso

Con la innovación de los nuevos materiales y el triunfo del prêt-à-porter en los años sesenta, el uso de las lentejuelas se popularizó en ropa más común que se volvía atrevida, viva y colorida. ¿El objetivo? Adornar la silueta, empoderarla y convertirse en el centro de atención de las miradas. Este manifestó cuajo muy bien en los años setenta con la fiebre disco. En los movimientos contraculturales, las lentejuelas y todos los tejidos brillantes se convirtieron en un símbolo de rebelión contra el sistema que consideraban serio y aburrido. Ahí es cuando empezó la época del glam rock. Un movimiento sensual, andrógino, excéntrico y revolucionario que tuvo como símbolo a David Bowie con su icónico alter ego: Ziggy Stardust. El hombre de las estrellas, y otros cantantes de la época se envolvían con trajes de lamé, lentejuelas y mucho glitter. 

Los tejidos brillantes, siendo las lentejuelas los preferidos, volvieron a resplandecer en los años ochenta. Michael Jackson fue el responsable que la brillantina y las prendas faraónicas volvieran a ver la luz con actuaciones memorables donde el Rey del Pop se enfundaba en trajes cubiertos de lentejuelas y pedrería. 

Hoy en día las lentejuelas, así como otros tejidos brillantes, están sometidas a los vaivenes de la moda cíclica. Su material sigue siendo a base de plástico, ahora mayoritariamente reciclado, pero con recubrimientos especiales. Lo que no ha cambiado es su significado. Las lentejuelas despiertan la imaginación, se hacen visibles e iluminan la vida cotidiana de las personas. Son un elemento de escapismo, algo con lo que aferrarse hacia otros mundos de fantasía. Y ya sabemos que la moda es sueño y en Gratacós nos gusta haceros soñar a través de nuestros tejidos de lentejuelas. Aquí te dejamos una selección de los más novedosos para que brilles con luz propia.

Este mes de mayo, la moda vuelve a la gran pantalla con la celebración de la sexta edición del Moritz Feed Dog, el festival de Cine Documental sobre Moda, Cultura y Ciudad de Barcelona. Una iniciativa ecléctica que nos acerca a la riqueza y complejidad de la moda, entendida como un fenómeno cultural que refleja la sociedad en constante transformación. Esta visión y eje vertebrador articula todas las proyecciones y las actividades paralelas del festival que tendrán lugar del 12 al 15 de mayo en los cines Aribau Multicines de Barcelona.

Un homenaje a la minifalda

En esta ocasión abre la nueva edición del Moritz Feed Dog el documental de Quant, inspirado en la diseñadora que para muchos es la creadora de la minifalda. Una proyección dirigida por Sadie Frost. La actriz y directora estará en Barcelona para acudir al estreno en España de su documental.  El documental escenifica los inicios de Mary Quant cuando abrió su primera tienda en King’s Road en Londres, diez años antes de que los Beatles conquistaran el planeta. La diseñadora se olió la revolución juvenil que estaba a punto de llevarse por delante el mundo de ayer y supo canalizar la rebeldía, el ansia de libertad y el terremoto generacional que supuso la década de los 60 a través de su ropa desenfadada, sexy y colorista. 

La ropa de Quant y en especial, la minifalda estaba diseñada para las jovencitas de la época con una doble misión: la emancipación y el rock’n’ roll. ¿Quién quiere vestirse hoy como una duquesa?, se pregunta la genial diseñadora en este documental de Sadie Frost que no consigue aclarar la pregunta del millón: ¿quién inventó la minifalda, ella o Courrèges? Lo que sí retrata con precisión es a una mujer moderna, adelantada a su tiempo, empresaria en un mundo de hombres y estilista de cabecera de la década que aglutinó el feminismo, la píldora y el movimiento Swinging London. ¡Viva Mary Quant!

El zapatero de los sueños

Otro de los platos fuertes del festival es el estreno en España del documental sobre Salvatore Ferragamo. Salvatore: Shoemaker of Dreams, dirigido por Luca Guadagnino, director de películas como la ganadora del Oscar ‘Call Me By Your Name’. El célebre zapatero nació en un pueblecito de la Campania llamado Bonito y llegó a conquistar los pies de las estrellas más fulgurantes del Hollywood dorado. ¿Qué llevó a Eva Perón o a Marilyn Monroe a caer rendidas ante Salvatore Ferragamo? Una elegancia atemporal y también un enfoque científico, del que salieron grandes innovaciones para la industria del calzado, como el tacón de cuña o de jaula. 

El documental se adentra en los entresijos de la firma florentina de la mano de su viuda, Wanda Ferragamo, madre de seis hijos, que fue la encargada de tomar las riendas de la marca tras el fallecimiento de Salvatore en 1960, mantener vivo su legado y lanzarla, con éxito más que demostrado, al prêt-à-porter. La historia también de esta visionaria en la sombra.

Erotismo y provocación

Entre la programación del Moritz Feed Dog destaca la obra sobre Helmut Newton. The bad & the beautiful recoge el legado erótico y la mirada subversiva de este gran provocador de la fotografía de moda. Newton dedicó toda su vida a retratar a mujeres fuertes, poderosas y esculturales, como estatuas en un pedestal. El documental de Gero von Boehm acierta al incluir tanto a sus fervientes admiradoras (Grace Jones, Charlotte Rampling, Marianne Faithfull o Anna Wintour) como a sus críticas más feroces (Susan Sontag e Isabella Rossellini), que le tachan de misógino y machista. La cámara muestra al Newton afable y bromista de las sesiones de foto, pero también al enamorado de su mujer, la también fotógrafa June Newton, y nos descubre una infancia difícil y una juventud en el exilio huyendo de la Alemania nazi.

Grandes visionarios de la moda contemporánea

El festival también pone de manifiesto el saber hacer y el legado de los grandes maestros de la moda. En este sentido, destacamos tres documentales que giran alrededor de las figuras de Pierre Cardin, Karl Lagerfeld y Martin Margiela. 

En primer lugar, House of Cardin muestra los designios del hombre que revolucionó y democratizó la moda en los 60 con sus diseños ultramodernos, el logo de las mil y una licencias, el diseñador que desfiló en la Gran Muralla China, la marca que lo mismo vende perfumes que bufandas o agua mineral embotellada… Pero, ¿quién es realmente Cardin, el hombre que convierte en oro todo lo que toca? Este documental dirigido por P. David Ebersole y Todd Hughes desvela parte del enigma.

Imperdible bajo nuestro punto de vista también es el documental Karl Lagerfeld Se Dessine. Dirigido por el respetado periodista Loïc Prigent, la pieza muestra a primera vista, los dotes artísticos del káiser a través de sus inolvidables dibujos para bucear poco a poco en su vida privada. Karl Lagerfeld fue un superdotado con una memoria visual deslumbrante y a través del dibujo habla de su infancia, de la frialdad de sus padres e incluso del gran amor de su vida, Jacques de Bascher. Una delicia imprescindible para los fans de Lagerfeld.

Por último, destacamos también Martin Margiela: in his own words. Tras abandonar el mundo de la moda, el nombre de Martin Margiela sigue despertando hoy una mezcla de misterio, admiración e intriga que ningún otro diseñador ha logrado reunir. El creador belga que provocó una ruptura en la historia de la moda con su ropa reciclada, sus colecciones irónicas y deconstruidas, su street casting y sus shows en solares semiabandonados sin sitting, sigue negándose hoy a mostrar su rostro ante las cámaras. Nunca el anonimato había sido percibido como algo tan poderoso en una industria adicta a la visibilidad en la que, de la noche a la mañana, se instauró el culto a la invisibilidad. Pero algo del enigma Margiela se resuelve en este apasionante documental donde él mismo cuenta en primera persona su historia: su infancia, sus inicios en el mundo de la moda, su relación con el éxito, la conquista de París, el fichaje de Hermès, la compra de la marca por parte de Renzo Rosso… un viaje mágico que explica por qué Margiela fue más un movimiento social en los 90 que una simple marca y por qué miles de mujeres abrazaron entusiasmadas a un creador que no las veía como objetos, sino como personas reales, más intrigantes que sexys y más inteligentes que chic.

Esta es una pequeña selección de algunos de los 17 documentales programados en la nueva edición del festival Moritz Feed Dog. La programación al completo la puedes encontrar aquí. 

La Barcelona Bridal Week 2022 ha cerrado el calendario de desfiles en la capital catalana. La feria internacional de moda nupcial, que se celebró del 20 al 24 de abril en la Fira de Barcelona, ha decidido apostar por una vuelta a la normalidad con los desfiles presenciales de 34 diseñadores dirigidos a profesionales y futuras novias, y también ha contado con un amplio espacio expositivo en el que han participado 320 marcas vinculadas con el sector nupcial y festivo.

Gratacós no ha querido perderse la oportunidad de volver a contemplar los desfiles en directo de los diseñadores nupciales que cuentan con nuestros tejidos en la elaboración de las nuevas colecciones de temporada. Es por eso que hemos estado atentos a cada look presentado porque nos asombra comprobar una vez más, como nuestros tejidos se convierten en sofisticados diseños de novia. Aquí te mostramos algunos de los looks nupciales más especiales de la temporada 2023. 

Higar Novias

La empresa familiar sevillana Higar Novias, nacida en 1980 presentó la colección ‘Origen’, basada en el diálogo entre la costura y la arquitectura. La nueva propuesta se desarrolla partiendo de los patrones más emblemáticos, fusionándolos con líneas puras y actuales de la arquitectura contemporánea. Si hacemos foco en el detalle, a lo largo de la colección se aprecia la gran variedad de diseños sofisticados, femeninos y contemporáneos. Predominan los tejidos enriquecidos y jacquares monocolores, que conviven en armonía con siluetas y cuerpos semitransparentes, adornados con plumas, sobre tejidos ricos en pedrería, que combinan con amplias faldas de tul y con pequeños detalles brillantes. 

En cambio, la colección de fiesta combina la versatilidad de la moda urbana y la elegancia que tanto caracteriza a los diseños de Higar Novias. Maxi estampados y bordados se combinan con una paleta de colores vivos en vestidos ceñidos en la cintura que cobran volumen en las faldas. También destaca la pedrería en cuerpos escotados y siluetas sirena muy femeninas, que invitan a amar la moda para las ocasiones especiales.

Isabel Sanchis

La nueva colección de Isabel Sanchis está inspirada en la diversidad cultural que caracteriza a sus clientes de todo el mundo, así como en su forma de entender la moda. Como resultado, la diseñadora valenciana ha creado piezas que parten de un prêt-à-porter trabajado, desde estampados geométricos cercanos al op art hasta piezas de costura con volúmenes y trabajos artesanales minuciosamente confeccionados, que son parte de la esencia de la firma. Isabel Sanchis ha querido mostrar lo mejor de la marca destacando el trabajo artesanal y la precisión del detalle. En cuanto a la paleta de colores de la nueva colección, además del negro, siempre presente en las colecciones de Isabel Sanchis, se ha introducido una gama de marrones, naranjas, pistachos y rosas que aportan optimismo y pasión por vivir. 

Lorena Panea

Lorena Panea es un atelier y marca femenina que homenajea a los diseños de la Antigüedad, creando moda nupcial exclusiva y atemporal para la mujer contemporánea. La joven diseñadora presentó en esta ocasión la colección ‘Anatolia’. Un set de seis vestidos de novia de estilo boho, inspirado en las diosas antiguas de Mesopotamia, Egipto y Asia Menor. Los diseños recogen influencias étnicas y nómadas de esas caravanas que viajaban a través de los continentes esparciendo las creencias ancestrales y fundiendo los cultos de las antiguas deidades. Cada diseño se compone de tejidos trabajados como encajes, tules bordados y ornamentos llamativos. 

Nicolás Montenegro

Nicolás Montenegro recoge el testimonio de la primera entrevista que le hizo Rossy de Palma, musa y amiga de la casa para rendirle homenaje. Así, ‘Savoir Fair’ es una colección preciosista y minuciosa que se crea a partir de la demanda de las clientas que exigen una costura elaborada, diferente y realizada con un selectivo patronaje sartorial. La propuesta se articula a través de tejidos ricos, como tules de seda, brocados italianos y pedrería con bordados realizados artesanalmente sobre bastidor, siguiendo las técnicas artesanales andaluzas. La novia de Nicolás Montenegro es sin duda una diva que se siente única y segura de sí misma. 

Olga Macià

Olga Macià es una de las diseñadoras revelación de la moda nupcial y de fiesta. La creadora que se formó en la Escuela Superior de Diseño y Moda Felicidad Duce (FELI) escondió bajo la manga, la carta ganadora en una feria nupcial: el ‘As de corazones’. Así es como se llama la nueva propuesta nupcial y colección festiva 2023 que gira alrededor del simbolismo del amor. En la propuesta no faltaron arriesgadas transparencias, escotes vertiginosos, diseños cortos con largos y trajes de dos piezas que se fusionan con vestidos de fiesta en colores enérgicos y tonos brillantes. Los tejidos son texturas de fantasía, flores, transparencias, lentejuelas de colores y redes de impacto. 

YolanCris

Yolancris, la marca española de diseño y confección artesanal de vestidos de fiesta y novia de las hermanas Yolanda y Cristina Pérez, volvió a sorprender en la Bridal Week con sus diseños revolucionarios que nacen desde la excelencia de la alta costura artesanal, dando cabida a todos los tipos y estilos de mujeres. En la diversidad y en el romper con los clichés de novia convencional, la firma encuentra como rendir homenaje a cada mujer exaltando su propia personalidad. En la línea ‘Touch’, Yolancris se ensalzaba la resiliencia, nacida durante la pandemia, mediante propuestas anti bride que representaban una nueva generación de novias con unos gustos y necesidades muy particulares. Por el contrario, ‘Origins’ retomó la esencia de Yolancris, recuperando el estilo boho para novias. Ahora, la colección ‘She’ continúa con los valores de Touch y Origins, pero con una apuesta firme que pone de manifiesto la individualidad y autenticidad de cada novia. Una sinfonía de tres estilos: bohemio, anti brida y alta costura en diseños más ricos y complejos que se adaptan, mejor que nunca, a la esencia de cada mujer.

Las nuevas generaciones del diseño nupcial

¿Y quiénes son los diseñadores de novia nupcial del futuro? IED Barcelona es una de las mejores canteras de diseño, una lanzadera de jóvenes talentos que se gradúan anualmente y esperan su primera oportunidad para entrar en el mundo de la moda. Este año, la escuela renovó sinergias con la Barcelona Bridal Fashion Week y estuvo presente en la feria mundial con un taller de flor textil que pone en valor el diseño sostenible a través del uso de tejidos de alta costura recuperados. Una materia prima que cedió Gratacós para que los alumnos pudieran recrear sus diseños. Este evento también sirvió para celebrar una nueva edición de los premios Scolarship for Talent by Gratacós. En esta ocasión, el primer premio recaía en Myriam Medina, alumna del Postgrado en Diseño de Vestidos de Novia y Ceremonia, por el modelo ‘Allegra’ de la colección La Toscana, Siena. Una propuesta inspirada en esta región del centro de Italia que protagonizará el próximo escaparate de mayo. No os perdáis la oportunidad de ver el vestido en directo en nuestro espacio de Barcelona.

Abril es el mes de la moda en Barcelona. A las puertas de una nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, hace una semana arrancaba la última edición del 080 Barcelona Fashion, con 22 desfiles virtuales de marcas y diseñadores que presentaron la nueva temporada en el Macba, dentro del edificio de carácter racionalista del arquitecto Richard Meier. Una nueva puesta en escena del imaginario y la creatividad que las marcas exhiben a través de fashion films de las colecciones de temporada que se pueden seguir visualizando en la página web de la pasarela catalana. Gratacós también ha seguido la actualidad de las nuevas emisiones de moda para comprobar, una vez más, como nuestros tejidos han cobrado forma gracias a los diseñadores que habitualmente confían en nosotros: Avellaneda, Eiko Ai, Menchen Tomás, Yolancris y Victor von Schwarz. Repasamos las nuevas propuestas y algunos de los looks clave. 

Noches de verano

Fiel a su filosofía hedonista, el dandy Juan Avellaneda nos traslada a latitudes tropicales en su nueva colección de verano para seguir explorando la elegancia más relajada, inspirada en paraísos cálidos del norte de África. La propuesta se vertebra a través de tejidos naturales, tonos luminosos o encendidos como el rosa, el naranja y el coral, y patrones que, en líneas generales, pierden rigidez. También existen varios modelos de chaqueta, la prenda fetiche de la marca del diseñador barcelonés, que oscilan sin esfuerzo entre los guardarropas del hombre y la mujer. Los estampados se alejan de tópicos y abrazan una versión mediterránea del ikat que da carácter a faldas etéreas y esmóquines alérgicos al aburrimiento. Las prendas evocan la elegancia práctica de la sahariana y la sastrería clásica de aquellos veraneos de midcentury que inmortalizó Slim Aarons. Las blusas acarician el cuerpo y se entrelazan. Los pantalones bailan y los vestidos se pegan a la piel o despliegan fabulosos volúmenes y volantes, otro detalle 100% Avellaneda. En Au réveil il était midi, toda la ropa combina con todo, se armoniza y fluye para un verano perfecto.

La cálida luz del sol

Eiko Ai deslumbra con Lucid Dreams, una colección radiante inspirada en la vitalidad de la energía solar. Independientemente de la inspiración, la fórmula de Glò Lladó se mantiene firme en cada propuesta y consiste en potenciar la belleza de la mujer jugando con la delicadeza y la sensualidad. ¿Y cómo lo consigue? A través de siluetas vaporosas, tejidos etéreos que dejan entrever la piel y estampados evocadores que mezclan sofisticación sin abandonar el espíritu casual y cosmopolita de la firma barcelonesa. La nueva propuesta de verano de Eiko Ai potencia los vestidos tipo kimono, las blusas fluidas y las combinaciones de dos piezas donde no faltan las transparencias, los brillos sutiles y los estampados degradados con otros florales que rinden homenaje a esa visión mística de la mujer, como una ninfa urbana. La paleta de la colección emula positivismo, vida estival y luz dorada a través naranjas intensos que juegan con la gama de amarillos, blancos rosados y pinceladas de azul intenso del cielo. 

La clase es la clase

Por su parte, Menchen Tomás nos recuerda la importancia de la herencia en Old Money, una colección que se inspira en la manera de vestir y de vivir de las familias estadounidenses que han conseguido traspasar la fortuna, la clase y el estatus de generación en generación. Una estética caracterizada por la sofisticación, la fusión entre lo clásico y lo contemporáneo y la elegancia atemporal, alejada de la cultura del logo y la ostentación. De esa interpretación, la firma barcelonesa aúna prendas de vestir como vestidos y faldas midi, pantalones anchos con pinzas, camisas de popelín infinitas con otras prendas más deportivas que podrían utilizarse para un día en un club de campo o una cena en un jardín, una noche de verano. Como detalle en tejidos no faltan las sedas, las organzas y las flores de tul en una paleta cromática vibrante: azul, verde lima, amarillo, rosa fucsia y rojo carmín.

Moda sin género

Victor von Schwarz forma parte de la nueva generación de jóvenes talentos que aportan creatividad y frescura en la pasarela 080. Esta vez, el diseñador barcelonés presentó una colección inspirada en las películas de la mafia asiática de los años 80 y 90, que tenían como centro de operaciones en los barrios rojos de ciudades como Taipei o Hong Kong. Victor von Schwarz apuesta por la moda sin género. Por eso, el diseñador, inspirado en la ropa oriental, crea piezas abiertas, que pueden encajar en cualquier persona, independientemente de su sexo o género. Las siluetas de la nueva propuesta de verano se dividen en dos bloques. El primero es muy brillante, con volúmenes, juegos de drapeados y transparencias que dejan entrever la piel. El segundo, parte de una silueta mucho más cuadrada y con variaciones de la chaqueta sastre clásica. En esta colección los tejidos se caracterizan por tener gran cantidad de fantasía. Las lentejuelas ganan presencia, desde estampado vichy hasta degrade brillantes. También destacamos laminados brillantes en base de viscosa y tules con estampados plateados. En cuanto a colores, los tonos pasteles y los colores espolvoreados se adueñan de la propuesta genderless. 

Terciopelo negro

Yolancris esta vez participó en el 080 Barcelona Fashion con su colección de fiesta, dejando en barbecho el proyecto Y Como, su lado más experimental. La nueva propuesta ensalza el trabajo de artesanía que se respira en el propio taller donde prima el terciopelo, la piel y el color negro. Si ponemos foco en el detalle, al terciopelo se le han mezclado hilos dorados y se han incrustado encaje francés y macramés en una atrayente combinación. Priman también los binomios de color: dorado-negro y blanco-negro, y se separan con explosiones de vestidos monocolor: rojo y rosa empolvado. En cuanto a siluetas, la colección recoge algunas ideas de patrón clásicas combinadas con algunas licencias más atrevidas que se aprecian, por ejemplo, en las aberturas de los vestidos. En líneas generales, la propuesta de Yolancris pretende ser atemporal para convertirse en un fondo de armario para las ocasiones especiales.  

Una edición más, los tejidos Gratacós han hecho su aparición en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid que se ha celebrado en la capital española a principios de marzo. Firmas como Brain & Beast, Dominnico, Fely Campo, Malne, Redondo Brand y Teresa Helbig han confiado en nuestros artículos para crear nuevos diseños para las colecciones Otoño-Invierno 22/23. Como siempre, te recopilamos algunos de los looks más destacados con tejidos Gratacós, así como el espíritu que ha querido transmitir cada diseñador. No está de más recordar que es un honor tener la confianza de estos creadores españoles que, año tras año, apuestan por nuestra empresa familiar. 

Brain & Beast

Brain&Beast volvió a la pasarela madrileña -después de una edición ausente- para reivindicar la herencia de la firma barcelonesa con su habitual estilo caracterizado por el humor, las adivinanzas y los dobles sentidos a través del color, el estampado, los patrones desestructurados y las referencias a los ídolos de la cultura contemporánea. Esta vez en Puzzle, Ángel Vilda presentó una colección seasonless -ajena a las estaciones y las temporadas- que exhibía el ADN juguetón de la firma más transgresora de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Prendas con frases deconstruidas, estampados collage, como uno que mezcla los rostros de Alain Delon y Catherine Deneuve, denim por doquier y mezclas imposibles de estampados que parecen convivir sin molestar. En definitiva, outfits atrevidos y desenfadados que van más allá de la tendencia porque lo que buscan es reivindicar la autenticidad, un rasgo no siempre apreciado en la industria de la moda. 

Dominnico

Domingo Lázaro, ganador del premio Who’s On Next 2021, nos trasladó con la propuesta Lovercross a un futuro distópico para bucear en los orígenes del cyberpunk y e grunge a través de siluetas de líneas aerodinámicas con el retro futurismo de la década de los 90 como hilo conductor. En la nueva propuesta de Dominnico no faltan los volúmenes ni las texturas entremezcladas: tweed, lamé, malla con pedrería, laminados, tafetanes, renylon o espumas con textura 3D, presentes en gabardinas largas, los vestidos de noche con escote asimétrico o las piezas de pelo imposibles. La inspiración dark también aparece representada con aplicaciones de pinchos, cuero negro y detalles metálicos. En cuanto a la paleta cromática utilizada, la firma barcelonesa creada en 2016, apuesta por los colores primarios y ácidos, como el naranja neón, fucsia, verde lima y manzana y azul Klein para contrastrar con el blanco y negro y el color plata. En general, esta nueva propuesta de Dominnico recuerda mucho al universo de las motos que también explora desde su particular visión, la cantante Rosalía. Veremos si juntos, establecen un nuevo diálogo entre la música y la moda. 

Fely Campo

Si hay una diseñadora que ha visibilizado nuestros tejidos en la pasarela madrileña es Fely Campo. La creadora salamantina presentó una colección de prêt-à-porter de lujo inspirada en la belleza natural de los balcones de las Arribes y en su paisaje. Esta admiración se traslada en la propuesta bautizada como Diafonía a través del contraste de texturas: la belleza sutil de la naturaleza la dan los finos rasos, las transparencias, los tejidos vaporosos y los delicados reflejos que se abren paso sobre la fuerza de un paisaje más abrupto, compuesto por prendas de abrigo de tacto firme y tenaz como la lana. Las líneas de la colección más sobrias se componen de volúmenes sastre y prendas oversize que se presentan como una coraza. En definitiva, Diafonía construye un armario femenino que refleja la dureza y la delicadeza de un paisaje inspirador, a través de la contraposición de estéticas. 

Malne

“La moda es el fulgor de un momento, y es también la inmortalidad de la belleza. La moda es tan efímera como inolvidable”. Bajo esta premisa se enmarcó la nueva propuesta Splendor de los diseñadores Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, el tándem creativo de Malne. En la pasarela, esta colección invernal se entiende a través de la fusión de tejidos en una misma prenda o en la composición de cada look, los volúmenes en prendas clave con detalles que van desde las perlas a las plumas, y el binomio negro y blanco para representar el misterio y el brillo de la moda. Una propuesta elegante y atemporal para el armario femenino de las ocasiones especiales.

Redondo Brand

Jorge Redondo, director creativo de Redondo Brand, dio un giro contemporáneo a los estilismos de fiesta al reinterpretar los clásicos de la elegancia. De hecho, el diseñador recuerda de su infancia de como admiraba los espectaculares vestidos que se exhibían en las alfombras rojas y de cómo uno de sus sueños sería el de vestir a las estrellas del celuloide. Ese glamour forma parte de una firma que se define como “una marca de invitada muy democrática” porque adapta las grandes tendencias de las pasarelas a una mujer real. En la nueva propuesta, el eclecticismo de la americana se convierte en el eje central de la colección invernal, una inspiración que se fusiona con la esencia de Redondo Brand para crear volúmenes naturales, siluetas asimétricas y mezclas de color. Las fibras naturales como la seda, el algodón o la lana aparecen en diferentes acabados y, junto a trabajos bordados, cristales y brillos, conviven entre los tonos más ácidos y los más armonizantes. Esta propuesta sofisticada le ha valido al diseñador Jorge Redondo, el premio L’Oréal a la mejor colección de la MBFWM en su 75ª edición.

Hace tiempo que seguimos la trayectoria y admiramos las creaciones de Quique Vidal (Valencia, 1996), alma máter de Becomely, una marca de moda con personalidad propia. Si nos sigues en Instagram, habrás visto en nuestro feed, esos vestidos de silueta baby doll en tonos pastel y grandes volúmenes que solemos compartir del joven creador de 26 años. A pesar del espíritu naíf, el proyecto de Quique Vidal nada que ver ni con la ligereza ni la inmadurez. Todo lo contrario…

Los comienzos no son fáciles

Becomely se fundó de forma oficial en 2015. Antes, el joven diseñador había hecho algunos encargos para varias profesoras que le solicitaron vestidos para su graduación. Ese inicio espontáneo vistiendo a mujeres anónimas lo animó a mudarse a Madrid para buscarse la vida como diseñador. Participó en dos ocasiones en Samsung EGO, la pasarela de los talentos emergentes de MBFW Madrid. En paralelo, Quique Vidal vendía camisetas, calcetines y también su famosa bisutería de plástico biodegradable hecha con impresión 3D para asumir parte de los costes que le representaba producir y diseñar las colecciones presentadas. De hecho, actualmente el diseñador compagina su trabajo artístico en Becomely con su otro proyecto, Estudio Cartulina, empresa especializada en comunicación, brand consulting y producción. El artista pluriempleado es una realidad de muchos jóvenes del mundo de la moda.

Artesanía y producción bajo demanda

Becomely es una marca artesanal y sostenible que crea elaboradas piezas de edición limitada que se producen bajo demanda. La pandemia trastocó el modelo de negocio de Quique para evolucionar hacia nuevos canales más directos para los consumidores. Si antes vendían a través de la página web y en algunas tiendas seleccionadas que incluían países como Asia, ahora la firma española centra las ventas en las redes sociales, sobre todo, en Instagram. Este cambio permite un mayor contacto con la clientela: se le puede ofrecer un servicio más personalizado y también ajustar el presupuesto.

El diseño no ha cambiado. Becomely mantiene como emblema los vestidos baby doll con escote en V, mangas abullonadas y volúmenes también en la falda. Un modelo que se repite desde las primeras colecciones y en el que Quique Vidal va añadiendo variaciones: grandes botones, solapas camiseras, diferentes largos… El tejido que utiliza para la creación de sus diseños también es un elemento diferenciador. Apuesta por artículos vistosos: enigmáticos Jacquards, relieves táctiles, detalles como plumas, motivos brillantes, tejidos con volumen extra… siempre en tonos pastel como el rosa pálido, el azul bebé, el lavanda o el blanco roto. De hecho, no es ningún misterio que Quique Vidal consigue magnificar algunos de nuestros tejidos más especiales de cada temporada. Becomely también aprovecha los pequeños retales sobrantes de sus camisas y vestidos para crear nuevas piezas como bolsos, limosneras o sombreros. Una fórmula para llevar la sostenibilidad hasta sus últimas consecuencias.

Los diseños de Becomely ya han saltado al escenario a través de artistas como Amaia. La cantante apareció en su último videoclip, Yamaguchi, con un vestido blanco que sigue la estética reconocible de la marca y está fabricado como apuntábamos, con tejido deadstock: sobrantes de proveedores o talleres. También la actriz Emma Suárez se fijó en las creaciones de Quique Vidal y encargó un vestido para un estreno que tenía a principios de año.

La novia Becomely

Recientemente, Quique Vidal se ha atrevido con el diseño de un vestido de novia que mantiene los códigos estéticos de la marca. Se trata de un favorecedor modelo que conjuga una silueta minimalista con elementos románticos y detalles preciosistas. El vestido es largo con escote en V y tirantes presididos por enormes lazos. Una falda voluminosa en tejido Jacquard con relieve acaba de estructurar el diseño nupcial ideal para novias millennial o zetas. De hecho, es un modelo tan versátil que se puede lucir para una boda, una ocasión especial o para añadir fantasía a un look diario, siempre en función del calzado que se combine. Lo que está claro es que cada vez existen menos límites y barreras entre los estilismos formales o informales. ¡Qué cada uno lo interprete a su manera!

Un enfant terrible es un genio precoz de ideas brillantes, pero de actitud rebelde y transgresora, cuyas creaciones son innovadoras y ofrecen una nueva visión rupturista, alejada de lo tradicional, ortodoxo o convencional. John Galliano, Jean-Paul Gaultier, Alexander McQueen son algunos de los enfants terribles más internacionales de la moda. En nuestro país también existen provocadores del hilo y la aguja. Algunos de los nombres más notorios los recupera la Fundació Antoni de Montpalau junto con la Fundación Rocamora en una nueva exposición titulada ‘Daviddelfín y otros enfants terribles de la moda’ que se inauguró el pasado 6 de febrero en Barcelona. La muestra consiste en una recopilación exhaustiva de la obra del diseñador malagueño, única en Cataluña, junto con la trayectoria rompedora y provocativa de otros diseñadores españoles, desde los años 80 hasta la actualidad.

La obra más extensa de David Delfín

La parte monográfica dedicada a David Delfín ocupa la primera planta de la Fundación Rocamora y reúne más de 60 piezas de indumentaria que repasan las colecciones del diseñador, desde 2001 hasta 2017, con algunas de las obras más emblemáticas. Junto con las piezas de ropa, también se incluye una selección de complementos como bolsos y zapatos.

Aunque Diego David Domíngez González, David Delfín, ya hizo algunos experimentos anteriores, su marca homónima nacería en 2001 en un proyecto conjunto junto los hermanos Postigo (Deborah, Gorka y Diego) y Bimba Bosé, musa y modelo del diseñador. Este novedoso proyecto iba más allá de la moda, mezclando teatro, música, pintura, poesía, fotografía y cine. Como marca, Davidelfín debutó en Barcelona en la pasarela alternativa Circuit con su primera colección ‘Openin’ Nite’. Un año más tarde daría el salto a la pasarela Cibeles de Madrid con la propuesta ‘Cour des Miracles’, inspirada en las películas de Luis Buñuel ‘Viriadina’ y ‘Belle de Jour’ y también en el cuadro ‘Los Amantes’ de René Margritte, pintado en 1928, en donde aparecen dos amantes encapuchados besándose.

Como homenaje al cuadro de Magritte las modelos desfilaron por la pasarela con el rostro encapuchado que recordaban a burkas árabes, sogas en el cuello y grandes rosarios de madera, algunas prendas confeccionadas con vendas sanitarias. Este desfile se malinterpretó y fue criticado en los medios de comunicación, tal vez por coincidir con la guerra en Afganistán. A pesar de la polémica, este desfile posicionó a la marca y un año más tarde, Davidelfín recibiría el premio L’Oreal a jóvenes diseñadores. A partir de este momento la creatividad autodidacta del diseñador no tuvo límites: Bimba Bosé sería la protagonista indispensable de sus desfiles y entre el público y los amigos de ambos, se convertirían en sus mejores embajadores. El diseñador siguió presentando sus colecciones en Cibeles y dio el salto en Nueva York en 2009 y 2010. La marca también fue galardonada en Marie Claire, Telva y en 2016, ganó el Premio Nacional de Diseño de Moda. Davidelfín también participó en numerosos museos, instituciones y galerías de arte en Barcelona, Madrid, Bilbao, Málaga, Venecia, Nueva York, Washington, México, Tokio y Moscú. Desafortunadamente, la carrera del prometedor creador se truncó en 2017 tras una lucha intensa contra un cáncer cerebral, unos meses después de la muerte de Bimba. David Delfín tenía solo 46 años.

Los otros enfants terribles 

La exposición va un paso más allá y para acompañar el homenaje a Davidelfín, la Fundació Antonio de Montpalau ha escogido una serie de diseñadores que también han sabido romper moldes y ocupan la planta baja del palacete de verano de Manuel Rocamora.

Así, esta segunda parte de la muestra empieza con Luis Fortes, el polémico diseñador de los años 80 en Barcelona ​​con propuestas muy atrevidas que se anticipaban incluso a las que haría, poco después, Thierry Mugler, creador francés recientemente fallecido. 

Desde Madrid en la década de los 90, el dúo Vacas Flacas, formado por Carolina Azcona y Miriam Cobo, provocaría en la Pasarela Cibeles con sus prendas confeccionadas con bayetas, guantes, toallas, calcetines, cremalleras o bufandas. Una buena selección de que se puede ver en la exposición, entre las que destaca un espectacular abrigo hecho con bufandas del Barça. Recientemente, la actriz Milena Smit ha resucitado una de las camisetas más emblemáticas de la firma madrileña. La muestra también incluye cinco espectaculares trajes de Alaska, diseñados por Juan Pedro del Moral, Little Joe Couture, quien también ha ideado el estilismo de las Nancys Rubias. De hecho, la marca es también la que se encarga de vestir a los integrantes de Fangoria. De los años 90 también son las dos piezas que incluye la exposición de Estanislao, el creador del reconocido método de patronaje Eometric. 

Por su parte, Bibian Blue, diseñadora célebre por sus bodis que lucen artistas internacionales como Katy Perry o Dolly Parton, fue una de las alumnas más aventajadas de Luis Fortes en los años noventa y creó su propia marca en el año 2000 consiguiendo gran aceptación dentro de la escena underground europea. La muestra incluye uno de sus espectaculares vestidos de alas de mariposa.

La muestra también tiene en cuenta a Mertxe Hernández. La diseñadora creó en 1997 su marca MTC y abrió una tienda en el Born, desde donde se dio a conocer. Después de presentar colecciones en Alemania, la creadora decidió dedicarse al mundo de la creación artística. De ella se incluyen algunas de las prendas que presentó en la pasarela ‘Colonia Fashion Days’, hechas con tejido de medias de poliamida.

Por último, la exposición también reúne prendas icónicas de Gori de Palma (Modafad, Gaudí y Cibeles) y de ¡Ánimo, Valiente! La firma de una diseñadora vasca afincada en Barcelona que trabaja con vaqueros reciclados y desde una decidida marginalidad. Una mención especial merece el último diseñador en participar en la muestra: el actual y mediático Palomo Spain, quien también ha querido incluir uno de los trajes más emblemáticos de su meteórica carrera. 

El año no ha empezado precisamente con buen pie por las nuevas restricciones sanitarias para frenar los continuos brotes de la pandemia. Aún así, este 2022 promete ser distinto que sus antecesores con la llegada de una agenda cultural, cargada de nuevas exposiciones que podremos visitar de forma presencial en distintas ciudades de la geografía española. Grandes retrospectivas, trabajos inéditos de artistas reputados o movimientos artísticos que también conectan el arte con la moda y el diseño. Os presentamos cinco muestras que creemos que pueden ser fuente de creatividad e inspiración para cualquier trabajo creativo.

• Del Fauvismo al Surrealismo: obras maestras del Musée d’Art Moderne de París

• ¿Cuándo? Del 11 de febrero de 2022 al 22 de mayo de 2022

• ¿Dónde? Museo Guggenheim Bilbao

La audaz expresión de libertad que mostraron los artistas fauvistas y cubistas en el nacimiento de ambos movimientos en la primera década del siglo XX supuso una revolución en la representación tradicional del retrato, el paisaje y la naturaleza muerta que se consideró escandalosa en la época, al presentar cánones disruptivos con la realidad observada. ‘Del Fauvismo al Surrealismo: obras maestras del Musée d’Art Moderne de París’ reúne cerca de 70 obras maestras que recorren la historia del famoso museo parisino y muestran la transgresión pictórica de la época. Este museo es a día de hoy un referente artístico imprescindible que aloja algunos de los movimientos de vanguardia que revolucionaron la capital del Sena durante las primeras décadas del siglo XX. 

A su vez, esta muestra es la primera gran exposición que acogerá el museo Guggenheim Bilbao en 2022 dentro de la programación de actividades que tiene programadas, este complejo cultural y escultórico que en octubre cumplirá el 25 aniversario de su apertura.

• Cine y moda. Por Jean Paul Gaultier

• ¿Cuándo? Del 17 de febrero al 5 de junio de 2022

• ¿Dónde? Caixa Forum Madrid

El cine y la moda se han relacionado a lo largo de los años para dar lugar a un fructífero intercambio creativo. Bajo la mirada de Jean Paul Gaultier, esta muestra señala los vasos comunicantes de ambas industrias, así como una aproximación a sus contextos sociales. La muestra aborda los intercambios e influencias que se producen entre el cine y la moda, una relación creativa que lidera Jean Paul Gaultier, cocomisario y director artístico de la exposición. Más allá de la mitomanía, ‘Cine y Moda’ recorre los contextos de creación, tanto de los vestidos como de los filmes, y nos introduce a ideas de modernidad dentro de la vestimenta o el erotismo. La muestra también ofrece un enfoque sociológico al abordar temas como los movimientos de emancipación femenina, las transiciones de género y los roles de poder y cómo estos tienen un reflejo en la moda y la filmografía de su tiempo.

‘Cine y Moda’ recoge carteles, fotografías, fragmentos de películas… hasta 250 piezas que reflejan el diálogo entre las dos disciplinas. La exposición comienza con ‘Falbalas’, la cinta de Jacques Becker de 1945 que influyó a Gaultier para hacerse diseñador. Tras ello se van observando a algunos de los personajes que revolucionaron los códigos del cine y la sexualidad, como Mae West, Marilyn Monroe, Marlon Brando, Brigitte Bardot o Jane Fonda. La exposición migrará a Barcelona a partir del 6 de julio.

• La Máquina Magritte

• ¿Cuándo? Del 24 de febrero al 6 de junio de 2022

• ¿Dónde? Caixa Forum Barcelona

Mientras tanto, en Caixa Forum de Barcelona, René Magritte (Lessines, 1898 – Bruselas, 1967) será el protagonista de la exposición principal en una amplia retrospectiva dedicada al artista surrealista belga que explora su atrayente obra, caracterizada por jugar con la lógica visual y poner en duda nuestras categorías perceptivas. Se trata de la primera exposición que se celebra de Magritte desde 1989 en España y reúne una selección de 65 pinturas procedentes de museos y colecciones de alrededor del mundo, junto a una selección de fotografías y de películas caseras tomadas y filmadas por el artista. 

¿Y por qué se llama La Máquina Magritte? En 1950, en colaboración con algunos amigos, el artista belga escribió el prospecto ‘La Manufacture de Poésie’, un catálogo de productos imaginarios entre los que destaca la “Máquina Universal para hacer cuadros”. Tal máquina haría posible componer de forma práctica un número ilimitado de cuadros pensantes. La exposición parte de la hipótesis de que esa Máquina Magritte existe y está compuesta por varios dispositivos interconectados correspondientes a conceptos recurrentes en la obra del artista, como el mimetismo y la megalomanía.

• Teresa Lanceta. Tejer como código abierto

• ¿Cuándo? Del 8 de abril al 11 de septiembre de 2022

• ¿Dónde? MACBA de Barcelona

A principios de los años 70, Teresa Lanceta (Barcelona, 1951) tomó la decisión de tejer como medio de expresión artística, forzando los límites de la comprensión sobre lo que se considera o no se considera arte. Su aproximación al tejido se centra en los elementos formales, en lo que los tejidos tienen de original y propio: sus ligamentos, materiales, tradiciones y técnicas. Un modo de hacer sin boceto previo en el que imagen y fondo, objeto y lenguaje, soporte e imagen se construyen a la vez, sin marcha atrás, asumiendo los errores.

La obra de Teresa Lanceta recoge su visión del tejido y del acto de tejer, pero va más allá de la expresión individual al plantear diálogos en paralelo con el arte popular, las cuestiones de género, la comunicación no verbal o las distintas formas de vida en comunidad. Esta exposición, que reúne toda la trayectoria de la artista catalana hasta la actualidad, incluye una amplia selección de tapices, lienzos, pinturas, dibujos, escritos y vídeos, así como varias colaboraciones que Teresa Lanceta ha hecho con otros autores y que se mostrarán en el transcurso de la exposición.

• Pablo Picasso y Gabriele Chanel

• ¿Cuándo? Del 11 de octubre de 2022 al 15 de enero de 2023

• ¿Dónde? Thyssen Bornemisza en Madrid

Más allá de la moda, Gabrielle Chanel mantuvo amistad con artistas multidisciplinares, uno de ellos fue Pablo Picasso, a quien conoció entorno a la primavera de 1917, seguramente a través de Jean Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de ese momento, Chanel y Picasso establecerían una relación creativa en la que surgieron, entre otras influencias, dos colaboraciones, ambas con Jean Cocteau: en ‘Antígona’ (1922) y en el ballet ruso de Serguéi Diághilev ‘Le Train Bleu’ (1924).

El museo Thyssen Bornemisza en Madrid nos propone explorar esta relación creativa del siglo XX, reuniendo arte y moda en un mismo proyecto expositivo. ‘Picasso y Chanel’, comisariada por Paula Luengo, conservadora del Área de Exposiciones, explora la relación entre estos dos grandes genios del siglo XX con diseños y obras de arte organizadas en cuatro secciones que siguen un orden cronológico: entre 1915 y 1925. También se aprecia como la obra del pintor fue una fuente de inspiración para algunos de los diseños de Chanel. La propia diseñadora solía afirmar de sus amistades con el mundo artístico e intelectual de la época: “son los artistas los que me han enseñado el rigor”.

El escaparate es una carta de presentación visual de quiénes somos, qué hacemos y cómo lo hacemos. Una entrada estética que atrae al visitante, pero también justifica nuestro trabajo: la creación de tejidos de calidad que permitan haceros soñar. Durante este año incierto os hemos intentado sorprender con escaparates artísticos que juegan con conceptos que nos representan como el lujo, la elegancia, la fantasía, la evasión o la cotidianidad a través de nuestros maniquís que se han vestido con los tejidos más espectaculares de la temporada junto con otros elementos que esperamos que os hayan sorprendido. Un moulage nupcial, un picnic en clave chic o una interpretación femenina de los Reyes Magos. Son algunas de las escenas que habéis podido observar a través de la ventana de nuestro espacio Gratacós.

Ahora sí, antes de dar la bienvenida al nuevo año, aprovechamos este post para despedir 2021 con la certeza de que ha sido un año de transición que nos ha permitido mantenernos estables gracias a la cohesión entre equipos y vuestro apoyo y confianza en esta marca de tejidos familiar. Albergamos nuevas perspectivas para 2022 y queremos seguir adelante con nuevos artículos que destacaran por su calidad, creatividad y capacidad para sorprendente. Emocionaros, en definitiva. ¡Feliz Año Nuevo!

Marzo 2021. Nuevo rumbo

Un año después del inicio de la pandemia nos despertamos soñando con planificar las vacaciones que se acercaban con una relajación de las restricciones. Semana Santa, los puentes de mayo y la no tan lejana desconexión estival. El inicio de la primavera también marcó un escaparate de inspiración minimalista protagonizado por dos maniquís vestidas para la ocasión para rendir homenaje a esas celebraciones nupciales que volvían a la palestra. Sastrería, detalles en plumas y dos tonos antagónicos que captan el incipiente cambio de estación: el verde bosque y el rosa empolvado.

Abril 2021. Campanas de boda

Como manda la tradición, abril es el mes nupcial por excelencia y desde Gratacós reservamos siempre este escaparate para visibilizar el trabajo de una de las ganadoras del concurso de moulage del postgrado de diseño de vestidos de novia de IED Barcelona. Se trata de una oportunidad que ofrecemos para dar a conocer el trabajo de los nuevos talentos del diseño nupcial. Este año, Eva Escudero elaboró este impresionante vestido de novia de diseño asimétrico y gran falda vaporosa siguiendo los pasos de esta singular técnica de corte y confección.

Mayo 2021. Espíritu campestre

En el mes de las flores, la firma Joplin Atelier de las hermanas Laura y Aida Molano convirtió nuestro espacio de entrada en un picnic urbano de aires provenzales. Los vestidos de tul con pequeños lunares elaborados con nuestros tejidos, los detalles en lazadas y los tonos pastel protagonizaron un escaparate en clave chic con multitud de detalles para llevar a cabo esta merienda al aire libre. Una representación artística que retrata el espíritu de evasión que nos conecta con la naturaleza.

Julio 2021. Tiempo de evasión

El mes estival por excelencia es un homenaje a las verbenas, a la diversión y el desenfado manteniendo esa actitud hedonista para tomarse la vida un poco más a la ligera, disfrutando de todos los placeres terrenales. Julio es de carácter fresco, juvenil y atrevido como demuestra el atuendo de nuestra maniquí en tejido de cuadros vichy rosa. ¡Qué empiece la fiesta!

Septiembre 2021. Volver a empezar

Septiembre es el mes oficial de los inicios. La nueva temporada, el cambio de estación, la vuelta a las rutinas… ilustramos el mes más ajetreado del calendario haciendo un homenaje a la comodidad a través de una gabardina tipo albornoz elaborada en tweed verde pistacho, todo hilo tintado muy atrevido, de tacto lanero y peso grueso. Una alfombra de hojas secas marca el comienzo del otoño que en Barcelona es ligero y suave. 

Octubre 2021. El mes rosa

Se le llama el mes rosa porque es reconocido mundialmente con este color femenino para crear conciencia a hombres y mujeres sobre el cáncer de mama y promover la autoexploración, las revisiones y chequeos para poder detectarlo a tiempo. Nuestro homenaje al mes más delicado, sutil y romántico lo hizo Rosa Cano, alumna de la ESDI, Escuela Superior de Diseño con estos modelos de tejidos contrapuestos que juegan con toda la gama de pasteles y nudes. ¡Uno de los escaparates más espectaculares del año!

Noviembre 2021. ¡Qué empiece la fiesta!

La proximidad de las fiestas navideñas convierte noviembre en un mes de preparativos. Compras que se adelantan, luces que se encienden y la búsqueda de los outfits más sorprendentes para llenar de magia las fiestas. La diseñadora Claudia del Institut Català de la Moda (ICM) presenta tres modelos de la colección ‘Ritmos’. Vestidos voluminosos con metros y metros de sugerente organza para celebraciones llenas de fantasía.  

Diciembre 2021. Las tres reinas

Acabamos el año contando de nuevo con la colaboración de Joplin Atelier y su propuesta en clave femenina. Nuestras “Tres Reinas Magas” son un homenaje a la fortaleza de la mujer, capaz de lidiar todos los ámbitos de su vida con empeño y maestría. Ellas son la piedra filosofal de muchas familias y en especial durante el ajetreo de las fiestas navideñas. Las maniquís comparten turbante y corona a conjunto con sus vestidos cortos de cuello cerrado y mangas abullonadas elaboradas con raso de acetato y lamé. Bajo sus pies resguardan todos los regalos, el símbolo del acto de compartir (y recibir).

Desde Gratacós seguimos de cerca las pasarelas españolas porque nos gusta apreciar la creatividad de los diseñadores en forma de impactantes prendas de temporada y como, en ocasiones se cuela alguno de nuestros tejidos entre los looks de sus magníficas colecciones. Después de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid de septiembre, la última cita con la moda la sostuvo el 080 Barcelona Fashion el mes pasado, en una nueva exhibición de moda y poderío. 

La pasarela catalana volvió a apostar por el formato digital presentando por tercera vez consecutiva, cortometrajes de moda previamente grabados y editados de 22 diseñadores que participaron en la última edición. Esta vez, el set de rodaje de las piezas audiovisuales tuvo lugar en un espacio que rompió con el legado modernista de las últimas ediciones: el complejo residencial y arquitectónico de Xavier Corberó situado en Esplugues de Llobregat. Una maravillosa obra escultórica de hormigón y cristal de carácter racionalista con edificios oníricos que recuerdan la pintura metafísica de Giorgio de Chirico o el arte matemático de Escher. 

A continuación, os explicamos al detalle algunas de las colecciones que nos sorprendieron más con diseñadores que mantienen discursos creativos vinculados con la singularidad, la artesanía, la sostenibilidad o la proximidad.

Avellaneda

Avellaneda convirtió el espacio XC del complejo arquitectónico Xavier Corberó en una fiesta glamourosa de manual exhibiendo belleza, juventud y buen gusto en el vestir. En la nueva colección, el diseñador barcelonés Juan Avellaneda se inspiró en la ciudad y en los individuos que habitan en ella y comparten secretos, pasiones, romances efímeros, promesas eternas e instantes de diversión. Esta jungla urbana consistía en una propuesta sofisticada de looks de cóctel con guiños al estilo safari: una revisión del animal print de cebra, chaquetas con lentejuelas y pantalones baggy de tonalidades tierra. Estas piezas novedosas convivían con sus buques insignia de la firma: esmóquines, vestidos con sensuales aberturas, sedas, volantes y lentejuelas reinan en prendas de patrones atrevidos en una propuesta singular que mezcla exotismo con su habitual elegancia. Las bases neutras, el binomio blanco y negro, el rojo y el fucsia dieron color a esta colección festiva que juega con los códigos clásicos del buen vestir. 

Eiko Ai

Eiko Ai aporta un nuevo valor en la moda femenina uniendo conceptos como la sofisticación y la sensualidad en la ropa que crea de estilo casual de todo llevar. Siempre con ese punto de magia que invite a las clientas a soñar a través de los diseños. En esta ocasión, la firma liderada por Glò Lladó ha presentado en el 080, una colección que representa un viaje fantástico hacia la montaña para hacernos descubrir las ninfas del bosque. Estas criaturas de poder evocador, que inspiran mitos y leyendas, se han vestido con combinaciones de dos piezas con sujetadores -un rasgo distintivo de Eiko Ai-, chaquetas tipo bomber de tamaño oversize, gabardinas con tejidos brillantes y vestidos vaporosos de cortes sorprendentes que insinúan sin mostrar en exceso. Todo ello adornado con tejidos de lentejuelas, terciopelos, satenes, encajes y materiales iridiscentes que crean sensuales transparencias en el cuerpo de las modelos. Las siluetas tienen un punto minimalista inspirado en la década de los 90 y los looks lenceros se funden con los festivos en esta emocionante propuesta teñida de verdes profundos, plateados y lavandas que atrae a primera vista.

Moisés Nieto

El diseñador de Úbeda (Jaén) debutó en la pasarela catalana haciendo gala de sus credenciales: diseño contemporáneo combinado con la pasión por la artesanía y el oficio que caracteriza su estilo elegante desde la contención. En la nueva colección para la próxima temporada, Moisés Nieto hace un viaje al pasado para conectar de nuevo con su infancia en Andalucía. De los veranos de los años 90, el diseñador escoge elementos rescatados del recuerdo que le sirven para dar forma a una propuesta que habla de la cotidianidad: el crochet de los paños, los visillos de las cortinas, los encajes o las plantas del patio son una representación de los recuerdos que nos llevan a los eternos y calurosos veranos del sur. La firma sostenible da forma a su particular visión en amplios vestidos midi y faldas de seda plisadas. Prendas ligeras confeccionadas con tejidos de algodón ecológico o seda y mezcladas con técnicas artesanales como el punto, el crochet y el macramé. Vale la pena destacar las texturas exhibidas que juegan con diferentes pesos y estructuras para crear volumen en las prendas femeninas que suman detalles inesperados. Como sucede en colecciones anteriores, el diseñador se acerca a la artesanía y pone en valor la sostenibilidad, dos aspectos que se han convertido en los sellos más visibles de la firma española. 

Y_Como

Por último, destacar el nuevo trabajo de Cristina y Yolanda Pérez de Yolancris en la nueva marca, Y_Como, que vuelve a sorprender con una nueva colección basada en la investigación y el proceso creativo. La propuesta de verano presentada en el 080 Barcelona Fashion se inspira en el cuadro ‘El jardín de las delicias’ de El Bosco. Concretamente en el panel que hace referencia al Paradiso con una interpretación libre, pero llena de referencias visuales que remiten a la obra centrada en la creación. En la primera escena del fashion film, ambientada en el jardín arquitectónico de Xavier Corberó, van apareciendo las modelos que encarnan los personajes del cuadro: hay el búho que representa el mal que contempla que se caiga en la tentación, las figuras de Adán y Eva, y un seguido de animales exóticos que son representados por modelos de estética barroca que muestran espectaculares túnicas doradas con bordados florales. También conviven otros sensuales vestidos negros, prendas con multitud de retales florales y el denim, el tejido estrella de la creativa firma prêt-à-porter​ con vestidos voluminosos que le dan un punto de rebeldía a esta sensual propuesta de Y_Como.