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Jueves 10 octubre 2019

The Color Community: Adapt

La “comunidad del color” crece edición tras edición generando una gran expectativa entre los profesionales del diseño que se marcan en el calendario, las citas que marca dos veces al año The Color Community. Como ya sabéis, se trata de una iniciativa dirigida por un grupo de profesionales que, desde diferentes disciplinas creativas, comparten un estudio global del color y la materia. Aunque en cada informe que se presenta participan varios colaboradores, el núcleo base lo forman tres profesionales: el arquitecto Pere Ortega; la diseñadora especializada en Colour & Trim, Eva Muñoz; y Rosa Pujol, Textil & Colour Stylist de Gratacós.

Como es habitual, The Color Community se celebra en la Antigua Fábrica Damm de Barcelona, un poderoso colaborador que cede las instalaciones y dispone de refrigerios para llevar a cabo la presentación del informe y un posterior afterwork. En esta decimotercera edición, se presentó la carta de colores que marcarán la temporada Primavera-Verano 2021. Es un informe orientativo que como cada año sirve de inspiración para los profesionales del sector.

Juan Gratacós: “El tejido sin color sería aburrido”

En nuestro caso, esta cita es siempre imperdible. No solo por la participación de Rosa Pujol, encargada del departamento de diseño de la empresa, sino porque Gratacós se desvive por las gamas cromáticas. “Nos encanta el color y el tejido sin color sería aburrido”, comentó Juan Gratacós minutos antes de la presentación del nuevo informe.

Esta edición se inspira en el concepto de la adaptación con matices positivos. “Le sacamos la carga humilde o negativa a la palabra porque adaptarse no quiere decir conformarse, todo lo contrario”, detalló el arquitecto Pere Ortega en la presentación. Así, ‘Adapt’ se basa en la idea de ajustarse a un contexto determinado, utilizando un tipo de creatividad racional que permita buscar soluciones concisas y válidas. “Nos referimos a la creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada y reflexionada que encaje con la situación actual. No tiene nada que ver con la genialidad del momento o un brillo puntual”, explicó. La adaptación como símbolo de la inteligencia, de la estrategia racional y la sabiduría popular.

Pere Ortega: “Entendemos la adaptación como un tipo de creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada”.

La propuesta cromática ‘Adapt’ se estructura a través de cuatro gamas de color, texturas y materias bautizadas como, Afterwork, Baltic Sight, Natif y Modern. A continuación, os explicamos un breve resumen con sus inspiraciones.

  1. AFTERWORK

La primera inspiración se centra en el momento de ocio después de trabajar. Un espacio para el descanso, la diversión y el hedonismo, siempre compartido. Afterwork es una propuesta versátil, que se adapta en estos contextos festivos a través de tonos pastel como el rosa candy o el azul bebé que contrastan con algunos flúores que le dan ese punto de luz necesario en cualquier fiesta: se tiñen de verde lima, amarillo y fucsia. En esta inspiración se introduce el concepto del tono transparente a través de superficies vítreas y texturas y estampados que imitan el reflejo del agua.

  1. BALTIC SIGHT

La segunda gama es más introspectiva y toma como fuente de inspiración el mar Báltico que baña los países del norte de Europa. Es una propuesta fría y racional que apela al confort y a la intimidad en esa búsqueda de los refugios interiores. La gama de azules se inspira en las aguas profundas en tonos fríos y grisáceos, verdes apagados y los tonos neutros como el blanco, el negro y el beige. Como nota de color juega con algunos tonos rojizos. La propuesta también hace un guiño a los patrones estructurados, las siluetas arquitectónicas, los estampados lineales y los accesorios verticales. Se trabaja el concepto de silencio.

  1. NATIF

La tercera inspiración es un homenaje a la autenticidad, a la tierra y a la naturaleza. Representa un giro hacia la artesanía y también quiere transmitir la multiculturalidad con diseños sin denominación de origen. Todo forma parte del todo. La paleta de colores de Natif es vibrante con tonos poderosos que van desde los naranjas saturados, los morados, los azules mágicos y los rojos tierra. Las tonalidades verde se vinculan con las hojas y los bosques. La singularidad cultural se consigue a través de los estampados florales y los que imitan el trazo manual, los motivos geométricos y los acabados rústicos.

  1. MODERN

Por último, la cuarta inspiración representa un pasaje por las otras gamas. La ciudad y su vida interior es el motor de la creatividad y la gama de colores expresa como los individuos se adaptan a la ciudad, a la vez que se mimetizan en sus edificios, asfalto, huertos urbanos, zonas verdes… Forman parte de la urbe las 24 horas. Para expresarlo se utiliza una paleta cromática muy sensitiva con colores que aportan vitalidad. Los falsos crudos, los verdes apagados, el azul petróleo, el rosa pálido, el denim, el naranja excéntrico…conviven con siluetas minimalistas, materias tableadas y estampados lineales.

Jueves 03 octubre 2019

Los cuadros que marcan tendencia

Los cuadros siempre han estado presentes en la historia de la moda contemporánea. Es más, forman parte de esas tendencias impertérritas, ajena a los ciclos, que se repiten y se renuevan sin perder su identidad.

A priori, cuando relacionamos un estampado de cuadro nos viene en mente el estilo británico con sus impolutos trajes, el tartán que recuerda a los escoceses o los cuadros vichy que nos remiten a la edad de la inocencia. Siempre es tiempo para apostar por los cuadros, sea en las colecciones de invierno o de verano. Lo novedoso es que hoy en día, muchos cuadros rompen barreras y se salen de su zona de confort apoderándose de prendas, accesorios o complementos hasta ahora menos convencionales.

Vamos a analizar los tres estampados de cuadros más comunes en las pasarelas de la nueva temporada Otoño-invierno 2019/2020:

Príncipe de gales

Es un tipo de diseño de tejido de dos colores en forma de cuadros complejos, a veces con un tercer color como perfil. En él se combinan alternativamente grandes cuadros con un diseño milrayas junto con cuadros más pequeños en pata de gallo. Habitualmente se suelen utilizar como colores base las distintas escalas de grises (o colores apagados) y en ocasiones se añade un color más a ese tono base, normalmente azul. El origen de este estampado es popular al ser un tejido que utilizaban los trabajadores, aunque fue el Duque de Windsor (Enrique VIII) quien lo acabó popularizándolo en los años 30 y se extendió por todo el mundo.

Al jugar con el binomio blanco y negro, este tipo de cuadros se convierte en un clásico atemporal, perfectos en cualquier fondo de armario. Esta temporada, bajo un estilo preppy se ha visto especialmente en las pasarelas de Marc Jacobs, Prada, Givenchy, Balenciaga, Chloé y Marni, entre muchos otros que recuperan este patrón.

Tartán

Es quizás el cuadro más identificable. Un tejido cuyo patrón lo conforman líneas horizontales y verticales que dibujan cuadros de distintos colores. De origen escocés, el tartán se asocia a los clanes que los usaban para distinguirse. Cada familia adaptaba diseños particulares, así como unos colores que los identificaban como miembros de cada clan. Existen tartanes con nombre como McAndrew, McQueen, Douglas… incluso diseños modernos como el Royal Stewart, creado por Vivienne Westwood. En su origen el tartán estaba hecho de lana, aunque hoy en día se plasma a través de varios tejidos. En la actualidad, con la aparición de nuevos materiales la palabra tartán ha pasado de definir el tejido al diseño, independientemente de dónde se plasme.

El tartán acepta infinidad de colores y combinaciones distintas, la clave está en el gusto personal. Los más habituales son los más clásicos en color rojo o en verde, o color blanco y negro y en tamaño XXL. A finales del siglo XX, el tartán también se ha asociado a una estética más transgresora y ha encontrado sus adeptos dentro del movimiento punk de finales de los 70 con diseñadoras como Vivienne Westwood y en el grunge y su contracultura de los noventa. En esta época lo adaptaron John Galliano y Alexander McQueen para citar algunos ejemplos.

Cuadros ventana

Hablamos de un tipo de cuadro sencillo que hace cuadrados gracias a unas finas líneas que lo conforman. Así, sobre un fondo oscuro se añade una ligera línea que dibuja un cuadro amplio. Como base, el cuadro ventana puede tener un tartán (con lana más fina) o un tweed (que le da un aspecto más rústico). Este tipo de cuadro se popularizó en los años 30 en Gran Bretaña cuando el hombre comenzó a buscar motivos más atrevidos e informales que mantuvieran esa imagen de dandi clásico, pero con ciertas licencias.

Hoy en día, los cuadros ventana están muy extendidos y se usan prácticamente por igual en las colecciones de moda de invierno y verano. Os citamos la última colección que hizo Karl Lagerfeld para Chanel para observar este tipo de cuadros mezclados con otros tejidos y estampados.

La colección actual de Gratacós también contiene muchos tejidos de cuadros. Aquí te dejamos algunas referencias para que te inspires.

Viernes 13 septiembre 2019

Las nuevas generaciones del diseño más inspiradoras

Barcelona es un continuo hervidero de moda. Cada año de las escuelas de diseño que alberga la ciudad condal salen centenares de nuevos talentos con ganas de darse a conocer, a través de historias y proyectos que quieren contar a través de cada puntada. Ellos forman esa codiciada sangre nueva tan necesaria para rejuvenecer la industria con su entusiasmo -propio de la juventud- y creatividad.

Una de las citas más interesantes para nosotros tiene a ver con los proyectos finales que cada año impulsan las escuelas para garantizar que sus alumnos están preparados para salir al mercado laboral. Esa prueba de fuego donde se demuestran los conocimientos adquiridos tras años de aprendizaje y se da rienda suelta a la imprenta personal de cada futuro diseñador. Una creatividad que, en ocasiones, está sujeta a la comercialidad que tanto vivimos hoy en día y que es imprescindible para sobrevivir en la caprichosa industria de la moda. Es así, sin más.

Habitualmente, los proyectos finales de las escuelas de diseño tienen forma de desfiles donde se presentan los looks de la primera colección del alumno. Una especie de testeo. Estas pasarelas de new talents se acostumbran a hacer en espacios multidisciplinares como teatros, museos o recintos modernistas en paralelo a la edición de verano del 080 Barcelona Fashion. Allí es donde todos los profesionales de moda – principiantes y expertos- están atentos para descubrir quien despunta o parece despuntar. Lo que llamamos la continua búsqueda del Who’s Next.

Como creadores y productores de tejidos de calidad, es nuestra obligación estar en la vanguardia de lo que se cuece dentro del sector textil y también de la moda en general, no tanto desde el presente, sino mirando siempre el futuro. Lo interesante siempre está en lo que vendrá. Por eso, uno de nuestros focos de atención es observar cómo tratan los tejidos, los volúmenes, las texturas… y que siluetas dan forma los nuevos talentos para inspirarnos y también para comprender qué necesidades de materias primeras tendrán en ese futuro inmediato. Esto nos permite innovar, arriesgar y experimentar continuamente. Algo que nos gusta especialmente e intentamos que esté presente en cada colección para mantener la calidad de los tejidos siguiendo las últimas tendencias del mercado. Pronto veréis lo que os hemos preparado en esta nueva temporada Otoño-Invierno 2019/2020 que ya estamos lanzando.

Por otra parte, recordamos que desde Gratacós respaldamos las jóvenes promesas de la moda y lo hacemos a través de nuestro espacio multidisciplinar. Nuestra boutique barcelonesa es un laboratorio de I+D para el textil, pero es también un centro de formación continua para estudiantes y jóvenes diseñadores que ya se han lanzado al mercado con su marca. Y, por último, recordamos que desde nuestro espacio también ofrecemos descuentos a estudiantes de las escuelas de diseños para que realicen sus tesinas finales con nuestros tejidos más singulares. ¡Rienda suelta a la imaginación!

A continuación, os ofrecemos imágenes de algunos proyectos (lookbooks o editoriales) que se han elaborado con tejidos Gratacós. Corresponden a Ana Hernández, Xènia Simó y el dúo de diseñadores Albert Sánchez y Sebastián Cameras responsables de la joven firma OnrushW23FH. Todos ellos han estudiado en Idep Barcelona. También algunos diseños de Katia Combatti de IED y Asya y Yaidelin que se han graduado en el Institut Català de la Moda.

Jueves 05 septiembre 2019

La belleza de la silueta femenina

Inauguramos temporada hablando de otra exposición que ensalza la figura femenina y da una nueva visión de la relación “cuerpo-moda”. Su título es evocador: ‘El Cuerpo Inventado’. Una muestra organizada por Collectors Collective en Madrid que pone de manifiesto los cánones estéticos que han permanecido en la moda desde principios del siglo XX hasta nuestros días, aportando una nueva dialéctica de la evolución y los cambios que se aprecian especialmente en la indumentaria de la mujer. 

4 siluetas y un siglo

La silueta es la responsable de crear el espíritu del tiempo más allá de colores, tejidos o adornos. Es precisamente la silueta la que plasma el canon estético de una época. 

Pese a su aparente riqueza y variedad, la historia del traje femenino de Occidente ha ido repitiendo sus formas a lo largo de los siglos: apenas se cuentan un puñado de siluetas con las que los modistas se inventan los cuerpos vestidos. Por ejemplo y centrándonos en los últimos 100 años, las siluetas que han tenido más relevancia en el siglo XX son cuatro: silueta tubular, silueta triangular y silueta de triángulo doble, silueta globular y silueta anatómica. Además, todas ellas cuentan con antecedentes en los siglos anteriores. Eso sí: la prevalencia no es excluyente. Las siluetas pueden convivir en el tiempo, aunque el protagonismo de una de ellas será la que defina la época.

A su vez, la exposición también propone una reflexión sobre “la tiranía de lo invisible” y del cuerpo desnudo, movimiento que se ha ido consolidando en los últimos años hasta llegar hoy en día a límites insospechados.

Colecciones y creadores

El Cuerpo Inventado se conforma a través de piezas de importantes coleccionistas de moda (Antoni de Montpalau, Quinto, Maite Mínguez y López-Trabado), así como de tres museos de gran peso internacional como son el Museo del Traje de Madrid, MUDE: Museo del Diseño y la Moda de Lisboa y el Museo de la Moda de Santiago de Chile.

Los diseños expuestos forman parte de los nombres más relevantes del panorama internacional como Lanvin, Chanel, Christian Dior, Givenchy, Mainbocher, Versace, Yssey Miyake, Azzaro, Azzedine Alaïa, Pierre Cardin, Yves Saint Lauren, Pucci, Christian Lacroix, Commes des Garçons o Gucci. También hay modelos de diseñadores españoles de primer nivel como el maestro Cristóbal Balenciaga, Pedro Rodríguez, Lorenzo Caprile, Ágatha Ruiz de la Prada, Jesús del Pozo, Leandro Cano, Ernesto Artillo, Antonio Velasco o Josep Font.

Iconos de moda de ayer y hoy

Durante toda la historia del traje, la moda se ha servido de personas influyentes para propagarse. Hasta el siglo XIX, era la aristocracia quien solía tener esta misión, pero a final de ese siglo esta tendencia comienza a cambiar y son las mujeres del ámbito de la cultura y del espectáculo las que se convierten en prescriptoras de la moda para la difusión de las modas.  Al lado de una silueta concreta suele haber una mujer influyente legitimándola: ¿cómo podríamos desvincular la silueta que estrecha la cintura, proyecta los senos y amplia las caderas de la actriz Marilyn Monroe?

Por eso, la exposición también recoge el papel de esas mujeres célebres que han consolidado los diferentes cánones estéticos, haciendo un recorrido por los nombes más influyentes de la moda del siglo XX, con vestidos que pertenecieron a Madonna, Claudia Schiffer, Rita Hayworth, Audrey Hepburn, Sophia Loren, Lady Gaga, o incluso a S.M. Doña Letizia, entre otras mujeres relevantes.

El Cuerpo Inventado’ de Collectors Collective se inaugura el próximo jueves 12 de septiembre en la avenida General Perón de Madrid y se podrá visitar hasta el 15 de diciembre.

Fotos: Alfonso Ohnur

Jueves 11 julio 2019

Dominnico gana el premio Mercedes-Benz Fashion Talent 2019

El ascenso de Dominnico se veía venir. Era cuestión de tiempo que su carrera meteórica despegara en un momento u otro. Y esta ascensión no ha hecho más que empezar. Ahora, al inquieto Domingo Rodríguez se le ha sumado un nuevo triunfo que le consolida dentro del mapa de jóvenes promesas de la moda española: el de alzarse como ganador de la Mercedes-Benz Fashion Talent.

“Ganar este premio significa cumplir un sueño. Supone un punto y aparte para mi firma y el inicio de una nueva etapa para este proyecto”, explicaba el joven diseñador tras ganar el prestigioso galardón. De hecho, el diseñador ya ha empezado a ganar fama fuera de nuestras fronteras. Con solo 24 años de edad, Dominnico ha vestido personalidades del mundo del espectáculo como Lady Gaga, Rita Ora o Rosalía, cuyo vestuario de sus giras, elaborado en parte con nuestros tejidos, ha dado la vuelta al mundo.

Su impecable confección, su gran proyección nacional e internacional, su temprana madurez y su visión comercial han sido algunos de los atributos que han fascinado al jurado. Un proyecto con un discurso propio y fiel a su esencia que le ha convertido en el ganador de la 14a edición de este certamen que premia a los jóvenes talentos.

Domingo Rodríguez: “Ganar este premio significa cumplir un sueño y el inicio de una nueva etapa para Dominnico”

Una oda a la generación Z

La colección premiada, presentada en la pasarela madrileña, se llama Harajuku Kids y se inspira en Club Kids, la generación londinense de los noventa, pero también en la nueva era digital, centrada sobre todo en las redes sociales. Artistas como Andy Dixon, Antoni Tudisco, Six N. Five, o la influencer Ruby Gloom también se han tenido en cuenta en la concepción de la colección. Una propuesta que tiene en cuenta también a las tribus urbanas de Japón y se concibe como agender, alejada de etiquetas con formas y siluetas extravagantes que son una invitación al individualismo y al carácter propio.

La colección, repleta de tejidos Gratacós, está impregnada de texturas, lentejuelas, laminados, tules, superposiciones y volúmenes envueltos en una gama de colores pastel. Así, herencia, actualidad y hasta futuro se mezclaban gracias una dulzura y feminidad poco habituales en Dominnico que avanza para ganar madurez en su estilo.

Rumbo a Georgia

Más allá del reconocimiento, el premio incluye la posibilidad de desfilar el próximo noviembre en la pasarela internacional Mercedes-Benz Tiblisi Fashion Week en Georgia. Un momento en el que el diseñador alicantino ya estará presentando la colección de invierno del año siguiente. De esta manera, Domingo Rodríguez se suma al exitoso conjunto de grandes jóvenes talentos que obtienen este galardón como ya lo fueron en su día Outsiders Division, Célia Valverde, Juan Carlos Pajares, Ela Fidalgo, Xavi Reyes, María Clè Leal, David Catalán, Ernesto Naranjo o Pepa Salazar.

Viernes 05 julio 2019

Gratacós en el 080: Colecciones SS20

Gratacós ha vuelto a pisar el 080 Barcelona Fashion a través de distintas creaciones de temporada de los diseñadores que, año tras año, confían en nuestros tejidos, el saber hacer y desde aquí, les agradecemos su fidelidad. En cada edición, nos gusta contemplar los outfits y apreciar las sorprendentes prendas que cada firma elabora con nuestros tejidos, siempre fieles a su esencia, para comprobar in situ la creatividad del diseño catalán.

A continuación, analizamos algunas propuestas que no nos pasaron por alto en la pasarela catalana.

La colección más contenida de Brain & Beast tiene premio

Brain & Beast atraviesa el mejor año de su historia. La irreverente firma capitaneada por Ángel Vilda he hecho un giro comercial, lo que se traduce en mayor expansión y ventas, dentro y fuera de nuestras fronteras (tiene un showroom en Hong Kong que triunfa entre el mercado asiático). La firma más gamberra de la pasarela catalana también presenta desde enero las colecciones -con dos propuestas independientes- en Madrid y Barcelona, un hecho que ayuda a ampliar su alcance.

La colección presentada en el 080 Barcelona Fashion fue la propuesta ganadora de la pasada edición de verano. Esta vez, “su objeto de análisis” del desfile fueron los tótems y los tabús en una colección que habla de como las sociedades humanas se unen y los individuos se legislan ellos mismos. Bajo esta premisa, Ángel Vilda criticó los clichés y las convenciones que las personas se autoimponen: a lo políticamente correcto, a las apariencias y a las normas estandarizadas. En la pasarela, esta crítica se tradujo con mensajes estampados como “El futuro es free”, “Quiero ser libre” o “La felicidad es la ausencia de miedo”, la frase que inmortalizó el científico y divulgador Eduard Punset. Una colección más contenida en color y más creativa en patrones con prendas desestructuradas con superposiciones, líneas arquitectónicas y un festín de tejidos y texturas que no defraudó. En la propuesta para el próximo verano “cazamos” dos tejidos nuestros: un tweed en tonos cálidos y un crepé de color negro.

Menchén Tomàs y las noches del Cotton Club

Olga Menchén, alma mater de Menchén Tomàs presentó la colección más glamurosa del 080 Barcelona Fashion. La propuesta se inspiraba en el mítico club de jazz Cotton Club de Nueva York en un ambiente que te invitaba a viajar hacia el Harlem de los años 20 dónde gánsteres, artistas y celebridades convivían en un mundo de elegancia, lujo y sofisticación. Sobre la pasarela, las prendas de la colección reunían el ADN de la diseñadora barcelonesa: un patronaje muy elaborado con vestidos fluidos e infinitos detalles. Destacaron las americanas sastre llevadas a la feminidad absoluta y los vestidos que recogen con fuerza el patronaje de la época con un giro moderno y actual. En cuanto al color, Menchén Tomàs se centró en toda la gama de blancos, así como los tonos cobrizos, los plateados y los tejidos con brillo… en referencia a todos los músicos, bailarines y artistas que desfilaban por el club. En tejidos, abundaban gasas estampadas, sedas, crepes, tul bordado, lentejuelas y, como no, algodón. La colección de Menchen Tomás, la que celebra los 25 años de trayectoria, ganó el premio Modacc, a la marca con más proyección internacional. ¡Enhorabuena Olga!

Una noche en Viena

El talentoso Jaime Álvarez (tres veces ganador del premio 080 al mejor diseñador) volvió a sorprender al público con su visión de la sastrería contemporánea: patrones renovados que conservan la esencia elegante. Bajo el título “Night in Vienna”, Mans Concept Menswear trasladó la colección primavera-verano 2020 hacia el encanto de la escena cultural y artística de la capital austríaca. Un nuevo destino que le sirvió a la firma para demostrar de nuevo donde llegan los límites de lo que se considera la nueva sastrería caracterizada por la deconstrucción de patrones, la mezcla de tejidos y un cuidado empleo del color. El resultado es una colección armónica, de espíritu romántico que recoge la visión del hombre humanista que vive la inquietud y fascinación del legado cultural de Viena. En cuanto a tejidos, no nos pasaron por alto las piezas de seda, organza y guipur que dialogaban a la perfección con los tejidos clásicos de sastrería como lana y paño. Siempre es un espectáculo visual contemplar los diseños masculinos de Mans Concept Menswear.

Un homenaje a la mujer urbana

Aubergin, la firma formada en 2015 por Anna Uimonen y Nevean Holmes presentó una colección que rendía homenaje a la mujer cosmopolita, aquella que se transforma y se adapta a la sociedad que le rodea. Así, la propuesta Alter Ego intentaba reflejar el estilo de vida y los valores sostenibles de la firma a través de prendas de diseño que abanderan un atrevimiento contenido, casi atemporal. La mujer Aubergin combina el minimalismo, le gustan las tendencias de calle y la contemporaneidad. En la pasarela no pasamos por alto una camisa y una falda que combinaba magistralmente el denim con uno de nuestros tejidos de lentejuelas multicolor. Un ejemplo de este eclecticismo que abraza esta joven firma barcelonesa.

Jueves 27 junio 2019

Verde lima, la última obsesión cromática

No es una novedad de esta temporada, pero se resiste a abandonar el podio de las tendencias. No tiene rival en cuanto a fuerza, brillo y atrevimiento, y ha pasado de ser un color simplemente radiante a convertirse en un símbolo para la generación Z. Hablamos del verde más chocante: en neón, lima o pistacho. Él es el verdadero “rey” del verano que impregna el street style con su rebeldía y juventud.

Hace casi un año, este desenfadado color empezó a resonar como tendencia. El verde lima en su versión flúor se colaba en el armario invernal. El mayor impacto lo tuvo a través de Instagram cuando irrumpió por sorpresa en los timelines de varias influencers de moda. Este tono chillón copó todas las miradas a través de una prenda viral: un jersey ajustado de cuello perkins que se exhibía descaradamente con la misma fuerza cegadora de un relámpago. ¡El verde fosforito en todo su esplendor! Esta prenda se mostraba en diferentes versiones y varias firmas -de diseño y low cost– lo adaptaron a su manera. El jersey en verde lima se convirtió en la tendencia más codiciada del momento.

Posteriormente, esta vibrante tonalidad fue una de las más repetidas y adaptadas entre los asistentes a los desfiles internacionales. Se llevó en pantalones, en vestidos y en abrigos, coqueteando también con los complementos -eso sí, en menor proporción-. Las grandes marcas reforzaron su poder amparando los colores neón -entre ellos el verde en cuestión- como una de las tendencias de este verano. Es curioso que, de todos los colores subidos de tono, este tipo de verde fue el que cuajó mejor en la calle, cuyo termómetro ayuda al sector a conocer lo que realmente se lleva o no, independientemente de lo que dicte la moda.

Un papel destacado jugó el poder de atracción de las influencers y celebrities mundiales que no dudaron en vestirse en verde lima: Kendall y Kylie Jenner, Chiara Ferragni y Blake Lively se enfundaron looks protagonizados por este color y se atrevieron incluso a llevarlo en el maquillaje. En la pasarela, esta tonalidad ha seducido a Balenciaga, Versace, Stella McCartney, Vetements, Gucci o Dolce & Gabbana que no han dudado en incluir el verde lima en las últimas colecciones de verano. ¡Viva la indiscreción más de moda!

¿Y cómo se lleva?

No es fácil combinar el verde lima. La clave reside en aliarse de los tonos neutros como la gama de beiges y nudes o el incombustible blanco y/o negro que representan la opción más sencilla y práctica. Los tejidos satinados le dan al verde lima más luz y son favorecedores en prendas vaporosas como faldas y vestidos con movimiento. ¿Liso o estampado? Aunque la primera opción sería la más efectiva, también se puede mezclar con prints y texturas con relieve. Nuestra apuesta son los tejidos que juegan con las distintas tonalidades de verde lima a través de motivos geométricos, estampados florales o lentejuelas bordadas, y, a su vez, introducen otros colores armónicos. En ocasiones, no hace falta apostar por la versión más estridente, te puedes sumar a la tendencia en clave discreta apostando por los tonos pastel. Aquí te dejamos nuestras inspiraciones en rabioso verde lima. ¿Qué te parecen?

Jueves 13 junio 2019

Cuaderno de Tendencias: Primavera-Verano 2020

Como es habitual, en nuestra aula Gratacós siempre suceden acciones vinculadas con el diseño y la creatividad. Esta vez, le ha llegado el turno a la prestigiosa agencia de investigación Nelly Rodi con la celebración de una nueva edición de su tradicional ‘Cuaderno de Tendencias’. Una presentación ágil y didáctica que organizamos dos veces al año, donde estudiantes de diseño y profesionales del sector se reúnen para conocer las principales tendencias que marcarán la temporada Primavera-Verano 2020. Siempre desde un contexto que afecta directamente a la industria de la moda, teniendo en cuenta la situación socioeconómica global. Esta charla instructiva la imparte desde hace años Úrsula Uría, portavoz en España de Nelly Rodi y en ella, se presentan tendencias más concretas que afectan al consumo, los estilos de vida, los colores, las siluetas… y marcarán las pautas del próximo verano. Siempre desde un punto de vista orientativo. La predicción ya se sabe que no es una ciencia cierta, pero ayuda a fijar unas pautas.

En esta última iniciativa, Úrsula Uría nos sitúa dentro de un contexto económico de espera, donde el mundo se prepara para afrontar una nueva crisis económica mucho más dura que la anterior. Esa es la clave para entender la macrotendencia Jump que influirá a las cuatro tendencias que se presentan: “Necesitamos coger impulso porque lo que nos viene es aún peor de lo que hemos vivido. Se nos acumulan las crisis que ya apreciamos dentro del contexto político, los movimientos sociales o la fragilidad económica”, asegura.

Úrsula Uría: “Necesitamos coger impulso para afrontar las crisis que nos esperan”.

A partir de este escenario poco alentador, Nelly Rodi predice cuatro tendencias que afectarán la industria de la moda y que se engloban dentro de las siguientes categorías: Holiness, Invencible, Vision y Spotlight.

1. HOLINESS

Una tendencia minimalista que apela a los clásicos, a la era antigua, al esplendor de la Grecia clásica y el Imperio Romano. Una revisión de la mitología y las primeras culturas para buscar nuevas soluciones creativas. “En lo clásico encontraremos la única manera de avanzar como sociedad cogiendo lo mejor que han hecho e innovar”, explica Uría. Holiness también se inspira en Marruecos y en Egipto, en los desiertos del norte de África.

Referencias visuales: El museo de Yves Saint Laurent, el libro ‘Homo Deus’ de Yuval Noah Harari, la influencer de yoga italiana Aria Crescendo, el hotel austero de Adrere Amellal en Siwa, la meditación, la introspección y la espiritualidad.

Siluetas: Las prendas oversize, fluidas y vaporosas, el falso minimalismo, los looks cómodos y confortables, los materiales mullidos y suaves, los tejidos naturales: lino, ante, napa, bambú… se prioriza lo orgánico y los detalles hechos a mano. Es una línea premium que prescinde de los estampados. La sofisticación que busca la comodidad por encima de todo. Lo artesanal juega en otra liga.

Siluetas: Predominan los trazos rectos, las líneas bien marcadas y las prendas versátiles y funcionales.

Colores: La paleta de marrones, beiges y crudos es la protagonista de la tendencia. Los tonos que emulan los minerales con sus tonos y relieves. Es una evolución de todos los nude. La segunda línea de color hace referencia a la terracota y el azul de Marrakech.

Conceptos clave: Peregrino moderno, civilizaciones antiguas, minimalismo ético, introspección y los orígenes.

2. INVENCIBLE

Una tendencia maximalista que hace referencia a las revoluciones culturales, a los movimientos sociales, al activismo y a una mayor concienciación hacia temas globales como la naturaleza y el medio ambiente. “Esta tendencia conecta con el hecho de ser combatiente de una manera creativa, no agresiva”, detalla Uría. Un estilo que también conecta con la pasión por lo extremo como los deportes de riesgo, la adrenalina y la supervivencia.

Referencias visuales: La pop up de Adidas en Seúl, la deportista Emily Sukiennik, las prendas multifuncionales, el fashion tech, el Salón de Supervivencia de París, el concepto de explorador, la piel mutacional de los reptiles, Comme des Garçons…

Siluetas: Los tejidos técnicos, las prendas reversibles y la ropa inspirada en el deporte que se concibe como una nueva forma de relacionarse. Los estampados se mezclan entre sí, no hay límites.

Colores: La primera paleta se llama alerta y es mucho más explosiva con tonos vinculados con los plásticos como el azul vibrante y el verde botella. La segunda paleta hace referencia a lo tribal y se vincula con los tonos camuflaje: los falsos negros y los tonos que emulan la piel de los lagartos y las serpientes.

Conceptos clave: Protección, deportes extremos, outdoor y rol de ganador y vencedor

3. VISION

Una tendencia minimalista que apela a la juventud, la sostenibilidad y a tecnología. Se habla de las utopías: “Hablamos de las ganas de cambiar el mundo desde la happyterapia”, apunta Úrsula Uría. En esta corriente positiva no existe lo feo o lo raro ya que se considera que la belleza está en todas partes, siempre que no sea ofensiva.

Referencias visuales: Los modelos poco convencionales, la feria sostenible de Berlín, el proyecto colaborativo The Student Hotel, la última campaña de ASOS, las últimas campañas de Delpozo, la estética Agatha Ruiz de la Prada…

Siluetas: Las prendas confortables que presentan colores contrastados que sorprenden: amarillos con verdes, verdes con naranjas, naranjas con rosas… También los estampados arty que emulan los aerosoles desde un punto de vista fresco y juvenil, los escotes Bardot que conectan con la nueva sensualidad femenina. Los estampados juegan a divertirse como, por ejemplo, rayas con cuadros… siempre con un color de hilo conductor. Abundan las repeticiones geométricas.

Color: La primera paleta hace referencia a los tonos bebé en su versión más lechosa y descafeinada. La segunda apela a una gama de colores más sorbete con texturas gelatinosas.

Conceptos clave: Utopía feliz, eco conciencia, tecnológico soft, futuro positivo, romanticismo contemporáneo y ser solucionista.

4. SPOTLIGHT

Una tendencia maximalista que apela al glamour y al exceso con aires retro. Hace referencia a las fiestas al aire libre en terrazas y piscinas en escenarios como Las Vegas o Los Ángeles. “Vuelve la mujer sexy, excéntrica y atrevida inspirada en los años 50”, añade Uría.

Referencias visuales: Palm Spring, la pop up de Coco Chanel en Malasia con máquinas expendedoras de belleza, los clubes nocturnos, las fiestas exclusivas, el brilli-brilli, el art-decó, Los Ángeles de Charlie, la belleza de lo sexy, el denim, los brillos de las piscinas de día y de noche

Siluetas: Los vestidos, los monos, las túnicas largas, las mangas abullonadas, los escotes pronunciados… las prendas más sofisticadas en tejidos que irradian luz como lentejuelas o lamés. Se da mucha importancia al complemento. Se llevan también los estampados florales, pero con fondos oscuros

Color: La primera paleta se centra en el color dorado y sus tonos más envejecidos. También en la gama de marrones que recuerda al tabaco y el cuero. La segunda gama de color apela a los violetas, los rojos muy oscuros y los malva que le aportan ese toque sofisticado.

Conceptos clave: Glamour extravagante, hedonista glam, poder del pop, tropical, actitud positiva para tu cuerpo y nuevo empoderamiento.

Viernes 07 junio 2019

Gratacós en el Primavera Sound

Hay alianzas potentes, que funcionan a la perfección porque surgen de forma natural y espontánea. Y el resultado salta a primera vista cuando todo un engranaje de profesionales se coordina para conseguir un único objetivo, que va más allá de la sorpresa o la emoción. En este caso, hablamos de la unión entre la moda y la música a través de nuestras últimas colaboraciones que se han visibilizado en la pasada edición del Primavera Sound con nombres de peso dentro de cada disciplina. Sí, podemos decir coloquialmente que Gratacós ha saltado al escenario a través del vestuario de tres jóvenes artistas con muchísimo potencial: Rosalía, Nathy Peluso y María José Llergo.

¿En qué consistió la colaboración?

Siguiendo uno de nuestros principios como empresa que es el de apoyar a los futuros profesionales del sector, sean jóvenes talentos o diseñadores consolidados, y establecer sinergias con ellos, nos surgió un nuevo reto a principios de año muy motivador. Las firmas Dominnico, del diseñador alicantino Domingo Lázaro Rodríguez y la barcelonesa Colmillo de Morsa nos contactaron con un proyecto de colaboración entre las manos que nos enganchó des del primer momento. Estas firmas iban a diseñar en exclusiva el vestuario de Rosalía y de Nathy Peluso, unos diseños que las artistas exhibirían en primera persona durante sus giras promocionales por medio mundo. En el caso del Primavera Sound, también contamos con la colaboración de Manuel Bolaño que quería sorprender con un diseño ideado para la actuación de la cantante María José Llergo.

Estas firmas, que son amigos y clientes, buscaban algo innovador, exclusivo y de calidad para elaborar los vestuarios de las artistas. ¡Algo que causara auténtico furor por su creatividad y exclusividad! Ellos saben que nosotros, como creadores de tejidos, pueden contar con un surtido de propuestas que satisfacen estas necesidades. Es más, en ocasiones, es a través de la materia primera – en este caso el tejido- cuando van surgiendo desde el inicio, las ideas más disparatadas. ¡Y ese punto de experimentación -y algo de locura- nos encanta y nos divierte! Además, creemos firmemente en el proyecto de estas tres firmas y en las personas que hay detrás. Así que estuvimos encantados de colaborar en el proyecto de vestir a tres jóvenes divas de la música actual en el Primavera Sound.

Para la ocasión, Dominnico escogió un maravilloso Jacquard acolchado en rosa chicle con hilaturas irisadas para crear ese despampanante look de amazona que lució Rosalía en su actuación del Primavera Sound. Ese tejido estaba presente en el body que se enfundó la artista catalana con hombreras pronunciadas. El outfit se complementó con una chaqueta y unas perneras a juego, que se definían en la cintura con apliques dorados. Un outfit transgresor, inspirado en el estilo ‘Dirty’ de Christina Aguilera, que contó también con el diseño y estilismo de Daikyri, hermana de Rosalía. A nadie dejó indiferente este vestuario. Hablamos del valor seguro que supone Domminico, que ya cuenta como clientas a otras artistas de la moda y el espectáculo a nivel internacional como Lady Gaga que se ha vestido de la firma en tres ocasiones.

En el caso de Colmillo de Morsa, su reto era vestir a Nathy Peluso, la artista argentina afincada ahora en Barcelona que triunfa por su música: “es capaz de hacer hip-hop bailable y acompañado de jazz”, y por su estética trap que seduce a los jóvenes de la generación Z. De hecho, recientemente diseñó para Berskha una colección cápsula donde plasmó sus referentes estéticos. La diseñadora Elisabet Vallecillo eligió un bordado de algodón para confeccionar los metros y metros de volantes que utilizó para diseñar la espectacular falda en cascada y el top con escote cruzado que llevaba la artista argentina. El bordado era blanco y la diseñadora lo tiñó a posteriori para conseguir este tono rojizo tan exuberante para un atuendo inspirado en La Habana.

Por último, Manuel Bolaño se encargó de idear un espectacular abrigo para María José Llergo. La cantante cordobesa de 24 años, residente en el barrio de Gràcia de Barcelona, es una de las jóvenes promesas de la música de autor con canciones, que ella misma escribe y compone, con un estilo muy singular de raíz flamenca y muy vinculado a su tierra de origen. Bolaño escogió para ella un tafetán negro para confeccionar un precioso y contundente maxi abrigo que no pasó desapercibido entre los espectadores del Primavera Sound.

Lo más apreciado es que en los tres looks, los diseñadores respetaron la estética de cada artista, sin perder su esencia como creadores. Es aquí cuando se da esa fusión mágica entre moda y música. ¡Todo un arte!

Viernes 31 mayo 2019

Carlota Barrera despunta como diseñadora emergente

Recuerda su nombre porque no ha hecho más que empezar y su aura ya brilla con fuerza dentro del panorama de jóvenes talentos de la moda española. Se llama Carlota Barrera, tiene 26 años y proviene de Gijón. Ella iba para arquitecta, pero la moda se cruzó en su camino y su arriesgada apuesta por dar un giro contemporáneo a la moda masculina española ha convencido a los expertos que la han galardonado recientemente con el premio Vogue Who’s On Next 2019. Este galardón, que se entrega anualmente, es una iniciativa internacional de la revista Vogue, que en España supone el mayor premio de la moda española al tener una dotación de 100.000 euros de la mano de Inditex, que apoya la iniciativa desde la primera edición. Un premio económico en reconocimiento al talento que tiene como objetivo desarrollar un plan de negocio, e incluye también la inscripción automática en ACME (Asociación de Creadores de Moda de España), la posibilidad de participar en la siguiente edición de la pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, así como contar con el apoyo de la influyente revista.

El controvertido Jean Paul Gaultier, Presidente del Jurado, fue el encargado de desvelar el nombre de la ganadora durante la ceremonia. Los otros dos finalistas de esta octava edición fueron el diseñador sevillano Ernesto Naranjo y la pareja madrileña Oteyza. Este premio supone un respaldo para la carrera profesional de la diseñadora asturiana residente en Londres, tal y como ha venido ocurriendo en ediciones pasadas con ganadores como Marcela Mansergas, Juan Vidal, Maria Ke Fisherman, ManéMané, Moisés Nieto, Leandro Cano y Palomo Spain, galardonado en 2018. Carlota Barrera pasa así a formar parte de ese elenco de jóvenes prometedores de la moda española. La llamada Generación Who’s On Next.

Un giro a la moda masculina

Carlota Barrera es asturiana, pero reside en Londres. De hecho, su carrera empezó en la capital británica, después de sacarse un master en el London College of Fashion y tras trabajar en varias casas de alta costura. En 2018, la joven diseñadora decidió cumplir su sueño al apostar por una firma que sacudiera la moda masculina española bajo tres pilares básicos: la tradición, la artesanía y la responsabilidad. Esos son los fundamentos de las creaciones que alberga su firma homónima.

De hecho, su joven firma está constantemente implicada en la búsqueda e innovación de los mejores tejidos que provengan de unos procesos respetuosos con el medio ambiente. Y aunque su estudio se encuentra en Londres, desde donde realiza el desarrollo de la marca, presenta sus colecciones en España, y sus productos más emblemáticos son aquellos hechos con materiales que evocan su país de origen. “Somos una pequeña marca que considera imprescindible tener el control de la cadena de valor y poder mantener unos valores éticos y justos en todos sus procesos”, aseguró la diseñadora en la entrega del premio.

Carlota Barrera diseña para un público de 20 a 45 años. Un hombre joven que busca patrimonio, lujo y sofisticación en un tipo de prendas que siguen los mandatos de la sastrería clásica con sus patrones limpios y sus motivos artesanales, pero con un enfoque más moderno y estético. Lo de antes con una visión actual. Aunque su principal cliente sean hombres, Carlota Barrera también viste a mujeres que se sienten atraídas por la imagen masculina y su indumentaria. Entre sus principales objetivos se encuentra obtener notoriedad de marca, desarrollarla y realizar una expansión internacional haciendo hincapié a la moda autóctona y en la cultura de las raíces.

Su primera colección masculina fue “El Matador y el Pescador” y la misión que se marca en cada propuesta es conseguir la máxima calidad en sus colecciones, uniendo tradición y contemporaneidad para satisfacer la demanda del hombre más vanguardista. Esta inyección económica y el respaldo de Vogue pueden significar un cambio enorme en la proyección de Carlota Barrera y un buen empujón para tirar hacia adelante esta joven firma que tiene –y seguramente tendrá- mucho que explicar. La carrera de la diseñadora asturiana no ha hecho más que empezar.