Desfile Fely Campo en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

En Gratacós, seguimos de cerca las principales pasarelas de moda españolas, siempre atentos a descubrir cómo nuestros tejidos se convierten en piezas únicas llenas de creatividad. Nos fascina ver la transformación de nuestras telas en manos de los diseñadores, quienes logran dar vida a colecciones cargadas de personalidad y estilo propio. Esta conexión entre materia prima e inspiración es, sin duda, lo que más nos motiva a seguir apostando por la innovación y la calidad.

Durante la reciente edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada en febrero de 2025, tuvimos la oportunidad de comprobar nuevamente la confianza que muchos creadores depositan en nuestros tejidos para sus propuestas. El empoderamiento femenino, la sostenibilidad, la experimentación con las texturas y la apuesta por materiales que combinan tradición y tecnología han sido algunas de las claves de esta temporada, donde cada prenda no solo destaca por su estética, sino también por la historia que hay detrás.

A continuación, te mostramos una selección de los desfiles más destacados de la temporada Otoño-Invierno 2025/2026, donde nuestros tejidos se han dejado ver en la pasarela. Es un privilegio ver cómo cada diseñador explora nuevas formas de expresión y juega con las texturas para proponer tendencias que inspiran.

Desfile Fely Campo en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Fely Campo

Fely Campo ha presentado SELF><WORLD, una colección que invita a reflexionar sobre la relación entre nuestra identidad y el entorno. ¿Qué proyectamos al mundo? ¿Cómo se traduce nuestro “yo” interior en la imagen que mostramos? Con estas preguntas como punto de partida, la diseñadora salmantina propone un prêt-à-porter de lujo donde la esencia personal y la expresión externa se funden en un mismo lenguaje.

La colección otoño-invierno 2025/26 destaca por su equilibrio entre estructura y fluidez, jugando con materiales que evocan emociones y despiertan los sentidos. El tweed, con su textura envolvente, aporta calidez y remite a la tradición, mientras el terciopelo se presenta como un homenaje a la riqueza sensorial, combinado con lentejuelas y bordados que sugieren brillo contenido y sofisticación. La seda, ligera y etérea, se desliza entre las piezas aportando movimiento y suavidad, en contraste con tejidos más pesados como la lana, creando un diálogo visual entre lo robusto y lo delicado.

La paleta cromática se libera de convencionalismos, rompiendo los límites tradicionales del color. Tonos profundos se entrelazan con destellos luminosos, reflejando las múltiples facetas del “self” y la diversidad de estados emocionales. La versatilidad de las prendas permite que cada mujer se exprese a su manera, con diseños pensados para el día a día que no renuncian a la elegancia ni a la atemporalidad.

Fiel a su compromiso con la sostenibilidad, Fely Campo apuesta por piezas que trascienden lo efímero. Cada diseño está concebido para perdurar, resistiendo la urgencia de lo nuevo y abrazando la belleza que perdura en el tiempo. Las siluetas, refinadas y cómodas, realzan la figura femenina sin imponerse, dejando espacio para que la personalidad de quien las lleva sea la verdadera protagonista. SELF><WORLD es una invitación a reconocerse y mostrarse tal como uno es, con prendas que acompañan, envuelven y reflejan la autenticidad de cada mujer. Porque, como dice la propia diseñadora, “la belleza está en los ojos de quien la contempla”.

Desfile Johanna Calderón. Colección 2025/2026. Foto: Alberto Ramírez

Johanna Calderón

Johanna Calderón escogió el emblemático Four Seasons de Madrid para celebrar un desfile que representa un canto a la diversidad corporal. Cada diseño de la madrileña de corazón andaluz es una declaración de amor propio, una exaltación de la fuerza y la sensualidad femenina. Lentejuelas, pedrería y transparencias se apoderaron de la pasarela, dibujando siluetas que abrazan el cuerpo con cortes estratégicos que realzan la figura sin perder elegancia. Su colección se sumerge en un universo festivo donde cada prenda celebra la autoafirmación. Transparencias sutiles conviven con bordados meticulosos y tejidos que brillan con luz propia, concebidos para mujeres que quieren sentirse poderosas y radiantes. Más que moda, es un canto a la seguridad y el empoderamiento, con piezas que invitan a vestir desde la confianza y la libertad.

Para dar vida a esta propuesta, Calderón contó con la colaboración de Miah Management, la primera agencia española dedicada íntegramente a modelos curvy. “No fui capaz de encontrar un casting de modelos tan variado en ninguna otra agencia”, explica la diseñadora, firme defensora de la representación real de las mujeres. La diversidad fue, así, uno de los ejes centrales del desfile, con tallas que iban desde la 38 hasta la 56, reivindicando la belleza en todas sus formas. En definitiva, Johanna Calderón transforma el acto de vestirse en una experiencia cargada de significado, donde la sensualidad y la diversidad se entrelazan para rendir homenaje a la mujer actual: fuerte, segura y dueña de su propia historia.

Desfile Mans en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Mans

La colección de Mans, ganadora del premio L’Oréal a la mejor colección en la 81ª edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, se sumerge en la reinterpretación del traje femenino con una sastrería impecable que equilibra tradición e innovación. Liderada por el diseñador sevillano Javier Álvarez, la propuesta destaca por su cuidada construcción y atención al detalle, explorando siluetas estructuradas con líneas rectas y volúmenes fluidos que se adaptan a la figura femenina, respondiendo a las demandas de comodidad y elegancia contemporánea.

Entre las piezas clave destacan los trajes de corte británico con americanas de doble botonadura y grandes solapas, combinados con pantalones de tiro alto y pierna ancha, ajustados con fajines y lazadas que aportan un toque lúdico al conjunto. Los abrigos, en distintas versiones, llegan hasta los pies con solapas redondeadas y texturas envolventes, mientras que las camisas, tanto en su versión femenina como masculina, sorprenden con plisados horizontales y detalles de chorreras que añaden un aire romántico. Esta dualidad de género se refleja también en las blusas transparentes y faldas de corte mini y midi, que aportan versatilidad a la colección.

La paleta cromática, dominada por tonos neutros, se anima con acentos vibrantes como el rojo, el morado nazareno, el amarillo y el naranja, evocando un espíritu cosmopolita y audaz. El terciopelo, protagonista textil de la propuesta, rinde homenaje a la estética de los años 90 con Tom Ford como referente, mientras que las lanas de Scabal —tejidos icónicos que han vestido a personajes como James Bond o Vito Corleone— aportan un extra de sofisticación y herencia sartorial.

El reconocimiento a esta colección no solo celebra la excelencia del diseño, sino también la evolución de Mans hacia una moda que abraza la diversidad, la funcionalidad y el lujo contemporáneo, manteniendo siempre la esencia de la sastrería que define su ADN. Para Javier Álvarez, este galardón supone la recompensa a una colección “difícil de construir” y refleja la conexión de la firma con las necesidades de un público que busca piezas especiales y atemporales.

Desfile Malne en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Malne

En “Bohemian Future” Malne ha celebrado el glamour romántico y la esencia bohemia bajo una mirada futurista. La firma, fundada en 2016 por Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, vuelve a apostar por la moda lenta y la producción artesanal desde su atelier en Madrid, reafirmando su compromiso con la sostenibilidad y la creación de piezas atemporales. Con una narrativa que fusiona la estética boho chic de los años 70 con un enfoque urbano y contemporáneo, la colección viste a una mujer que juega con la moda sin perder de vista la responsabilidad medioambiental.

Las prendas clave exploran la dualidad entre la delicadeza y la estructura: las capas de tweed, de corte impecable, se combinan con túnicas fluidas y blusas vaporosas que se deslizan sobre la pasarela. Los vestidos de chiffon, voluptuosos y ligeros, se tiñen de colores intensos como el verde esmeralda, el rojo rubí y el clásico negro, tono fetiche de la firma. Las chaquetas, otro de los sellos distintivos de Malne, se presentan en versión fitted, realzando la silueta femenina con un toque sofisticado y urbano.

En cuanto a los materiales, la colección para el próximo invierno apuesta por tejidos nobles como el tweed, la gasa de seda, el cashmere, el gazar y las micropaillettes, que aportan textura y brillo sutil a las composiciones. Cada pieza está diseñada para transmitir fuerza y personalidad, reflejando el ADN de la firma y su enfoque en la moda como forma de expresión artística. “Esta colección habla de una mujer del futuro, consciente y libre, que no renuncia al lujo ni a la belleza de lo bien hecho”, comentan Álvarez y Mánez.

Con esta propuesta, Malne no solo reinterpreta el bohemio de luxe, sino que reafirma su lugar en el panorama de la moda española como referente de la alta costura contemporánea, donde la artesanía, la sostenibilidad y la exclusividad se dan la mano para crear prendas únicas y atemporales.

Desfile Menchen Tomás en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Menchen Tomas

BLITZ de Menchén Tomás es una colección que viaja al corazón del Londres de los años 80 para revivir el espíritu creativo y rebelde del legendario Blitz Club. Epicentro de la escena underground y cuna de la vanguardia estética y musical de la época, este mítico club inspira una propuesta que celebra la libertad de expresión y la audacia estilística, reinterpretadas desde una mirada contemporánea.

La firma liderada por Olga Menchén apuesta para la próxima temporada por piezas que invitan a jugar con la moda como acto creativo y personal. Sedas delicadas, crep estructurado, triacetato y chantillí conforman una selección de tejidos que ofrecen movimiento, textura y una sensación de lujo táctil. La paleta cromática evoluciona desde la sobriedad del blanco y negro hasta matices metálicos, verde eucalipto, azul porcelana y rosa palo, evocando emociones que complementan el dinamismo de las prendas. Las siluetas exploran volúmenes y estructuras que dialogan con la experimentación estética del Blitz Club. Los diseños se atreven a descontextualizar prendas y materiales tradicionales, proponiendo túnicas, blusas oversize, pantalones de corte recto y vestidos que juegan con capas y transparencias. Cada look es una invitación a liberarse de las normas establecidas y abrazar la moda como forma de autoexpresión.

Más allá de la estética, BLITZ plantea una reflexión sobre la sostenibilidad y la importancia de dar una segunda vida a los materiales. La firma reivindica la artesanía local y el valor del trabajo hecho en España, garantizando un control minucioso de cada fase de producción y reafirmando su compromiso con la calidad y la responsabilidad medioambiental.

Esta colección es una oda a la osadía creativa y a la identidad libre, donde cada prenda busca inspirar y empoderar a quienes la llevan. Para Menchén Tomás, vestir es mucho más que cubrirse: es atreverse a imaginar y expresar quiénes somos.

Desfile Yolancris en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colección 2025/2026

Yolancris

YOLANCRIS, la firma barcelonesa fundada por las hermanas Yolanda y Cristina Pérez, ha presentado su nueva colección bajo la línea YC prêt-à-porter: una reinterpretación contemporánea de la extravagancia y el arte de vivir de la marquesa Luisa Casati. Inspirada en esta icónica figura del siglo XX, la propuesta rinde homenaje a la mujer empoderada que convirtió su vida en una obra de arte, desafiando las normas establecidas de su época.

La nueva propuesta se mueve entre tres pilares creativos: el Modernismo catalán, la libertad irreverente de los años 70 y la herencia artística de Mariano Fortuny. El resultado es una serie de piezas que exploran la dualidad entre opulencia y funcionalidad, manteniendo la esencia artesanal que define a la casa desde 2005. Las túnicas y abrigos envolventes se combinan con pantalones de corte setentero y maxi blusas, mientras los vestidos rectos incorporan detalles art decó que aportan sofisticación sin excesos.

En cuanto a los materiales, Yolancris despliega un universo textil que enfatiza la calidad y la textura. El cuero y el encaje —éste último trabajado con la técnica del plisado soleil— conviven con terciopelos ricos y gasas de seda que aportan ligereza y movimiento. Los bordados artesanales y los detalles ornamentales hechos a mano subrayan el compromiso de la firma con la excelencia en la confección y el savoir-faire local. Esta combinación de tejidos pesados y etéreos crea un contraste visual que, a la vez, refuerza la versatilidad de la colección.

La paleta de colores transita entre tonalidades oscuras y neutras —como negros intensos y grises profundos— y acentos más vibrantes que evocan el espíritu libre de la década de los 70. La propuesta de Yolancris no solo busca vestir, sino también empoderar: cada prenda es una declaración de libertad, pensada para la mujer contemporánea que valora la comodidad sin renunciar a la elegancia.

Esta primera incursión de la línea YC prêt-à-porter en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid representa un paso importante para la marca, que reafirma su compromiso con la producción local y la sostenibilidad. Yolancris demuestra que la moda cotidiana puede ser un vehículo de autoexpresión y autenticidad, fusionando tradición y modernidad con un enfoque sofisticado y actual.

En Gratacós siempre miramos hacia el futuro. Como proveedores de tejidos para las grandes casas de costura, tenemos que anticiparnos a lo que vendrá antes que nadie. Actualmente, ya estamos ideando los tejidos que formarán parte de las próximas temporadas, por lo que, a nivel creativo, 2025 nos queda un poco lejos, a pesar de ser el presente más inmediato. Aun así, te damos pistas de las macrotendencias que empezaremos a recorrer este año.

La moda como reflejo del futuro

Ya se sabe: la moda siempre ha sido un espejo de los cambios culturales, sociales y tecnológicos del momento, y 2025 no será una excepción. Como macrotendencia, este año promete ser un punto de inflexión en el que la creatividad se une a la sostenibilidad y la innovación para dar forma a una nueva visión del lujo. En el corazón de esta transformación, que Gratacós ya inició hace unos años, están los tejidos: artículos sostenibles cargados de significado que no solo envuelven el cuerpo, sino que también transmiten valores y son más respetuosos con el medio ambiente y las personas.

En un mundo interconectado que busca reconectar constantemente con lo esencial sin perder de vista la novedad, los colores, texturas y materiales que marcarán tendencia en 2025 se convierten en un lenguaje universal. Desde paletas cálidas y envolventes hasta tonalidades metalizadas que evocan tecnología y experimentación, cada elección cromática nos invita a imaginar el futuro a través de un prisma único.

¡Acompáñanos a descubrir las claves que definirán la moda en tejidos este año!

Tendencias en colores: lo natural con lo tecnológico

En 2025, los colores serán mucho más que una elección estética: serán una declaración de intenciones que reflejará aspiraciones y conexiones profundas. Las tonalidades se dividirán en dos grandes corrientes: aquellas que buscan reconectar con la naturaleza y lo esencial, y otras que abrazan la innovación y las ansias de imaginar el futuro.

Dentro de la primera corriente destacan las tonalidades tierra evolucionadas: marrones arcillosos, beiges ahumados y verdes musgo dominarán las paletas naturales. Estas tonalidades invitan a la calma y la introspección, recordándonos nuestra conexión con el mundo natural. Son colores perfectos para tejidos como algodón orgánico, lino o lana reciclada, que refuerzan esta narrativa sostenible.

También llegan con fuerza los azules acuáticos y los tonos oceánicos inspirados en la serenidad del agua y la necesidad de proteger los ecosistemas marinos. Los azules profundos y los verdes esmeralda se convertirán en protagonistas hacia la temporada estival, aportando frescura y un toque de misterio. Son ideales para materiales satinados o con acabados brillantes.

En verano, los llamados pasteles polvorientos ganarán protagonismo. Se trata de una versión más madura y nostálgica de los colores suaves: rosas pálidos, lavandas empolvados y amarillos mantequilla serán clave para piezas delicadas que transmiten sensibilidad y ligereza.

En el otro espectro cromático, siguiendo la corriente tecnológica, destacan los metalizados futuristas. Plata líquida, dorados suaves y tonos iridiscentes marcarán una narrativa futurista y audaz. Estos colores simbolizan la fusión entre tecnología y moda, representando un lujo vanguardista. Se verán en tejidos como el lamé, la seda metalizada y materiales innovadores con efectos lumínicos.

Tendencias en texturas y relieves: lo táctil con lo emocional

Este año, las texturas y los relieves se consolidarán como elementos clave para transformar los tejidos en experiencias sensoriales. La tridimensionalidad y la riqueza táctil invitan a explorar superficies que estimulan tanto la vista como el tacto, creando un diálogo único entre la prenda y quien la lleva.

A grandes rasgos, destacan las siguientes tendencias:

1) Plisados artísticos: Los pliegues y drapeados evolucionan para ofrecer volúmenes esculturales y formas arquitectónicas. Estos efectos, aplicados en materiales ligeros como organzas o gasas, aportan un aire etéreo y sofisticado a las prendas.

2) Acabados rugosos y naturales: Inspirados en materiales orgánicos como la corteza de los árboles o las superficies rocosas, los tejidos con texturas granuladas o desiguales transmiten una sensación de autenticidad y conexión con la naturaleza.

3) Bordados en relieve: Los bordados tridimensionales, como flores o figuras abstractas que sobresalen del tejido, aportan un toque artesanal y exclusivo. Estos detalles son ideales para prendas de noche y alta costura.

4) Superficies acolchadas: Inspiradas en la tendencia comfortwear, las texturas acolchadas se reinterpretan para el lujo, con patrones geométricos y acabados satinados que combinan comodidad y elegancia.

5) Efectos holográficos: En la línea futurista, las superficies con efectos ópticos o iridiscentes añaden una dimensión lúdica y experimental a los tejidos, destacándose en colecciones de vanguardia.

Tendencias en materiales: las fibras que se asientan

La búsqueda de sostenibilidad y tecnología convergerá en materiales que redefinen lo que significa el lujo. En 2025, los tejidos no solo serán estéticos y funcionales, sino también responsables con el medio ambiente y pioneros en su composición.

Bajo esta premisa, las fibras regenerativas y materiales como el Tencel Luxe, elaborado a partir de celulosa regenerada, ofrecen una alternativa ecológica con un acabado suave y brillante que compite con la seda tradicional. También proliferan los tejidos inteligentes, capaces de regular la temperatura, medir signos vitales o incluso adaptarse a las condiciones climáticas en tiempo real.

Los biomateriales experimentales ganan terreno, aunque su uso aún no se ha internacionalizado. Por ejemplo, hilos creados a partir de micelio (estructura de los hongos) o algas marinas representan un nuevo capítulo en la moda sostenible, con materiales biodegradables y visualmente impactantes. La biotecnología también permitirá producir seda sintética que imita las propiedades del material natural, pero con un impacto ambiental mucho menor.

Por último, la economía circular seguirá ganando protagonismo con materiales reciclados, como poliéster proveniente de botellas de plástico o cuero vegano fabricado a partir de restos de frutas como la piña o el mango.

A grandes rasgos, 2025 se perfila como un año de transformación en el ámbito de los tejidos de lujo, donde creatividad, sostenibilidad e innovación convergen para dar forma a nuevas expresiones de la moda. Los colores, texturas y materiales ya no son meros adornos, sino herramientas para contar historias que conectan con las emociones, los valores y las aspiraciones de una nueva era.

Desde Gratacós seguiremos trabajando para sorprenderte con lo que es nuestro savoir faire desde 1940: la creación y producción de tejidos de primera calidad.

Aquí te dejamos algunos artículos que te harán soñar este 2025.

Mocha Mousse.Cortesía de Pantone

Imagínate un postre cremoso que combine los aromas del cacao, el chocolate y el café, con texturas evocadoras y una intensa tonalidad marrón que despierta tanto la vista como el paladar. Esa imagen sugerente, que mezcla cotidianidad y pequeños placeres, conecta directamente con el color del año 2025 elegido por Pantone: 17-1230 Mocha Mousse. Esta tonalidad, descrita por la compañía como “un marrón suave y evocador, pero también intenso y cálido”, invita a nuestros sentidos a disfrutar del placer y la exquisitez.

Un color que abre el apetito

Mocha Mousse, sugerente e inspirador, toma el relevo de Peach Fuzz 13-1023, el delicado tono melocotón que fue el color del año 2024. “Inspirado en nuestro deseo de placeres cotidianos, 17-1230 Mocha Mousse expresa un nivel de placer reflexivo”, explica Leatrice Eiseman, directora ejecutiva del Pantone Color Institute, en el nuevo comunicado que anuncia tal esperada revelación. “Sofisticado y exuberante, pero al mismo tiempo un clásico sin pretensiones, este color amplía nuestra percepción de los marrones como tonos humildes y sencillos a abrazar la aspiración y el lujo. Impregnado de sutil elegancia y refinamiento terrenal, presenta un toque de glamur discreto y de buen gusto”, asegura Eiseman.

Conectar con los orígenes

Aunque en las redes sociales algunos han criticado la elección del marrón, asociándolo al periodo actual de inestabilidad y falta de autenticidad, Pantone defiende su decisión destacando la creciente búsqueda de conexión con la naturaleza y los orígenes de la humanidad. “Caracterizado por su naturaleza orgánica, 17-1230 Mocha Mousse honra y celebra el sustento que nos ofrece nuestro entorno físico. Impregnado de autenticidad, encuentra el equilibrio entre las exigencias de la modernidad y la belleza atemporal de la creación artística”, explica la compañía.

Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute, describe Mocha Mousse como una extensión del Peach Fuzz que le precedió, compartiendo su esencia de comodidad, pero llevándola un paso más allá al incluir “los placeres simples que podemos regalar y compartir con los demás”, como una copa de mousse de moca. “La eterna búsqueda de la armonía permea todos los aspectos de nuestra vida: nuestras relaciones, el trabajo que hacemos, nuestras conexiones sociales y el entorno natural que nos rodea. Este color nos aporta satisfacción, inspirando un estado positivo de paz interior, calma y equilibrio, mientras nos sintoniza con el mundo que nos rodea. La armonía abarca tanto una cultura de conexión y unidad como la síntesis de nuestro bienestar mental, espiritual y físico”, detalla Pressman, subrayando cómo este tono refleja ese anhelo de conexión y equilibrio.

Mocha Mousse.Cortesía de Pantone

¿Cómo se gesta el color del año?

Pantone, la autoridad mundial en color y creadora de estándares profesionales para la comunidad del diseño, comenzó a definir el color del año en 1999. La primera elección fue el icónico azul cerúleo (Pantone 15-4020), una tonalidad que alcanzó fama mundial gracias a la película El diablo viste de Prada, estrenada siete años después. En esta cinta, Meryl Streep, como la temida editora de Vogue, inmortalizó el color con un inolvidable discurso sobre moda dirigido a Anne Hathaway: “Lo que no sabes es que ese jersey no es solo azul. No es turquesa, ni es marino. En realidad, es cerúleo”.

El objetivo inicial de esta iniciativa era generar conversación en torno al color, involucrando tanto a la comunidad del diseño como a los entusiastas del tema. Pero elegir el color del año no es un proceso sencillo ni arbitrario. Detrás de esta decisión hay un riguroso análisis. Cada año, un comité de expertos en color estudia tendencias culturales, artísticas y sociales a nivel mundial para identificar referencias significativas. A partir de este análisis, seleccionan un color ya existente dentro del catálogo de Pantone y lo bautizan con un nombre fácil de recordar.

A lo largo de los años, estas elecciones han reflejado el contexto socioeconómico global: desde el Marsala, que evocaba el mundo del vino en 2015, hasta la doble elección de 2021 —el amarillo Illuminating y el gris Ultimate Grey— que simbolizaba los desafíos de la pandemia. En 2022, Very Peri, un atrevido tono lavanda, conectó el mundo real con el digital. Más allá de su belleza, estos colores invitan a una reflexión sobre los tiempos que vivimos.

En 2010, Pantone amplió su alcance más allá del nicho del diseño para conectar con el público general, adaptándose a nuevas disciplinas creativas inspiradas por el color. Fue entonces cuando surgieron dos iniciativas clave: el Pantone Color Institute y el Color of the Year. Estas propuestas no solo investigan y promueven el uso del color, sino que también han transformado la estrategia de marketing de la marca, convirtiéndola en una tendencia global. Hoy en día, el color del año influye directamente en el desarrollo de productos y en las decisiones de compra en sectores como la moda, la decoración, el diseño y la publicidad.

La guía Pantone, que comenzó con 500 colores para las artes gráficas, ahora cuenta con más de 2.000 referencias. Cada 18 meses se añaden nuevos tonos cada vez más precisos, reflejando la evolución del color en nuestra vida cotidiana. Actualmente, Pantone es una multinacional con una sólida presencia global. Desde su adquisición por X-Rite, una empresa especializada en gestión del color, la compañía ha crecido exponencialmente. Con 17 oficinas alrededor del mundo, Pantone comercializa desde sus famosas guías hasta productos de marca y alianzas estratégicas. Ejemplos recientes incluyen colaboraciones con Motorola para smartphones, ediciones especiales de botellas de Jägermeister, e incluso cápsulas de café en asociación con Nespresso, una alianza que despierta la pregunta: ¿habrán inspirado estas cápsulas la elección del color de este año?

En 2025, para celebrar el 26º aniversario del Pantone Color of the Year, la empresa ha llevado el color más allá de sus guías, destacándolo en eventos y experiencias globales. Desde Nueva York y Londres, hasta Shanghái y Bombay, Pantone ha organizado espacios públicos y encuentros para hacer que el color del año sea accesible para todos.

La elegancia apacible del Mocha Mousse: aplicaciones en moda y diseño

En el mundo de la moda, el Mocha Mousse se posiciona como una tonalidad neutra de gran versatilidad. Apodado “el color de la elegancia sin pretensiones”, este tono destaca por su capacidad para crear looks cálidos y minimalistas que se fusionan con las distintas tonalidades de piel, generando un efecto de camuflaje cromático. El color del año 2025 también redefine nuestra percepción del marrón, llevándolo de lo humilde y terrenal a lo lujoso y aspiracional.

Si lo trasladamos al universo textil, Mocha Mousse ofrece infinitas posibilidades. Su calidez sensorial se refleja en tejidos de tacto delicado como la cachemira, el angora, el terciopelo mullido y las texturas peludas que envuelven y reconfortan. También resplandece en materiales más ligeros como gasas vaporosas, satenes fluidos o tejidos de punto que aportan movimiento y elegancia drapeada. Este tono, impregnado de refinamiento terroso, encarna un lujo orgánico y auténtico, promoviendo looks minimalistas que apuestan por la sencillez sin artificios.

Mocha Mousse también se adapta a diversas texturas y acabados. Desde superficies mates que resaltan su naturalidad hasta acabados brillantes o metalizados que le otorgan un toque sofisticado, este color funciona como una base perfecta para combinaciones cromáticas audaces o estilismos monocromáticos llenos de profundidad.

En decoración e interiorismo, Pantone 17-1230 Mocha Mousse conecta con nuestro deseo de bienestar y confort. Este marrón terroso y refinado aporta una sensación de hogar cálido, ya sea en suelos, paredes pintadas o elementos decorativos. Su presencia destaca en materiales naturales como la madera, la piedra, el ratán, el mimbre o el cuero, ofreciendo un equilibrio entre la sofisticación y la calidez hogareña.

En Gratacós, hemos seleccionado algunos tejidos clave que conectan este color del año con nuestra nueva colección. Desde texturas lujosas hasta acabados versátiles, encontrarás inspiración para llevar Mocha Mousse a tus proyectos de moda y diseño.

 

Collage de inspiración cowboycore. Fotos: Joplin Atelier, Free Form Style y Vanessa Mooney’s.

Cada año nos deleitamos con una nueva microtendencia que sacude la moda de temporada de forma caprichosa. El estilismo de una artista influyente, la última colección de una firma de lujo, un disco revolucionario, una película taquillera o las tendencias que más corazones y likes acumulan en TikTok o Instagram. Las redes sociales, que ya de por sí crean sus propios flechazos, influyen en la creación de estas tendencias pasajeras que llegan a los consumidores como un vendaval y se instauran en las editoriales y bazares de moda, reforzándose también en los escaparates de las tiendas de fast fashion. Otro fenómeno que confirma una microtendencia es que tan pronto emergen, tan rápido desaparecen.

Si el año pasado el foco de la moda iluminaba las microtendencias Barbiecore y Mermaidcore, inspiradas en la muñeca de Mattel y el magnetismo de las sirenas, esta temporada primaveral experimenta un cambio de registro, centrándose en la estética de los vaqueros del Salvaje Oeste. Y sí, Beyoncé y su nuevo álbum country tienen mucho que decir al respecto. En efecto, el estilo cowboycore sale de las grandes llanuras estadounidenses para capturar la imaginación de diseñadores, celebridades y el público en general con una interpretación contemporánea del western que renueva códigos de estilo para acercarse a la nueva generación, pero mantiene sus señas de identidad.

¿Por qué vuelve la cowboymanía? La actual resurgencia del cowboycore puede atribuirse a una mezcla de nostalgia y un deseo de autenticidad. En un mundo cada vez más digital y globalizado, las personas buscan conectar con estilos que evocan una sensación de historia y tradición. Además, la tendencia hacia lo sostenible y lo artesanal ha hecho que las prendas clásicas del oeste, muchas de las cuales están hechas de materiales duraderos, sean aún más atractivas.

Orígenes de la tendencia

El cowboycore encuentra sus raíces en la moda western, una estética recurrente en la cultura popular desde hace décadas. Las clásicas películas del oeste, las nuevas adaptaciones, las series de televisión de los años 60 y la música country, con artistas que captan la esencia de la América profunda, han ayudado a mantener esta moda que se percibe como un símbolo de libertad y rebeldía. Las prendas clave de esta tendencia incluyen todo tipo de ropa vaquera, chaquetas de cuero y ante con flecos, vestidos largos con volantes y camisas con motivos de flores o estampado de cuadros. En cuanto a accesorios, son indispensables las botas country, sombreros de ala ancha y cinturones con grandes hebillas metalizadas. Todo esto en una fusión de estilos y otras tendencias, como el glam y el streetwear, creando looks únicos y eclécticos. Así se ha percibido en las calles de Milán y París entre estilistas e influencers que han lucido su propia interpretación de la estética cowboy -o cowgirl-, coincidiendo con las principales semanas de la moda.

El cowboycore ha sido protagonista en varias colecciones de moda para 2024 y 2025, demostrando su relevancia y adaptabilidad. Algunas casas de moda destacadas que han adoptado esta tendencia son, por ejemplo, Dior en su colección Pre-Fall 2024, con chaquetas de cuero con flecos y botas de vaquero decoradas. También Balmain, con Olivier Rousteing incorporando elementos de la microtendencia en su colección Primavera/Verano 2024, fusionando la estética western con detalles glam y futuristas. Calvin Klein reinterpretó la estética en cuestión con líneas limpias y una paleta de colores neutros, destacando la durabilidad y el estilo clásico. A principios de año, Pharrell Williams se inspiró en el viejo Oeste y colaboró con artistas de Dakota y Lakota en su colección masculina para Louis Vuitton, llenando la pasarela de corbatas de bolo con piedras turquesa, botas cowboy de puntera afilada (estampadas, por cierto, con cactus) y vaqueros desgastados que parecían llevar encima varios rodeos. Por último, en las propuestas de Ralph Lauren o Roberto Cavalli también se pueden encontrar guiños a la estética de la América profunda.

Foto: Joplin Atelier

La moda cowboy entre artistas influyentes

Las celebridades juegan un papel crucial en su popularización. Una de las figuras más influyentes en hacer gala de esta tendencia es Beyoncé, quien, más allá de su nuevo álbum de música country, ha incorporado el estilo del Lejano Oeste en su vestuario de escenario y en sus videos musicales. Su gira ‘Renaissance’ ha sido testimonio de numerosos looks inspirados en la tendencia, con un toque moderno y glamoroso, consolidando su estatus como la reina de esta moda.

Artistas como Lil Nas X y Miley Cyrus también han abrazado la estética western, combinando elementos del oeste con toques modernos. El rapero estadounidense ha hecho de este estilo una parte central de su imagen, vistiendo botas de vaquero y sombreros en sus actuaciones y videos musicales. Kacey Musgraves, una estrella del country, también ha popularizado el cowboycore, mezclando elementos tradicionales del oeste con detalles brillantes y futuristas en sus atuendos de escenario. Su estilo ha influido tanto en la moda country como en la moda mainstream.

La relación entre la moda y la música es profunda y simbiótica, y el cowboycore es un claro ejemplo de esto. La música country ha sido una fuente constante de inspiración para la moda western, y viceversa. Artistas como Orville Peck, con su enigmático estilo y máscara de vaquero, han llevado el estilo a nuevas audiencias, fusionando la estética western con un toque más teatral, pero sofisticado a la vez.

El género pop también ha adoptado elementos con artistas como Billie Eilish y Post Malone incorporando botas de vaquero y chaquetas de mezclilla en sus estilos personales, mostrando la versatilidad y el atractivo universal de esta tendencia.

Más allá de la música

El impacto de la microtendencia se extiende más allá de la moda y la música, infiltrándose en otros ámbitos culturales como el cine, la televisión y las artes visuales. Películas y series de televisión recientes, como “Yellowstone” y “The Power of the Dog”, han presentado personajes con estilos que reflejan la moda western, contribuyendo a su resurgimiento.

En el arte contemporáneo, la estética cowboycore se manifiesta en obras que exploran temas de identidad, nostalgia y rebelión. Artistas visuales como Richard Prince han incorporado elementos del oeste en sus obras, creando un diálogo entre la cultura popular y el arte de alta gama.

Estos son solo algunos ejemplos de cómo esta microtendencia ha demostrado su capacidad para evolucionar y adaptarse a nuevos lenguajes contemporáneos, creando una fusión única de estilos. Desde las pasarelas hasta las calles, y desde la música hasta el arte, el cowboycore continúa influyendo y siendo influenciado por diversos ámbitos culturales. Su atractivo duradero y su capacidad para reinventarse aseguran que seguirá siendo una fuerza relevante en la moda y en otros contextos.

En Gratacós hemos encontrado en la actual colección algunos tejidos que nos remiten sutilmente a esta estética. Aquí te dejamos nuestras inspiraciones:

Gratacós se viste de blanco para inaugurar una nueva temporada nupcial en 2025. Durante semanas, hemos estado promocionando las novedades en tejidos para novias a través de diversas actividades: un cambio de escaparate, los nuevos talleres que impulsamos en nuestro espacio en Barcelona, y también hemos echado un vistazo a la nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, el epicentro de la moda nupcial internacional en la ciudad condal.

Joel Miñana

La temporada de moda nupcial siempre empieza con el estreno de un nuevo escaparate dedicado a las novias. Esta nueva ventana hacia el público sirve para exhibir el moulage ganador del concurso que Gratacós promueve junto con la escuela IED Barcelona: el premio de la Bridal Scholarship for Talent 2024. En esta ocasión, la ganadora del concurso ha sido Jone González, estudiante de posgrado en diseño de vestidos de novia y ceremonia.

La propuesta de Jone González lleva por título ‘Musa’ y forma parte de una colección más amplia inspirada en esculturas de coral. El diseño en primera instancia se elabora con tela de algodón básica (natural y orgánica), creada con la técnica de moulage utilizada en alta costura, donde se moldea directamente el tejido sobre el maniquí para crear la forma deseada. En esta ocasión, el vestido nupcial que se exhibe en el escaparate está elaborado con nuestros tejidos: doble crepe Ebro y raso Venus. Su diseño destaca por un escote palabra de honor y silueta peplum marcada por un cuerpo ajustado con motivos florales y volantes que le dan fluidez en la cintura. La falda se ajusta al cuerpo a modo de sirena y realza las curvas femeninas. Para complementar la propuesta de Jone González, que se convierte en el foco del escaparate, se incluye un exuberante jardín floral elaborado por la escuela de diseño floral y paisajismo de Barcelona.

Taller de ilustración de moda nupcial. Joel Miñana

Para continuar con la celebración del mes de la moda nupcial por excelencia, en Gratacós también tuvimos el placer de invitar al ilustrador Joel Miñana para impartir un nuevo taller de dibujo en nuestro espacio en Barcelona. Durante esta sesión creativa, Miñana alentó a los participantes a explorar el arte de diseñar vestidos de novia utilizando algunos de nuestros tejidos de la nueva colección, además de otros materiales, para experimentar con los colores y las texturas de las composiciones. Como era de esperar, el taller fue un éxito de asistencia.

Por último, los tejidos nupciales de Gratacós también estuvieron presentes en la última edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, que reúne anualmente las últimas tendencias del sector a través de desfiles de las firmas y diseñadores más destacados a nivel mundial, seguido de un espacio de negocios que congrega a 400 marcas y compradores de 80 países, según un comunicado de Fira de Barcelona. En total, en el mayor evento de moda nupcial se presentaron las colecciones de 37 diseñadores españoles y extranjeros que apostaron por mezclar la tradición con un toque de transgresión vanguardista para satisfacer las demandas de las novias actuales.

Como es habitual, Gratacós siguió de cerca las nuevas colecciones nupciales de diseñadores que suelen confiar en sus colecciones bridal, ofreciendo artículos que van desde tejidos lisos como crepes, satenes, organzas y mikados hasta elaborados jacquards florales, bordados con relieve, exquisitas gasas y flores 3D. Puedes descubrir el universo de posibilidades en tejidos nupciales aquí.

En esta ocasión, no nos perdimos los desfiles de Mariano Moreno, Isabel Sanchís, Jesús Peiró, Sophie Voilà, Alicia Rueda, Olga Macià y Yolancris, quienes presentaron excelentes propuestas nupciales que se adaptan a la multiplicidad de estilos y gustos de las novias (y algún novio) de la generación Z.

Olga Macià. Barcelona Bridal Fashion Week 2024

Algunas tendencias que se afianzan en 2024

Como creadores de tejidos, en Gratacós nos esforzamos por anticiparnos a las tendencias futuras, pero también seguimos aquellas que finalmente se consolidan para poder satisfacer la demanda del mercado. Desde los diseñadores influenciados por las pasarelas hasta los fenómenos que emergen en las redes sociales y captan la atención del sector. Sumergiéndonos en los looks que se repiten colección tras colección o que acumulan más “me gusta” en Instagram o TikTok, aquí te ofrecemos un breve resumen de por qué triunfan los vestidos con toques románticos, pero también los diseños de líneas minimalistas y algunas notas ornamentales de inspiración teatral.

En líneas generales, los contrastes son los protagonistas en todos los detalles: desde la combinación de tejidos que ofrecen una diversidad de texturas hasta los motivos de aspecto artesanal. En cuanto al diseño, conviven dos tendencias completamente opuestas: desde la novia minimalista que apuesta por el slipdress o la inspiración lencera en seda hasta los diseños de cortes limpios y patrones depurados, pasando por la novia que sueña con llevar un vestido de inspiración medieval con mangas de ángel, escotes en pico y talles muy altos o cortes en la cadera. Otro fenómeno en tendencia son los diseños mediante layering para bodas más allá del verano. Vestirse mediante capas e ir descubriendo poco a poco diferentes partes de un look no es nuevo, pero sí es una tendencia en alza al desestacionalizarse las ceremonias. Triunfan los vestidos de novia desmontables y transformables que se adaptan a cada ocasión.

Las siluetas de los diseños nupciales también evolucionan. Las novias en 2024 buscan añadir una nota diferencial a su vestido o conseguir un efecto sorpresa mediante asimetrías y cut outs que van desde el cuerpo hasta la falda y rompen con la silueta tradicional. Este fenómeno encaja además en todos los estilos, desde los más clásicos hasta los más vanguardistas.

Mariano Moreno. Barcelona Bridal Fashion Week 2024

¿Vestidos largos o vestidos cortos? Para la ceremonia religiosa, el vestido nupcial es largo, pero cada vez más triunfan los diseños minis que se convierten en la opción perfecta para una pedida, una preboda, una postboda o para enlaces civiles. Si hay una tendencia que se afianza en los últimos años, es la de mostrar las piernas entre las novias más jóvenes.

Por último, en cuanto a detalles, las flores lideran las preferencias de las nuevas novias y están presentes en los vestidos de múltiples maneras: en tejidos, aplicaciones, ornamentos, cuerpos bordados, y estas no tienen por qué ser blancas, sino que predominan los motivos florales de colores. También llegan los lazos en los vestidos de novias, inspirados por la tendencia coquette que aboga por una visión ultra femenina de la silueta.

Lazos, volantes, tonos pastel y vestidos baby doll se fusionan para elevar un estilo hiperfemenino de alma barroca que busca la artificiosidad. El maximalismo se despliega en todo su esplendor. Nos referimos a la estética coquette, cuyo reinado parece no vislumbrar su fin, al menos en esta temporada primavera-verano que acabamos de iniciar. Si bien esta tendencia no es realmente nueva, en los últimos meses ha alcanzado un nivel de viralidad notable en las redes sociales, específicamente en TikTok a principios de 2024. Con la etiqueta #coquette, esta plataforma de vídeos instantáneos, que cautiva especialmente a la Generación Z, acumulaba más de 18 mil millones de visualizaciones. Esta cifra supera con creces a su principal competidora, Instagram, que registraba cerca de 1,5 millones de publicaciones relacionadas.

Este fenómeno evidencia cómo una estética que parecía relegada al olvido, a excepción de ciertas tribus urbanas japonesas, resurge con fuerza y vuelve a situarse en el centro de atención de la moda actual. Ya sabemos que a la nueva generación de jóvenes les fascina el elemento nostálgico, en un fenómeno que los expertos han calificado como un revisionismo estético de tendencias del pasado.

¿Cómo se identifica el estilo coquette?

Entre todas las descripciones ofrecidas para definir este estilo que fusiona a la perfección feminidad, inocencia, dulzura y suavidad, destaca la proporcionada por la estilista Marisa Ledford en la revista People, quien lo describe como “un estilo hiperfemenino que hace referencia a la época victoriana de la Regencia, donde los vestidos de muñeca, los volantes, los lazos y los colores pastel son los elementos distintivos”.

Esta corriente experimentó un repunte en 2010, coincidiendo con dos fenómenos culturales que generaron gran interés durante meses y que, a su vez, alimentaron la industria de la moda: el estreno de la película ‘María Antonieta‘ de Sofia Coppola y el ascenso de Lana del Rey como uno de sus principales iconos de estilo. De hecho, la cantante y compositora volvió a estar en boca de todos recientemente gracias a la campaña que protagonizó para la firma Skims con motivo de la celebración de San Valentín. Esta campaña incluía todas las referencias que identifican a la corriente coqueta: lazos en abundancia, transparencias, gatos y tejidos delicados como el satén y el encaje.

Recientemente, otro fenómeno cinematográfico ha dado un nuevo impulso al estilo hiperfemenino y, de paso, hiperbólico: la película de ciencia ficción ganadora del Oscar, ‘Poor Things‘, que ha obtenido, entre otras distinciones, el premio al mejor vestuario. Esta película caracteriza a su protagonista, Bella Baxter, como una mujer victoriana con un guardarropa que revoluciona lo clásico al mantener una mirada contemporánea que se refleja en cada uno de los excéntricos y estimulantes looks en cuanto a forma, volumen, relieve y color. Creaciones como vestidos de volantes y mangas abullonadas, bombachos victorianos, largas batas de seda o fastuosos camisones dejan al espectador boquiabierto y recuerdan al estilo en cuestión: lo coquette engancha.

Por otro lado, el hecho de que esta tendencia siga más viva que nunca también queda corroborado por marcas de moda que hacen del estilo coquette su seña de identidad habitual. Por ejemplo, en su colección de primavera-verano 2024, Rodarte se inspiró en un jardín de flores y en las siluetas de la década de los 30. Asimismo, Simone Rocha presentó para la misma temporada lazos voluminosos, encaje, tul y flores como los grandes protagonistas de su colección, tanto en su propuesta femenina como masculina. No es necesario revisar las tendencias de las grandes marcas, ya que también los pequeños diseñadores apuestan por este estilo que realza la feminidad aniñada. Por ejemplo, las creaciones de Quique Vidal a través de Becomely, su alter ego en moda, o las fantasías de Anel Yaos. En la colección presentada el año pasado en la pasarela 080 Barcelona Fashion, había claras alusiones a esta estética en una propuesta que exploraba los sentimientos más personales a través de gasas, transparencias y tonos pastel.

Origen histórico de la estética 

La palabra “coquette” proviene del francés y significa coqueta. Como estilo, toma elementos de la indumentaria del siglo XVIII, con una fuerte inspiración en el rococó tardío de la reina María Antonieta, de la cual incorpora elementos decorativos de la ropa como los moños y el encaje. De igual manera, se basa en el “infame” vestido chemise à la reine, una prenda generalmente confeccionada en algodón y utilizada como ropa interior, pero que María Antonieta transformó en muselina semitransparente, con volados en el pecho y las mangas, con el cual la reina decidió pasar sus días en el campo.

Quizás el elemento más icónico del estilo coquette, o al menos el más fácil de distinguir, es el lazo o moño, que se utiliza tanto en el cabello como en la ropa. Este uso se remonta a la moda del período romántico, a finales del mismo siglo XVIII y principios del XIX, cuando después de las revoluciones y el surgimiento de las Repúblicas, la feminidad volvió a ser relevante. Esto se reflejó en la vestimenta y en los adornos de la ropa como un elemento asociado con la clase social, ya que en su mayoría ya no había monarquías.

Una tendencia enraizada en la calle

A pesar de que estos orígenes se remontan varios siglos atrás, su llegada a la moda actual se enmarca en el revisionismo de la Generación Z, que ahora recurre a diversas estéticas de los años 90 y 2000. Otro factor que contribuye al triunfo de este estilo es cómo ha conquistado los looks urbanos. Así, lejos de saturarse, son las propias influencers y prescriptoras de moda quienes protagonizan las imágenes de street style más comentadas y, ciertamente, no parecen estar cansadas de esta tendencia. Durante la pasada temporada de desfiles, no era difícil encontrar referencias a esta corriente: lazos adornando todo tipo de prendas, ya sean más o menos extravagantes, más o menos románticas, presentes en el cabello e incluso adheridos al rostro, así como alusiones al universo infantil, como la combinación habitual de zapatos con calcetines de calados y lazos, y la paleta de colores pastel. Sin olvidar las alfombras rojas por las que desfilan las estrellas de Hollywood. De hecho, el estilo coquette también ha protagonizado algunos looks en la celebración de los Oscar 2024. Lo atestiguan los estilistas que vistieron a actrices como Ariana Grande, quien deslumbró en la red carpet con un modelo rosa abullonado con escote de palabra de honor y cola de Giambattista Valli Couture. También Chloë Sevigny y Sofia Vergara, quienes lucieron lazos coquetos en las after-parties de los Oscar.

En Gratacós, también hemos querido rendir nuestro propio homenaje al estilo coquette con una selección de nuestros tejidos de la nueva temporada, para que te inspires y puedas crear tus propios diseños dentro de esta estética tan femenina, fantasiosa y aniñada.

Aya Jones by Txema Yeste for Harper’s Bazaar US. September 2019

Iniciamos el nuevo año sumergiéndonos en el mes más frío del calendario, cuando el invierno despliega todo su esplendor. En esta travesía inspiradora, exploramos los deslumbrantes paisajes glaciares: los techos nevados de nuestro planeta, las vastas extensiones inhóspitas cubiertas por un manto de nieve y hielo, y los abrumadores polos, donde el cielo y la tierra apenas se distinguen, y el espectro de blancos se apodera de una paleta de colores homogénea, donde cada pequeño matiz cromático es ampliamente perceptible.

Esta naturaleza helada, de carácter agreste y salvaje, donde la vida lucha por abrirse camino, también está cargada de belleza. Además, ha adquirido notoriedad recientemente gracias a éxitos cinematográficos como ‘La sociedad de la nieve’ de J.A. Bayona, que lidera las nominaciones de los Goya, y a series como ‘True Detective’ y ‘Fargo’, que han vuelto a poner en primer plano los impresionantes paisajes de Alaska, Minnesota y Dakota del Norte, convirtiéndolos en escenarios perfectos para tramas criminales en cada temporada.

Más allá de una tendencia estacional

La moda ha caído rendida ante el atractivo de los universos helados, incorporando a su repertorio la influencia de la vestimenta alpina inspirada en los deportes de alta montaña. Esta tendencia ha ido en aumento en los últimos años, manifestándose a través de colecciones après-ski que proponen prendas y accesorios tanto para dentro como fuera de las pistas. Inicialmente impulsada por las firmas más prestigiosas del sector, la estrategia fue adoptada posteriormente por grandes distribuidoras de moda, entre ellas Zara, que ha lanzado su propia colección de esquí.

Los paisajes helados también han servido de musa para numerosos diseñadores que encuentran en estos entornos desconocidos, distantes y misteriosos, fuentes de inspiración frescas para estructurar sus colecciones de invierno. Un ejemplo destacado es la propuesta de Zuhair Murad en 2015, que transportó a los clientes de la marca entre montañas nevadas, rocas escarpadas y rincones aún inexplorados. Murad, con su talento innato, logró equilibrar tejidos de ensueño, inspirados en las texturas de la nieve, utilizados en todos sus diseños, y patrones con volúmenes que marcaban la cintura. En 2021, Anthony Vaccarello de

Saint Laurent presentó su colección primavera-verano en el paisaje frígido de un glaciar islandés. Las modelos desfilaban entre rocas volcánicas negras, misteriosos vapores y aguas grises con estilismos que desafiaban los códigos burgueses de Saint Laurent.

Más recientemente, Demna Gvasalia, director creativo de Balenciaga, sorprendió al público en la presentación de su colección otoño-invierno 2022/2023 al transportarlos a una tormenta de nieve helada, rodeados de paredes circulares de cristal. Los modelos, con pasos lánguidos y ropas reducidas a una protección improvisada, desfilaban taciturnos en un paisaje helado marcado por la desolación. En este caso, este escenario gélido sirvió al director artístico de Balenciaga para denunciar el conflicto ucraniano.

Gratacós también se inspira la serenidad de los glaciares

Gratacós se adentra en la deslumbrante estética de los glaciares para explorar la belleza helada a través de tejidos cautivadores que capturan la serenidad y la elegancia de los paisajes gélidos. Nos dejamos inspirar por piezas que evocan la pureza del hielo y la nieve virgen, así como por aquellas que deslumbran con lentejuelas o sutiles destellos e iridiscencias. La seda, protagonista indiscutible, se despliega con una caída etérea que recuerda a la lentitud con la que el hielo se desplaza.

La moda glaciar abraza texturas que cuentan historias de frío intenso. ¿Cómo? A través de capas y pliegues que sugieren bloques de hielo superpuestos, mientras que los detalles en relieve aportan una dimensión tridimensional, recreando la complejidad de los glaciares. Bordados con hilos plateados y cristales translúcidos imitan el brillo de la luz solar sobre la nieve, añadiendo un toque de sofisticación a cada tejido. Otros tejidos bordados con tul y pedrería podrían emular las capas de nieve helada. En cuanto al relieve, imaginamos tejidos plisados u otros con suaves ondulaciones que imitan la topografía de los glaciares, proporcionando un movimiento orgánico a las prendas.

La paleta de colores de la moda glaciar se inspira en los tonos suaves y fríos de los glaciares. El blanco puro y el azul hielo dominan el espectro, creando una sensación de calma y frescura. Añadimos toques de plateado y gris perla que representan el brillo de la luz sobre la superficie helada, mientras que el turquesa profundo rinde homenaje a los matices encontrados en las grietas de hielo. Estos colores, combinados con maestría, reflejan la serenidad y la majestuosidad de los paisajes glaciares.

Encuentra entre los artículos de temporada de nuestra tienda online, esa inspiración helada de la que hablamos tan apropiada para la temporada de invierno.