Miércoles 20 noviembre 2019

IED cumple 25 años diseñando el futuro

Un homenaje al diseño, a la creatividad y al talento emergente. Eso es exactamente lo que se ha celebrado esta semana en el Museo Guggenheim Bilbao con el 25 aniversario de IED (Escuela Superior de Diseño) en España. Entre otras actividades, la reputada escuela de moda y diseño quiso recordar la efeméride con un impresionante desfile de moda en la que participaron diseñadores nacionales e internacionales que se han formado en las aulas de IED Madrid y IED Barcelona, desde que la institución aterrizó en Madrid en el año 1994. Gratacós también participó en esta exhibición de jóvenes creadores colaborando a través de tejidos que cobraron forma de exuberantes prendas en la pasarela. De hecho, forma parte de nuestro compromiso como empresa apoyar a las escuelas que ayudan a instruir a los futuros diseñadores.

Un desfile de jóvenes promesas de la moda española

Bajo el nombre “25 diseñando el futuro”, la escuela IED agrupó en un mismo desfile a 25 colecciones distintas firmadas por exalumnos del IED Madrid y IED Barcelona que fueron los encargados de plasmar el pasado, el presente y el futuro de la escuela. Un evento que se enmarcó en el programa TopArte del Museo Guggenheim Bilbao, con ocasión de la celebración de la Bilbao Bizkaia Design Week. Nombres reconocidos que participan asiduamente en las principales pasarelas españolas como Moisés Nieto, Carlota Barrera o Cristina Tamborero desfilaron conjuntamente con otros sellos de autor emergente en una muestra ecléctica de prendas y visiones que destacan la individualidad de los diseñadores procedentes de diferentes partes del territorio nacional y también de países como Italia, Brasil, Rumanía, Israel, México o Reino Unido, entre otros. “La moda es el medio más potente de expresión de la identidad de los seres humanos. Es el conector y colector de los sueños, las pulsiones, las preocupaciones, las inspiraciones de las personas… y por ello, queremos mostrar un mosaico representativo del talento IED de los últimos 25 años”, explicaba Alessandro Manetti, CEO del IED en España para justificar este potente desfile.

 

“El IED ha dejado como herencia una importante generación de diseñadores que promueven la cultura
y la sensibilidad del diseño por todo el mundo”
– Alessandro Manetti

 

Los looks elegidos de cada diseñador participante tenían la intención de definir el futuro de la moda y reflejar los desafíos que el sector presenta en la actualidad con propuestas realizadas bajo una mirada sostenible, diseños conceptuales y de vanguardia, delicadas piezas confeccionadas a mano y de producción local o vestidos de fiesta para grandes celebraciones que siguen las técnicas de la alta costura. “El IED ha dejado como herencia una importante generación de diseñadores que promueven la cultura y la sensibilidad del diseño por todo el mundo”, añadía Manetti. Además, para la ocasión un exalumno del IED Madrid, una del IED Barcelona y otro del IED Milán crearon dos looks cada uno para el evento en homenaje al 60 aniversario de la construcción del Museo Guggenheim de Nueva York, diseñado por el arquitecto Frank Lloyd Wright. Las formas curvas en espiral, la delicadeza de las piezas de arte expuestas en él o la opulencia de la arquitectura del edificio han inspirado los diseños, algunos de los cuales se han fabricado con nuestros tejidos que ofrecimos para la celebración.

Un evento lleno de caras conocidas 

Este desfile conmemorativo de los 25 años de IED contó también el apoyo y asistencia de importantes celebridades vinculadas con el mundo de la moda como la actriz Rosy de Palma; la crítica internacional estadounidense Diane Pernet; la experta en moda belga Francine Pairon, o el diseñador Custo Dalmau, que acompañaban a Pilar Pasamontes, directora científica de Moda del IED y a Julia Weems y Mosiés Nieto, directores del área de moda del IED Barcelona y Madrid respectivamente. Entre el casting de modelos, se encontraba Palito Dominguín, hermana de Bimba Bosé e hija de Lucía Dominguín, y la modelo Bet Callieri quien se ocuparon de cerrar el desfile.

Fue un placer colaborar en este evento único de celebración del IED y desde Gratacós estamos ansiosos de ver todo lo que está por venir.

¡A por 25 años más!

Jueves 14 noviembre 2019

Algo se cuece en Tbilisi

Algo se cuece en Georgia que está captando el foco de atención de la industria de la moda. En la última década, el país caucásico se encuentra en plena ebullición creativa y afecta a varias disciplinas como el arte, el diseño y, por supuesto, también la moda. En su capital, Tbilisi se está erigiendo un auténtico caldo de cultivo de diseñadores emergentes que aportan a través de su creatividad, un sello distintivo a la industria, ávida de por sí de novedades y dispuesta a cazar siempre nuevos talentos. Entre los creativos más relevantes a nivel internacional no hay que obviar por ejemplo Demna Gvasalia que ha revolucionado el panorama con sus diseños irónicos e impracticables para Vetements y su éxito le ha llevado hasta la dirección creativa de Balenciaga. También destaca David Koma capitaneando la firma Thierry Mugler y su propia marca homónima con sede en Londres. Tanto Gvasalia como Koma representan las cabezas más visibles de una nueva ornada de creativos que sacuden la región caucásica.

Evidentemente, Tbilisi aún no puede competir con París, Londres, Milán o Nueva York, pero poco a poco, la Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi va cogiendo peso y relevancia dentro del panorama internacional. De entre todos los diseñadores independientes que han presentado las últimas colecciones en la pasarela seguimos de cerca los diseños de Anouki Areshidze con su marca propia Anouki; las creaciones de Gvantsa Janashia quien habitualmente confía en nuestros tejidos para elaborar los looks de las últimas colecciones; la firma Dalood capitaneada por su fundadora Maka Kvitsiani; la marca Gegesha; las creaciones lujosas de Ani Datukishvili, y el estilo minimal de Keti Chkhikvadze. Diseñadores de nombre (casi) impronunciable que habitualmente confían en nuestros tejidos para elaborar sus locuras creativas.

Una pasarela que también genera fascinación entre los fashionistas que asisten a los desfiles ataviados con unos street style de estilo fresco y moderno, que llenan decenas de galerías fotográficas. De hecho, las revistas de moda cada vez son más conscientes de esta efervescencia que se aprecia y se contagia entre las personas a pie de calle que dictan las tendencias. Por eso  es cada vez más habitual ver a los fotógrafos de los medios internacionales captando hasta el último detalle de los outfits de las it-girls e it-boys georgianos.

Dominnico brilla en la Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi

Quien no podemos obviar es a Dominnico y su puesta en escena en su incursión en la pasarela georgiana a principios de noviembre, lo que ha supuesto la primera experiencia internacional del diseñador alicantino en el mundo de la moda. Cabe recordar que Domingo Rodríguez ganó el premio Mercedes-Benz Fashion Talent durante la pasada edición de julio de la pasarela madrileña. Un galardón que encumbra a los jóvenes talentos y que promete una tentadora recompensa: desfilar en la Mercedes-Benz Fashion Week Tbilisi.

Así, Dominnico ha tenido otra oportunidad para presentar su colección ganadora ‘Harajuku Kids’, expuesta durante el mes de septiembre en nuestro espacio creativo de Barcelona. La colección SS20 se inspira en el movimiento que surge en Internet y el colorido que proponen artistas como Andy Dixon o Antoni Tudisco con maniquíes que se asemejan a las muñecas Bratz. Destacan sus característicos diseños de plástico tornasolado, los tejidos brilli-brilli, el espléndido trabajo de peletería y sus vestidos voluminosos que cautivaron también al público georgiano. 

Seguiremos de cerca el trabajo de Domingo Rodríguez y desde Gratacós, le agradecemos su apoyo y confianza. ¡Gracias Dominnico!

Miércoles 06 noviembre 2019

Diez años de moda efímera para revitalizar un barrio

Londres, Berlín, Budapest, Barcelona… en las principales ciudades europeas existen iniciativas comerciales que revolucionan -y revalorizan a su vez- espacios industriales en situación de abandono y que, junto a otras ayudas económicas y sociales, se convierten en zonas residenciales llenas de vida que cuentan con una amplia oferta cultural y ocio, manteniendo siempre esa estética fabril que las caracteriza. Zonas marginales que pasan a ser los barrios cool del momento.

En Igualada y desde una magnitud más modesta, la iniciativa Rec.0 cumple 10 años agitando a base de creatividad, el barrio industrial del Rec, una zona genuina donde habitan más de un centenar de viejas curtidurías -la mayoría en desuso- que ponen de manifiesto el legado textil y el peso en la industria de la piel que esta pequeña ciudad barcelonesa tuvo desde el siglo XVIII hasta día de hoy. Precisamente, este año la organización del Rec.0 ha decidido apostar por enseñar las entrañas del patrimonio industrial del barrio a través de varias actividades como el descubrimiento de nuevas curtidurías convertidas en equipamientos culturales, workshops sobre el proceso de creación artesanal del cuero y de la piel y visitas guiadas a varios espacios del barrio que siguen en funcionamiento, entre otras. Un conjunto de actividades que no sólo quieren mostrar qué había en este singular barrio, sino poner en evidencia cómo se ha transformado el Rec en los últimos diez años.

Más allá de la voluntad por preservar y dar a conocer el patrimonio, el Rec.0 sigue siendo el mismo de siempre: un festival comercial bianual en formato efímero que durante cuatro días revoluciona esta zona la ciudad a través de pop up stores de marcas de moda internacionales y firmas locales que cohabitan precisamente en distintos espacios industriales que se recuperan y se adornan para la ocasión para que las marcas participantes puedan hacer sus ventas especiales a precios radicales. Y con esa misma fórmula, que se repite edición tras edición, se ha conseguido en la última década establecerse como una cita indispensable -y alternativa- en el terreno comercial y cultural de Cataluña.

El diseño de autor guía el Rec Experimental Stores

En esta edición, el recorrido urbano por el barrio del Rec incluye 60 espacios efímeros que sorprenden al consumidor y que albergan más de 80 marcas de diferente formato y producto que hacen sus ventas especiales de stocks en tiendas que solo existen durante el transcurso del festival de moda. Hay novedades destacadas como Brownie, Vans, Pretty Ballerinas, Mascaró, o Eastpack, entre otras, que conviven con buques insignias como Levi’s, Adidas, Munich, Mango, Sita Murt, Indi & Cold, Nice Things, Ash…


Lo que nos parece más interesante es que estas grandes firmas nacionales e internacionales conviven junto a marcas de diseñadores independientes como Miriam Ponsa, Txell Miras y Josep Abril que siempre comparten la misma pop up store y se han convertido en el tridente del diseño del Rec.0, hasta el punto de que el festival es el causante que ellos tres decidieron sumar esfuerzos para impulsar sus tiendas conjuntas en Barcelona.

Este año, en el espacio de diseñadores también se encuentran Gorni Kramer o Who. Precisamente, para dar más cancha a las firmas de pequeño formato, la organización del Rec ha abierto un nuevo patio donde cada día se instalará una marca joven que se abre camino en el mundo de la moda, dando una posibilidad comercial a los diseñadores emergentes. Estos intercambiarán sinergias con otras marcas de moda catalana como Brava Fabrics, Woodys Barcelona o Cuirum que convivirán con la moda nórdica de Sessún o Samsoe Samsoe. Por último, en esta zona dedicada al diseño más local también se encuentra la pop up store 080 con el ganador del concurso Rec.0 junto a la pasarela catalana. Este año el premiado fue IAIOS, una marca de jerséis elaborados con hilo reciclado.

Ocio y cultura en familia

Para amenizar las compras y las visitas al entorno patrimonial del barrio industrial, el Rec.0 ha organizado en paralelo una agenda cultural y gastronómica con actividades gratuitas para todos los públicos y gustos. En música destacan conciertos esporádicos de grupos y cantautores locales como Joan Colomo, Red Pèrill y Beth, entre otras actuaciones. También se impulsan debates y reflexiones sobre temas vinculados con el festival. Este año en el espacio Reecmeeting, Genís Roca dará una charla sobre transformación digital. Para los amantes del cine, el Zoom, el Festival Internacional de Contenidos Audiovisuales de Catalunya contará con un espacio de proyección de cortometrajes y novedades en la pequeña y la gran pantalla. Por último, también destaca la oferta gastronómica con espacios pensados para productores locales y cocina KM0 donde cocineros harán propuestas de comida de proximidad en diferentes pop-up bares que se han construido expresamente para el festival.

La nueva edición del Rec.0 empieza hoy y tendrá lugar hasta el 9 de noviembre en el barrio del Rec de Igualada.

Jueves 31 octubre 2019

Una ruta de exposiciones de moda por Europa

Las exposiciones de moda apetecen en cualquier época del año. Representan una oportunidad para reflexionar sobre el sector desde múltiples puntos de vista y bajo temáticas tan distintas como las que os proponemos a continuación: el diálogo que establecen las prendas y sus tejidos en las sociedades migratorias, la importancia de la sostenibilidad, la historia del calzado o una visión de la fotografía de moda a través de uno de los grandes artistas contemporáneos.

A la víspera de un nuevo puente, el de Todos los Santos, os proponemos una nueva ruta cultural por algunas exposiciones europeas que aún no habíamos mencionado en este blog. Interesantes muestras de moda en capitales culturales como son Amberes, Florencia, Londres y París para que también encontréis como nosotros inspiración, conocimiento y nuevas ideas que os enriquezcan en vuestros respectivos trabajos. ¡Toma nota!

1. Amberes: ‘Textile as Resistance’

La exposición ‘Textile as Resistance’ del MoMu (Museo de Moda de Amberes) plantea interesantes cuestiones al público: ¿Qué mensajes e historias pueden transmitir los tejidos? ¿Qué dice una pieza de ropa de la persona que la lleva? ¿Pueden los tejidos entretejer el pasado con el presente? ¿Pueden ser actos de resistencia? La periodista Samira Bendadi y el fotógrafo Mashi Mohadjerin reflexionan sobre los valores que pueden aportar los tejidos (refugio, resistencia, esperanza, felicidad, tradición, belleza, espiritualidad y descolonización) e intentan dar respuesta a todas estas preguntas a través de esta muestra desafiante. Se trata de un proyecto fotográfico conjunto que empezó través de historias de inmigrantes en la capital belga de la moda y que pronto se extendió a otras partes del mundo. Así, en ‘Textile as Resistance’, esta pareja creativa te invita a descubrir ropa y textiles como excusa para conocer historias visuales y escritas que transcienden fronteras religiosas, culturales y nacionales. La migración marca el cambio social, estético y personal.

Momu. ‘Textile as Resistance’. Hasta el 16 de febrero de 2020.

2. Florencia: ‘Sustainable Thinking’

La sostenibilidad no es ni una moda ni una tendencia: es una necesidad real. Conscientes del giro hacia lo verde que también estamos impulsando desde Gratacós, nos interesa especialmente recomendar esta exposición que alberga el Museo Salvatore Ferragamo de Florencia. ‘Sustainable Thinking’ invita a la reflexión a través del arte y la moda.

El término “sostenibilidad” define la capacidad humana para satisfacer “las necesidades de la generación actual sin comprometer la capacidad de las generaciones futuras para satisfacer sus propias necesidades”. Es un desafío que no se limita a los métodos de producción, sino que también implica un mayor enfoque en el medio ambiente en general. Debe restablecerse el equilibrio, comenzando con una forma de pensar más consciente y compartida que sea capaz de generar nuevas estrategias de desarrollo y coexistencia. Por este motivo, ‘Sustainable Thinking’ expone la obra de numerosos artistas que reflexionan sobre la sostenibilidad. Algunos proyectos se centran en recuperar el vínculo con la naturaleza, el uso de materiales orgánicos, la necesidad de una reutilización creativa de los materiales, la conexión entre sostenibilidad y tecnología… Una oportunidad para que artistas, diseñadores de moda, fabricantes de textiles e hilados ofrezcan una pluralidad de miradas que inspiren nuevos proyectos sostenibles.

Museo Salvatore Ferragamo. ‘Sustainable Thinking’. Hasta el 8 de marzo de 2020.

3. Londres. Tim Walker

Coincidiendo con la exposición dedicada a la talentosa diseñadora Mary Quant, “la madre” de la icónica minifalda, el museo Victoria&Albert Museum estrena en paralelo una nueva muestra, esta vez dedicada a la fotografía. Como su nombre indica, ‘Tim Walker: Wonderful Things’ representa un viaje inmersivo en los mundos fantásticos creados por este fotógrafo contemporáneo de moda. Uno de los perfiles más interesantes de la actualidad. En concreto, la exposición muestra el proceso creativo de Tim Walker a través de sus imágenes, películas, sets fotográficos e instalaciones especiales. La muestra también incluye además una exclusiva sesión de fotos elaborada con algunas prendas icónicas del museo.

V&A. ‘Tim Walker: Wonderful Things’. Hasta el 8 de marzo de 2020.

4. París. “Marché et Démarche: Historie de la Chaussure”

El Museo de las Artes Decorativas de París vuelve a programar una nueva exposición de moda para captar la atención de los visitantes. En esta ocasión el foco de atención es el calzado y su historia. Del complemento en sí hasta una reflexión en el acto de caminar. La muestra parte de un zapato de 1792 atribuido a Maria Antonieta que medía tan solo 21 centímetros de largo para luego, poco a poco indagar en la historia que se esconde detrás de cada accesorio exhibido. Una muestra de 500 obras entre zapatos, pinturas, fotografías, obras de arte y películas para indagar más sobre esta prenda que viste nuestros pies.

Museo de las Artes Decorativas. “Marché et Démarche: Historie de la Chaussure”. Hasta el 23 de febrero de 2020.


Viernes 25 octubre 2019

La organza, el tejido top de la temporada

Las transparencias se han asociado tradicionalmente a los meses templados o cálidos del año, donde la aparente desnudez que otorgan las prendas diseñadas con tejidos translúcidos se ve justificada por las altas temperaturas. Hasta el momento, era lo más común o aceptado por una mayoría y obedecía, a su vez, a las demandas del mercado y a las necesidades de los consumidores. Al final, todo quedaba en una simple norma: más tejidos transparentes y livianos en verano, más tejidos gruesos y opacos en invierno. Actualmente, las transparencias han perdido su habitual estacionalidad y los diseñadores de las grandes firmas se han encargado de que el público las desee en cualquier época del año al hacerlas resurgir paulatinamente entre sus colecciones. Encajes, tules, bordados transparentes… de todos los tejidos que muestran la piel de forma perspicaz, hay uno que copa todas las miradas en lo que va de año: la organza.

Breve evolución histórica

La organza es una tela de seda muy fina que es tratada para que mantenga una cierta rigidez que le da esa apariencia almidonada. Su nombre proviene de Urgenc, ciudad de Uzbekistán y llegó a Europa desde la India en el siglo XVIII. A pesar de estar presente en el continente y tras sus vínculos iniciales al servicio de la aristocracia, no fue en pleno siglo XX cuando este tejido se popularizó a todos los estratos sociales. El responsable fue Yves Saint Laurent quien elevó este tejido a los altares de las tendencias. Así, en 1966 Yves lo dejó al descubierto con su primer look con transparencias. Al principio, la organza desvelaba sutilmente algunas partes del cuerpo, pero el escándalo vino dos años más tarde cuando diseñó un atrevido vestido que mostraba completamente el pecho. En la década de los 80, la organza se alió con los volantes y los volúmenes propios de la época para hacer exageradas combinaciones, según la moda del momento que inmortalizaron iconos como Molly Ringwald, Liz Taylor o Ladi Di. En los años 90, el tejido tuvo una tercera juventud gracias a la colección primavera-verano 1997 de Prada que homenajeaba las transparencias y el triunfo del minimalismo. Curiosamente, la firma italiana fue de las primeras en rescatar este tejido el año pasado, probablemente influenciada por el nuevo furor que revive actualmente la organza.

El tejido revelación de la temporada

Este tejido fino, translúcido y rígido tiene la peculiaridad de añadir elegancia, delicadeza y cierto romanticismo y, por consiguiente, puede llegar a elevar cualquier look con una simple prenda. Hasta el momento, la organza también se había vinculado en el exclusivo ámbito de las celebraciones, y aunque allí se mantenga, la demanda de este tejido, para otro tipo de ocasiones, no ha dejado de crecer.

En las pasarelas actuales, la organza ha hecho acto de presencia en las colecciones de Ralph Lauren, Balmain, Dolce & Gabbana Simone Rocha y Fendi, por citar algunas firmas, pero también en las cadenas de moda rápida que han democratizado su uso hasta hacerlo accesible al gran público. Por ejemplo, Zara presentó en verano una colección de blusas, faldas y vestidos elaborados con organza que tuvieron un éxito fulminante, agotando existencias.

De las pasarelas a la calle

Si una moda la adoptan en paralelo las prescriptoras de moda internacionales, el éxito está más que asegurado y acabará llegando tarde o temprano al gran público. Así, de todas las piezas elaboradas con organza, la blusa con mangas abullonadas es la prenda favorita para apostar por este tejido, siendo el mejor aliado para reinventar unos pantalones tejanos. Esta pieza da un toque romántico a los looks sin necesitar otros complementos. A pesar del triunfo de los neutros (blanco, negro, beiges…), también se lleva el color que puede ir desde la paleta más vibrante hasta los pasteles, nuestros preferidos. Esta prenda funciona incluso con faldas de volumen o pantalones palazzo.

Desde Gratacós queremos mostrarte algunas organzas de nuestra actual colección y de las próximas temporadas. En nuestro espacio de Barcelona encontrarás un buen surtido de tejidos para que decidas si quieres utilizar la organza en una ocasión festiva, o decides sumarte a la tendencia y deslumbrar con una prenda elaborada con este tejido en tu día a día.

Jueves 17 octubre 2019

Cuando Madrid era la cuna de la modernidad

Madrid 1978. España salía de la dictadura y su capital experimentó una década prodigiosa que sacudió el panorama cultural y artístico. Esa revolución en tecnicolor que convirtió Madrid en la sede de la diversión y la creatividad se le llamó La Movida. ¿Te acuerdas de ella?

Ahora, una exposición organizada por la Fundación Foto Colectania en Barcelona recuerda esos años experimentales bajo un título transgresor: ‘La Movida. Crónica de una agitación’. Una muestra, recién inaugurada, que ofrece una aproximación a este momento histórico desde la perspectiva de la fotografía, abordando ámbitos y miradas radicalmente diferentes. La exposición, presentada en verano en el prestigioso festival Les Rencontres d’Arles, se centra en la labor de cuatro fotógrafos que inmortalizaron algunos iconos de La Movida: Alberto García-Alix, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez y Miguel Trillo. Estos profesionales vivieron en primera persona esta revolución cultural, convivieron, se cruzaron y se encontraron en diferentes ambientes, pero lo interesante de la exposición es como cada uno de ellos lo inmortalizó desde una óptica distinta, mostrando diversas caras de una misma realidad.

Así, la exposición presenta esta mirada poliédrica sobre el movimiento, en la que se pueden contemplar extraordinarias fotografías que dan un testimonio excepcional de la época. Auténticas joyas visuales como las fotografías de época de García Alix que son testimonio de cómo se transformaba la calle y los personajes que la habitaban; las instantáneas oníricas y coloreadas de Ouka Leele llenas de frescura e imaginación; la perspectiva gamberra de Pablo Pérez-Mínguez en cuyo estudio se dejaron fotografiar todos sus protagonistas bajo el lema del “Todo vale”, y las tribus urbanas de Miguel Trillo que retrató la libertad de la calle y la juventud del momento, agrupada en grupos según su manera de vestir y sus comportamientos. La muestra también incluye además una selección de materiales como vinilos, fanzines o carteles, así como una proyección de actuaciones musicales que complementan los universos personales de los fotógrafos.

La singularidad de La Movida

La Movida fue una época singular y espontánea de la cultura contemporánea española. Tuvo lugar en Madrid a finales de los setenta y se extendió durante la década de los 80, coincidiendo con la alcaldía de Enrique Tierno Galván. Tras varias décadas de dictadura y ostracismo, la transición española vio aparecer una nueva generación fascinada por la modernidad y la idea de lo nuevo, que cristalizaría en creadores procedentes de diferentes campos como la música, la moda, el cine, la pintura o la fotografía. Este apogeo cultural se distinguió en otras ciudades europeas por ser un fenómeno que conectaba directamente con la vida cotidiana del momento.

La exposición ‘La Movida. Crónica de una agitación’ se podrá visitar en la Fundación Foto Colectania de Barcelona hasta mediados de febrero. Una mirada al pasado hacia la ciudad más divertida y libre del momento.

Jueves 10 octubre 2019

The Color Community: Adapt

La “comunidad del color” crece edición tras edición generando una gran expectativa entre los profesionales del diseño que se marcan en el calendario, las citas que marca dos veces al año The Color Community. Como ya sabéis, se trata de una iniciativa dirigida por un grupo de profesionales que, desde diferentes disciplinas creativas, comparten un estudio global del color y la materia. Aunque en cada informe que se presenta participan varios colaboradores, el núcleo base lo forman tres profesionales: el arquitecto Pere Ortega; la diseñadora especializada en Colour & Trim, Eva Muñoz; y Rosa Pujol, Textil & Colour Stylist de Gratacós.

Como es habitual, The Color Community se celebra en la Antigua Fábrica Damm de Barcelona, un poderoso colaborador que cede las instalaciones y dispone de refrigerios para llevar a cabo la presentación del informe y un posterior afterwork. En esta decimotercera edición, se presentó la carta de colores que marcarán la temporada Primavera-Verano 2021. Es un informe orientativo que como cada año sirve de inspiración para los profesionales del sector.

Juan Gratacós: “El tejido sin color sería aburrido”

En nuestro caso, esta cita es siempre imperdible. No solo por la participación de Rosa Pujol, encargada del departamento de diseño de la empresa, sino porque Gratacós se desvive por las gamas cromáticas. “Nos encanta el color y el tejido sin color sería aburrido”, comentó Juan Gratacós minutos antes de la presentación del nuevo informe.

Esta edición se inspira en el concepto de la adaptación con matices positivos. “Le sacamos la carga humilde o negativa a la palabra porque adaptarse no quiere decir conformarse, todo lo contrario”, detalló el arquitecto Pere Ortega en la presentación. Así, ‘Adapt’ se basa en la idea de ajustarse a un contexto determinado, utilizando un tipo de creatividad racional que permita buscar soluciones concisas y válidas. “Nos referimos a la creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada y reflexionada que encaje con la situación actual. No tiene nada que ver con la genialidad del momento o un brillo puntual”, explicó. La adaptación como símbolo de la inteligencia, de la estrategia racional y la sabiduría popular.

Pere Ortega: “Entendemos la adaptación como un tipo de creatividad inteligente que es fruto de una estrategia pensada”.

La propuesta cromática ‘Adapt’ se estructura a través de cuatro gamas de color, texturas y materias bautizadas como, Afterwork, Baltic Sight, Natif y Modern. A continuación, os explicamos un breve resumen con sus inspiraciones.

  1. AFTERWORK

La primera inspiración se centra en el momento de ocio después de trabajar. Un espacio para el descanso, la diversión y el hedonismo, siempre compartido. Afterwork es una propuesta versátil, que se adapta en estos contextos festivos a través de tonos pastel como el rosa candy o el azul bebé que contrastan con algunos flúores que le dan ese punto de luz necesario en cualquier fiesta: se tiñen de verde lima, amarillo y fucsia. En esta inspiración se introduce el concepto del tono transparente a través de superficies vítreas y texturas y estampados que imitan el reflejo del agua.

  1. BALTIC SIGHT

La segunda gama es más introspectiva y toma como fuente de inspiración el mar Báltico que baña los países del norte de Europa. Es una propuesta fría y racional que apela al confort y a la intimidad en esa búsqueda de los refugios interiores. La gama de azules se inspira en las aguas profundas en tonos fríos y grisáceos, verdes apagados y los tonos neutros como el blanco, el negro y el beige. Como nota de color juega con algunos tonos rojizos. La propuesta también hace un guiño a los patrones estructurados, las siluetas arquitectónicas, los estampados lineales y los accesorios verticales. Se trabaja el concepto de silencio.

  1. NATIF

La tercera inspiración es un homenaje a la autenticidad, a la tierra y a la naturaleza. Representa un giro hacia la artesanía y también quiere transmitir la multiculturalidad con diseños sin denominación de origen. Todo forma parte del todo. La paleta de colores de Natif es vibrante con tonos poderosos que van desde los naranjas saturados, los morados, los azules mágicos y los rojos tierra. Las tonalidades verde se vinculan con las hojas y los bosques. La singularidad cultural se consigue a través de los estampados florales y los que imitan el trazo manual, los motivos geométricos y los acabados rústicos.

  1. MODERN

Por último, la cuarta inspiración representa un pasaje por las otras gamas. La ciudad y su vida interior es el motor de la creatividad y la gama de colores expresa como los individuos se adaptan a la ciudad, a la vez que se mimetizan en sus edificios, asfalto, huertos urbanos, zonas verdes… Forman parte de la urbe las 24 horas. Para expresarlo se utiliza una paleta cromática muy sensitiva con colores que aportan vitalidad. Los falsos crudos, los verdes apagados, el azul petróleo, el rosa pálido, el denim, el naranja excéntrico…conviven con siluetas minimalistas, materias tableadas y estampados lineales.

Jueves 03 octubre 2019

Los cuadros que marcan tendencia

Los cuadros siempre han estado presentes en la historia de la moda contemporánea. Es más, forman parte de esas tendencias impertérritas, ajena a los ciclos, que se repiten y se renuevan sin perder su identidad.

A priori, cuando relacionamos un estampado de cuadro nos viene en mente el estilo británico con sus impolutos trajes, el tartán que recuerda a los escoceses o los cuadros vichy que nos remiten a la edad de la inocencia. Siempre es tiempo para apostar por los cuadros, sea en las colecciones de invierno o de verano. Lo novedoso es que hoy en día, muchos cuadros rompen barreras y se salen de su zona de confort apoderándose de prendas, accesorios o complementos hasta ahora menos convencionales.

Vamos a analizar los tres estampados de cuadros más comunes en las pasarelas de la nueva temporada Otoño-invierno 2019/2020:

Príncipe de gales

Es un tipo de diseño de tejido de dos colores en forma de cuadros complejos, a veces con un tercer color como perfil. En él se combinan alternativamente grandes cuadros con un diseño milrayas junto con cuadros más pequeños en pata de gallo. Habitualmente se suelen utilizar como colores base las distintas escalas de grises (o colores apagados) y en ocasiones se añade un color más a ese tono base, normalmente azul. El origen de este estampado es popular al ser un tejido que utilizaban los trabajadores, aunque fue el Duque de Windsor (Enrique VIII) quien lo acabó popularizándolo en los años 30 y se extendió por todo el mundo.

Al jugar con el binomio blanco y negro, este tipo de cuadros se convierte en un clásico atemporal, perfectos en cualquier fondo de armario. Esta temporada, bajo un estilo preppy se ha visto especialmente en las pasarelas de Marc Jacobs, Prada, Givenchy, Balenciaga, Chloé y Marni, entre muchos otros que recuperan este patrón.

Tartán

Es quizás el cuadro más identificable. Un tejido cuyo patrón lo conforman líneas horizontales y verticales que dibujan cuadros de distintos colores. De origen escocés, el tartán se asocia a los clanes que los usaban para distinguirse. Cada familia adaptaba diseños particulares, así como unos colores que los identificaban como miembros de cada clan. Existen tartanes con nombre como McAndrew, McQueen, Douglas… incluso diseños modernos como el Royal Stewart, creado por Vivienne Westwood. En su origen el tartán estaba hecho de lana, aunque hoy en día se plasma a través de varios tejidos. En la actualidad, con la aparición de nuevos materiales la palabra tartán ha pasado de definir el tejido al diseño, independientemente de dónde se plasme.

El tartán acepta infinidad de colores y combinaciones distintas, la clave está en el gusto personal. Los más habituales son los más clásicos en color rojo o en verde, o color blanco y negro y en tamaño XXL. A finales del siglo XX, el tartán también se ha asociado a una estética más transgresora y ha encontrado sus adeptos dentro del movimiento punk de finales de los 70 con diseñadoras como Vivienne Westwood y en el grunge y su contracultura de los noventa. En esta época lo adaptaron John Galliano y Alexander McQueen para citar algunos ejemplos.

Cuadros ventana

Hablamos de un tipo de cuadro sencillo que hace cuadrados gracias a unas finas líneas que lo conforman. Así, sobre un fondo oscuro se añade una ligera línea que dibuja un cuadro amplio. Como base, el cuadro ventana puede tener un tartán (con lana más fina) o un tweed (que le da un aspecto más rústico). Este tipo de cuadro se popularizó en los años 30 en Gran Bretaña cuando el hombre comenzó a buscar motivos más atrevidos e informales que mantuvieran esa imagen de dandi clásico, pero con ciertas licencias.

Hoy en día, los cuadros ventana están muy extendidos y se usan prácticamente por igual en las colecciones de moda de invierno y verano. Os citamos la última colección que hizo Karl Lagerfeld para Chanel para observar este tipo de cuadros mezclados con otros tejidos y estampados.

La colección actual de Gratacós también contiene muchos tejidos de cuadros. Aquí te dejamos algunas referencias para que te inspires.

Jueves 26 septiembre 2019

Colección AW19/20: Technology vs Ecology

Concepto general

Tecnología y ecología. ¿Son dos conceptos antagónicos? ¿Pueden ir cogidos de la mano? Desde Gratacós creemos que sí. La innovación y las últimas tecnologías al servicio de la nueva economía verde, aquella que está al servicio de la sostenibilidad en todas sus dimensiones. Una necesidad estrategia global que afecta a las empresas de cualquier sector y que, desde Gratacós, hace años que trabajamos desde múltiples aspectos como el ahorro energético o la apuesta por embalajes reciclados que cumplen las normativas europeas. Aun así, es en esta colección Otoño-Invierno 2019/2020 es cuando el giro hacia lo sostenible afecta también a los procesos de producción con la introducción de tejidos sostenibles en nuestro tradicional catálogo de temporada.

En la era de las fake news y del exceso informativo (que genera irónicamente más desinformación) queremos ser más honestos que nunca. Hemos iniciado un camino, una transición hacia la sostenibilidad apostando por fibras recicladas y regeneradas para elaborar tejidos sostenibles que minimizan el impacto del medio ambiente. En esta colección hemos introducido algunos artículos más bien anecdóticos porque consideramos que ha sido una propuesta experimental para madurar procesos. La idea es que, mediante el ingenio y la creatividad del departamento de diseño, demos nuevos pasos en las siguientes colecciones que sí que os avanzamos que contarán con abundantes artículos elaborados con materias primas recicladas y regeneradas. Por eso consideramos que esta es la colección del cambio. Del inicio a este giro verde donde la tecnología y la ecología crean sinergias para un mundo más sostenible.

Dicho esto, la propuesta ‘Technology vs Ecology’ se inspiró en su día en un contexto de mutación y de cambio que afecta de forma específica al departamento de diseño. No fue una colección fácil de concebir porque se valoró el contexto económico global para crear productos más contenidos (que no menos creativos) para una mayor aceptación de un mercado que se presenta inestable y poco arriesgado para una temporada que nace con una gran dificultad generadora de conceptos. Aun así, la colección se planteó desde tres puntos de vista: una cierta austeridad con artículos que versionan los clásicos utilizando nuevos lenguajes contemporáneos; una vocación transeasonal para un armario inteligente y flexible con artículos que funcionen en este período de entretiempo. Y, por último, una línea de artículos para las ocasiones especiales con reflejos y brillos que enriquecen los tejidos: Jacquards preciosos, hilos de fantasía, flores de invierno, tartanes, prints en terciopelo de efecto vintage… Una propuesta para la noche interpretada de un modo libre y con cierta extravagancia.

Tejidos

Ante esta sobriedad y clasicismo, esta colección se han utilizado materias nobles para tejidos austeros, serenos y sin estridencias. Tejidos robustos solo en apariencia con texturas elaboradas de tacto extraño donde los brillos se funden con los mates. Los terciopelos y las sedas se vuelven más densos, pero mantienen ligereza y suavidad al tacto para conservar un punto teatral sin caer en excesos. También se han tenido en cuenta los diseños táctiles de tejeduría y los tejidos en colores oscuros que juegan con puntos de luz muy bien estudiados con una luminosidad atenuada, pero más racional que nunca. Luz controlada.

La colección Otoño-Invierno 2019/2020 es también una colección rica en tejidos que imitan las falsas pieles o la piel de los animales con un claro espíritu cruelty-free. Por último, se ha tenido en cuenta los tejidos que imitan las técnicas manuales como los tie-dye, las acuarelas… Es evidente que se fabrican a partir de un proceso industrial y digital, pero intentamos que el resultado final parezca artesanal.

Diseños

Los diseños también conectan con la naturaleza desde diversos ángulos: desde elementos florales, pasando por manchas y relieves que imitan algunos minerales hasta estampados que recuerdan a las pieles de los animales. En la colección también abundan los grafismos lineales más básicos, los motivos pictóricos y una nueva reconfiguración de las rayas y los cuadros.

De hecho, en líneas generales es una propuesta ecléctica que mezcla varios códigos, manteniendo una sintonía de base: piel, flores de aspecto manual, brillos atenuados, motivos retros inspirados en las tapicerías del hogar, tartanes estampados digitalmente, texturas sorprendentes, volúmenes de noche…

Colores

En cuestiones cromáticas se habla de una colección densa, pero sorprendente donde abundan los colores oscuros con pequeños brillos estudiados que rompen con la monotonía. Una especie de oscuridad poética. El negro es un color constante que articula la propuesta invernal. Estos tonos apagados de invierno hacen referencia a la belleza de los clásicos imperecederos. Colores sensuales y elegantes donde las texturas y los volúmenes se hacen más evidentes.

Más allá de la gama oscura, existen otros tonos más alegres como algunas pinceladas de azul de inverno, rojos brillantes, ladrillos caramelizados, turquesas fríos con mostazas, seductores verdes (pierden fuerza respecto otras temporadas) y una paleta de rosas en tonos dulces. También existen matices naranjas y fresas que buscan la armonía y el contraste con el resto de los colores de la colección. Todo este colorido coquetea con los metalizados, en especial el dorado mate.

Desde Gratacós esperamos que os guste esta nueva propuesta y os invitamos a venir a verla en nuestro espacio de Barcelona.

Viernes 20 septiembre 2019

Un giro hacia la sostenibilidad

El giro hacia la empresa verde es hoy en día una obligación, ya no una opción a contemplar. Los desbordantes procesos industriales y las consecuentes producciones en masa del pasado siglo, sin tener en cuenta la mella que dejan en el medio ambiente, son inconcebibles en pleno siglo XXI.

La industria ha heredado un modelo de desarrollo insostenible basado en el mal uso de los recursos sociales y naturales con consecuencias para la Tierra que hace décadas que se están evidenciando de forma frecuente y cada vez más común: el aumento de la temperatura del planeta, la deforestación a gran escala, el aumento de las emisiones de gas invernadero o la fecha de caducidad de muchos recursos naturales y fuentes de energía por un uso irresponsable, sin pensar en las consecuencias. En definitiva, el temido cambio climático que ya estamos experimentando. Hoy en día hablamos de crisis medioambiental, un tipo de recesión global que se añade a las que ya conocíamos hasta el momento como la financiera, la económica o la industrial. Más allá de los desastres ecológicos de gran escala, si no se adoptan medidas adecuadas para frenar este fenómeno, la crisis medioambiental puede conllevar conflictos sociales y la incapacidad de las empresas para seguir manteniendo sus actividades económicas.

Rosa Pujol: “La sostenibilidad es una apuesta colectiva necesaria”

Conscientes de la situación, creemos que de las crisis también surgen nuevas oportunidades y aquellas empresas que se comprometan con la nueva “economía verde” serán las que tendrán ventajas competitivas y se posicionaran como líderes. “Gratacós quiere crecer y con esta voluntad entiende que hay que tener en cuenta otros parámetros. La sostenibilidad es una apuesta colectiva necesaria en todos los sectores”, afirma Rosa Pujol, directora creativa de Gratacós. Una necesidad y una demanda en auge entre los consumidores de productos sostenibles y de origen ético. Especialmente entre las nuevas generaciones que poseen una mayor sensibilidad. “Nosotros creamos colecciones para las generaciones del futuro porque en ellas está el cambio y están pidiendo que la industria tome medidas”, asegura Pujol.

Rosa Pujol: “Creamos colecciones para las generaciones del futuro”

En este sentido, desde Gratacós hace años que trabajamos por un futuro sostenible basado en la eficiencia en el uso de la energía y de los recursos naturales. En los despachos de Barcelona y en su almacén de Canovellas se ha apostado por una política de eficiencia energética y un sistema novedoso de iluminación BOP (con base de plasma) que actualmente es el producto tecnológicamente más avanzado del mercado. Además, todo el material plástico que utilizamos para el embalaje de nuestras mercancías está suministrado por una empresa que certifica su fabricación con material 100% recuperado y el cartón de las cajas tienen el certificado REACH que controla y restringe el uso de sustancias químicas.

Un paso más allá

Actualmente nuestra misión en materia de sostenibilidad se extiende también a los procesos de producción y a una apuesta paulatina por la innovación y la investigación de fibras y tejidos sostenibles que ya se están integrando en las colecciones de cada temporada. “Estamos hablando de un cambio que afecta en la tejeduría con fibras de procedencia regenerada y reciclada y la apuesta por tejidos bio. Ahora mismo estamos trabajando bajo estas directrices”, explica Rosa Pujol.

En la actual colección Otoño-invierno 19/20 ya se han introducido algunas fibras de procedencia reciclada y regenerada, pero la apuesta real y palpable tomará forma en las próximas colecciones de verano 2020 e invierno 2020/2021: polyester reciclado, algodón reciclado o regenerado y cupro, entre otras novedades que ya estamos presentando en ferias internacionales. ¡Este giro verde es imparable!

Esa apuesta por la sostenibilidad tiene algún hándicap. “Estas fibras son un poco más caras porque han pasado un proceso de regeneración. Poco a poco el cliente entenderá este valor añadido”, argumenta la directora creativa de Gratacós.

¿Se podría conseguir la sostenibilidad al 100%?

La apuesta sostenible es paulatina, pero imparable y nuestra intención es afianzar y trabajar en esta dirección en los próximos años. “Ahora mismo no tiene sentido hablar a tantos años vista porque lo que importa es la posición y la actitud de la empresa buscando nuevas fórmulas de desarrollo sostenible”, explica Rosa Pujol. Y añade a modo de conclusión: “Si no lo hacemos así, no tenemos futuro”.