Jueves 01 agosto 2019

Un homenaje a la espalda

Habitualmente, acostumbran a quedar en segundo plano ya que no consiguen ser el centro de atención. Las espaldas no siempre triunfan en la moda, puesto que el primer golpe de vista se lo lleva el rostro – la auténtica obsesión de los fotógrafos- o el reverso frontal de los vestidos. Sin embargo, una exposición en París está dispuesta a recuperar el legado y la importancia de las espaldas, explorando la relación entra la moda y esta parte del cuerpo sensual que rara vez se ve de entrada.

Este es el objetivo de ‘Back Side, Back to fashion’, la original exposición organizada por el museo de moda Palais Galliera que se presenta en el Museo Bourdelle, en medio de una famosa colección de estatuas de yeso, donde se pueden ver los maniquíes con diseños destacados por su escote en la espalda.

De hecho, la espalda le recuerda al ser humano sus propios límites: se escapa de la vista y en parte, al tacto. Sin embargo, la moda sigue decorando, cargando o desnudando la espalda. En la zona más plana de nuestro cuerpo, los mensajes y los patrones se despliegan en todo su esplendor sin apenas darnos cuenta.

Otro de los objetivos de la exposición es explorar la relación con la espalda a través de la historia, con los complejos cierres impuestos a las mujeres, a menudo vistos como un símbolo de sumisión. Anatómicamente, el cuerpo no está hecho para poner los brazos detrás la espalda, los cierres en la espalda son antinaturales”, según explicó el comisario de la exposición, Alexandre Samson.

Así, la exposición propone un curso temático de 100 siluetas y accesorios que le dan a la espalda el sitio que se merece en el conjunto de la moda. “Nuestra espalda es la única parte de nosotros mismos que no vemos y otros sí”, recordó Samson.

La espalda, el nuevo escote de moda

Haciendo un repaso histórico, a finales del siglo XV, había lazos en las espaldas de las prendas femeninas en todas las clases sociales. Sin el lujo de las sirvientas, las mujeres campesinas tenían que pedir ayuda a sus hermanos, padres o maridos. El cierre de gancho apareció en el siglo XVIII, los corsés llegaron en el siglo XIX y se cerraban por delante, atados por la espalda. El escote surgió en el siglo XX cuando el maestro de moda francés Paul Poiret liberó a las mujeres de sus corsés. Pero incluso entonces, liberar la espalda de las ataduras y cierres tenía connotaciones sexuales. Un momento clave fue cuando Rita de Acosta Lydig, una socialité estadounidense de clase alta que causó un escándalo al mostrar su espalda desnuda con un simple vestido negro en la Metropolitan Opera, en Nueva York, a principios del siglo XX.

Otro “escándalo de moda relacionado con la espalda” reciente ocurrió en junio de 2018, cuando la primera dama de Estados Unidos, Melania Trump, visitó un campamento para niños inmigrantes indocumentados en la frontera con México. Las palabras en la parte posterior de su parka tenían un mensaje contundente: “Realmente no me importa, ¿y a ti?”

La exposición ‘Back Side’ se podrá visitar en el Palais Galliera de París hasta el 12 de noviembre.

Jueves 25 julio 2019

Gratacós en la MBFWM: Colecciones SS20

Después de Barcelona, ha sido el turno de las pasarelas de Madrid. Como es habitual, Gratacós se ha vuelto a hacer evidente en algunas creaciones de la próxima temporada gracias al apoyo de los diseñadores españoles que confían en nosotros. A continuación, analizamos algunas propuestas vistas en la 70ª edición de la Mercedes-Benz Fashion Madrid en las colecciones Primavera-Verano 2020. ¿Reconoces los tejidos?

Dominnico: La nueva generación

El ganador de la Mercedes-Benz Fashion Talent, Domingo Rodríguez presentó la colección premiada en la pasarela madrileña: ‘Harajuku Kids’ es una propuesta que apela a los jóvenes de la generación Z inspirándose en Club Kids, la generación londinense de los noventa y también en la nueva era digital. Una propuesta que tiene en cuenta también a las tribus urbanas de Japón y se concibe como agender, alejada de etiquetas con formas y siluetas extravagantes que son una invitación al individualismo y al carácter propio.

La colección de Dominnico, repleta de tejidos Gratacós, está impregnada de texturas, lentejuelas, laminados, tules, superposiciones y volúmenes envueltos en una gama de colores pastel. Así, herencia, actualidad y hasta futuro se mezclaban gracias una dulzura y feminidad poco habituales en Dominnico que avanza para ganar madurez en su estilo.

Brain & Beast: Se libera de los clichés

El equipo creativo de Brain & Beast, liderado por Ángel Vilda presentó en Madrid la segunda parte de su propuesta basada en los tótems y los tabús, cuya introducción se vio en Barcelona. Si en el 080 Barcelon Fashion, Vilda criticaba los clichés y las convenciones que las personas se autoimponen, en ‘Taboo’ se mostró la liberación del alter ego, la proyección del deseo real. En la pasarela no faltaron los mensajes estampados como ‘Happiness is a lack of fear’ (La felicidad es la falta de miedo) en las prendas más llamativas. Tejidos iridiscentes y satinados conviven con clásicos que huyen de la apariencia sobria combinándose con propuestas atípicas que dan lugar a estilismos renovados. La escenografía, como siempre impecable: una bola de discoteca presidió el escenario simbolizando el tótem, mientras que las sillas colocadas en el medio de la pasarela simbolizaban los tabúes.

Juan Vidal: Una oda a la belleza clásica

El diseñador alicantino especializado en realzar la feminidad de la mujer presentó una colección de tintes renacentistas dedicada a la diosa Venus, ideal clásico de belleza. Así, Juan Vidal recoge todos los referentes romanos y grecorromanos las lleva en plano urbano y contemporáneo con una propuesta pura y luminosa, que empodera a la mujer. Las diosas de Juan Vidal visten de blanco con pinceladas de azul y dorado, hasta llegar al negro riguroso. Las faldas fueron una constante en todo el desfile, así como las prendas vaporosas, las camisas XL y los volúmenes sugerentes.

The 2nd Skin and Co: la artesanía del taller

‘Atelier Madrid’ fue la nueva propuesta de The 2nd Skin Co. y hace referencia a la ubicación de su taller con claros guiños franceses. En este sentido, la firma española pretende fusionar la estética madrileña con los detalles de la Alta Costura. Una vez más, los diseñadores Antonio Burillo y Juan Carlos Fernández juegan a deconstruir patrones con un trabajo que da la vuelta a cada prenda para que salga a la luz lo que tradicionalmente queda oculto en un diseño y le da forma. Así se ven creaciones que parecen semiacabadas y algunas etiquetas saltan a la vista. La principal apuesta de esta colección son los vestidos cóctel con cortes mini, cuerpos encorsetados y faldas voluminosas. Los lazos y motivos florales se convierten en hilo conductor de unas propuestas en las que el color fucsia tiene significativa presencia.

La exposición: Juan Carlos Pajares

Dentro del programa Madrid Capital de Moda (MCDM), en paralelo a la Mercedes-Benz Fashion Week, destacamos la exposición que hizo Juan Carlos Pajares en los Jardines de Cecilio Rodríguez de la capital española. Allí fue donde el diseñador presentó su colección ‘Yes, take the risk’ en una sólida apuesta por investigar nuevos lenguajes creativos que se salgan de los convencionalismos de la moda.

Pajares contó con la colaboración del productor musical Meneo que intentó sonorizar las 5 familias de conjuntos distintos que representan las 5 fases de los sentimientos que inspiran la colección en una divertida performance. La nueva propuesta en sí habla del riesgo y de la valentía a través de colores y tejidos contrastados como organzas y mikados de seda, sarga, crepes, neopreno y lentejuelas. Una colección para aquellas personas que desean y sienten, valoran la moda, pero, sobre todo acaban escuchando a esa voz interior y se expresan con ella.


Jueves 18 julio 2019

Oriol Maspons, la fotografía útil

Barcelona acoge la primera gran exposición retrospectiva sobre Oriol Maspons, el célebre fotógrafo barcelonés que desempeñó un papel clave en la renovación del lenguaje fotográfico en España durante las décadas de 1950 y 1960. La exposición, de gran formato que se aloja en el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), contiene 530 imágenes que recorren más de cuatro décadas de intensa actividad en los campos del reportaje, el retrato, la moda y la publicidad, contextualizando su producción y apoyando la investigación en la recuperación de material documental –libros, revistas, carátulas de discos, etc.–, para conocer también el destino final de las fotografías del autor, así como la recepción de su obra en los medios especializados y generalistas de la época.

¿Quién fue Oriol Maspons?

Oriol Maspons (Barcelona 1928-2013) fue una figura clave en dar un giro al lenguaje fotográfico en España en los años 60, primero desde el ámbito de la fotografía amateur y desde 1957 como profesional. Contrario a la concepción de la fotografía como un objeto de contemplación estética, Maspons defendió la fotografía aplicada o útil.

En 1952, Maspons ingresó en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, pero muy pronto se opuso a los valores estéticos defendidos por esta asociación y a su funcionamiento, lo que le valió una oposición férrea a cualquiera de sus iniciativas innovadoras. Su artículo “Salonismo”, publicado en la revista Arte Fotográfico en 1957, supuso una dura crítica al conservador mundo agrupacionista. En 1955 se trasladó a París, donde frecuentó los ambientes fotográficos y pudo conocer a Brassaï, CartierBresson y Doisneau, entre otros. Las entrevistas que realizó a estos fotógrafos fueron publicadas en Arte Fotográfico y permitieron que los profesionales y aficionados españoles se asomaran a la creación fotográfica extranjera. También en esos años es fundamental su participación en el grupo AFAL, de Almería. A su regreso a Barcelona, en 1957, decidió profesionalizarse y formar sociedad con Julio Ubiña.

Maspons desempeñó un papel clave en la renovación del lenguaje fotográfico en España durante las décadas de 1950 y 1960”

El fotógrafo formó parte de la llamada gauche divine, heterogéneo grupo de jóvenes intelectuales y artistas, modelos, cineastas, escritores y arquitectos, que a finales de la década de 1960 se rebelaron en Barcelona contra la cultura oficial franquista. Frente a su cámara posaron sus principales protagonistas y retrató sus escenarios. A lo largo de su dilatada trayectoria, Oriol Maspons se dedicó al reportaje, al retrato, a la moda y a la publicidad. Trabajó para las principales revistas de la época, como La Gaceta Ilustrada, Destino, Cuadernos de arquitectura, Triunfo, Interviú, L’Oeil, Paris-Match, Bocaccio, Expression, Elle, etc. Su amistad con Esther Tusquets hizo que participara desde el principio en la creación, por parte de la editorial Lumen, de la colección Palabra e Imagen en cuyos volúmenes la fotografía y el texto eran tratados en pie de igualdad. En ella publicó su primer libro en 1961, La caza de la perdiz roja, con textos de Miguel Delibes, al que seguirían Toreo de salón, con textos de Camilo José Cela, y Poeta en Nueva York, con poemas de Lorca, ambos trabajos realizados junto con Julio Ubiña. Ilustró numerosos libros entre los que cabe destacar, por su cuidada factura, Arquitectura gótica catalana, de Alexandre Cirici, editado también por Lumen en 1968.

El fondo Maspons en el MNAC

El archivo Maspons que conserva el MNAC contiene la obra completa del fotógrafo, que en el año 2011 depositó su archivo en el museo. Se trata de más de 7.000 fotografías en papel, además de negativos y diferentes materiales fotográficos a partir de los cuales se pudo investigar y preparar esta gran exposición. Gracias a la Fundación Nando y Elsa Peretti, el museo pudo adquirir un conjunto de 200 imágenes de este archivo, muy representativas de las diferentes etapas del fotógrafo, y pudo así iniciar las tareas de documentación y digitalización. En 2011 se digitalizaron unas 3.000 imágenes. Recientemente, gracias al patrocinio de Agrolimen, se pudieron finalizar los trabajos de escaneado y limpieza de este importantísimo archivo. En esta segunda fase el museo ha podido tratar unas 2.000 fotografías en papel y finalizar el inventario, que ha sacado a la luz numerosas imágenes inéditas.

Obras inéditas o poco conocidas

Entre las novedades que han salido a la luz hay fotografías de primera época realizadas en París, Londres e Ibiza en los años 1950, que reflejan la vida en las calles, la gente esperando el metro, el ambiente nocturno y también imágenes de modelos en la playa. Así mismo se muestran imágenes de reportajes realizados en Cuba, Nicaragua y Sudáfrica, que nunca fueron publicados.

La exposición ‘Oriol Maspons, la fotografía útil’ está comisariada por Cristina Zelich, comisaria de exposiciones especializada en fotografía y se podrá visitar hasta el 12 de enero de 2020. ¡No te la pierdas!

Fotos: Cedidas por Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). Exposición Oriol Maspons, la fotografia útil / 1949-1995.

Jueves 11 julio 2019

Dominnico gana el premio Mercedes-Benz Fashion Talent 2019

El ascenso de Dominnico se veía venir. Era cuestión de tiempo que su carrera meteórica despegara en un momento u otro. Y esta ascensión no ha hecho más que empezar. Ahora, al inquieto Domingo Rodríguez se le ha sumado un nuevo triunfo que le consolida dentro del mapa de jóvenes promesas de la moda española: el de alzarse como ganador de la Mercedes-Benz Fashion Talent.

“Ganar este premio significa cumplir un sueño. Supone un punto y aparte para mi firma y el inicio de una nueva etapa para este proyecto”, explicaba el joven diseñador tras ganar el prestigioso galardón. De hecho, el diseñador ya ha empezado a ganar fama fuera de nuestras fronteras. Con solo 24 años de edad, Dominnico ha vestido personalidades del mundo del espectáculo como Lady Gaga, Rita Ora o Rosalía, cuyo vestuario de sus giras, elaborado en parte con nuestros tejidos, ha dado la vuelta al mundo.

Su impecable confección, su gran proyección nacional e internacional, su temprana madurez y su visión comercial han sido algunos de los atributos que han fascinado al jurado. Un proyecto con un discurso propio y fiel a su esencia que le ha convertido en el ganador de la 14a edición de este certamen que premia a los jóvenes talentos.

Domingo Rodríguez: “Ganar este premio significa cumplir un sueño y el inicio de una nueva etapa para Dominnico”

Una oda a la generación Z

La colección premiada, presentada en la pasarela madrileña, se llama Harajuku Kids y se inspira en Club Kids, la generación londinense de los noventa, pero también en la nueva era digital, centrada sobre todo en las redes sociales. Artistas como Andy Dixon, Antoni Tudisco, Six N. Five, o la influencer Ruby Gloom también se han tenido en cuenta en la concepción de la colección. Una propuesta que tiene en cuenta también a las tribus urbanas de Japón y se concibe como agender, alejada de etiquetas con formas y siluetas extravagantes que son una invitación al individualismo y al carácter propio.

La colección, repleta de tejidos Gratacós, está impregnada de texturas, lentejuelas, laminados, tules, superposiciones y volúmenes envueltos en una gama de colores pastel. Así, herencia, actualidad y hasta futuro se mezclaban gracias una dulzura y feminidad poco habituales en Dominnico que avanza para ganar madurez en su estilo.

Rumbo a Georgia

Más allá del reconocimiento, el premio incluye la posibilidad de desfilar el próximo noviembre en la pasarela internacional Mercedes-Benz Tiblisi Fashion Week en Georgia. Un momento en el que el diseñador alicantino ya estará presentando la colección de invierno del año siguiente. De esta manera, Domingo Rodríguez se suma al exitoso conjunto de grandes jóvenes talentos que obtienen este galardón como ya lo fueron en su día Outsiders Division, Célia Valverde, Juan Carlos Pajares, Ela Fidalgo, Xavi Reyes, María Clè Leal, David Catalán, Ernesto Naranjo o Pepa Salazar.

Viernes 05 julio 2019

Gratacós en el 080: Colecciones SS20

Gratacós ha vuelto a pisar el 080 Barcelona Fashion a través de distintas creaciones de temporada de los diseñadores que, año tras año, confían en nuestros tejidos, el saber hacer y desde aquí, les agradecemos su fidelidad. En cada edición, nos gusta contemplar los outfits y apreciar las sorprendentes prendas que cada firma elabora con nuestros tejidos, siempre fieles a su esencia, para comprobar in situ la creatividad del diseño catalán.

A continuación, analizamos algunas propuestas que no nos pasaron por alto en la pasarela catalana.

La colección más contenida de Brain & Beast tiene premio

Brain & Beast atraviesa el mejor año de su historia. La irreverente firma capitaneada por Ángel Vilda he hecho un giro comercial, lo que se traduce en mayor expansión y ventas, dentro y fuera de nuestras fronteras (tiene un showroom en Hong Kong que triunfa entre el mercado asiático). La firma más gamberra de la pasarela catalana también presenta desde enero las colecciones -con dos propuestas independientes- en Madrid y Barcelona, un hecho que ayuda a ampliar su alcance.

La colección presentada en el 080 Barcelona Fashion fue la propuesta ganadora de la pasada edición de verano. Esta vez, “su objeto de análisis” del desfile fueron los tótems y los tabús en una colección que habla de como las sociedades humanas se unen y los individuos se legislan ellos mismos. Bajo esta premisa, Ángel Vilda criticó los clichés y las convenciones que las personas se autoimponen: a lo políticamente correcto, a las apariencias y a las normas estandarizadas. En la pasarela, esta crítica se tradujo con mensajes estampados como “El futuro es free”, “Quiero ser libre” o “La felicidad es la ausencia de miedo”, la frase que inmortalizó el científico y divulgador Eduard Punset. Una colección más contenida en color y más creativa en patrones con prendas desestructuradas con superposiciones, líneas arquitectónicas y un festín de tejidos y texturas que no defraudó. En la propuesta para el próximo verano “cazamos” dos tejidos nuestros: un tweed en tonos cálidos y un crepé de color negro.

Menchén Tomàs y las noches del Cotton Club

Olga Menchén, alma mater de Menchén Tomàs presentó la colección más glamurosa del 080 Barcelona Fashion. La propuesta se inspiraba en el mítico club de jazz Cotton Club de Nueva York en un ambiente que te invitaba a viajar hacia el Harlem de los años 20 dónde gánsteres, artistas y celebridades convivían en un mundo de elegancia, lujo y sofisticación. Sobre la pasarela, las prendas de la colección reunían el ADN de la diseñadora barcelonesa: un patronaje muy elaborado con vestidos fluidos e infinitos detalles. Destacaron las americanas sastre llevadas a la feminidad absoluta y los vestidos que recogen con fuerza el patronaje de la época con un giro moderno y actual. En cuanto al color, Menchén Tomàs se centró en toda la gama de blancos, así como los tonos cobrizos, los plateados y los tejidos con brillo… en referencia a todos los músicos, bailarines y artistas que desfilaban por el club. En tejidos, abundaban gasas estampadas, sedas, crepes, tul bordado, lentejuelas y, como no, algodón. La colección de Menchen Tomás, la que celebra los 25 años de trayectoria, ganó el premio Modacc, a la marca con más proyección internacional. ¡Enhorabuena Olga!

Una noche en Viena

El talentoso Jaime Álvarez (tres veces ganador del premio 080 al mejor diseñador) volvió a sorprender al público con su visión de la sastrería contemporánea: patrones renovados que conservan la esencia elegante. Bajo el título “Night in Vienna”, Mans Concept Menswear trasladó la colección primavera-verano 2020 hacia el encanto de la escena cultural y artística de la capital austríaca. Un nuevo destino que le sirvió a la firma para demostrar de nuevo donde llegan los límites de lo que se considera la nueva sastrería caracterizada por la deconstrucción de patrones, la mezcla de tejidos y un cuidado empleo del color. El resultado es una colección armónica, de espíritu romántico que recoge la visión del hombre humanista que vive la inquietud y fascinación del legado cultural de Viena. En cuanto a tejidos, no nos pasaron por alto las piezas de seda, organza y guipur que dialogaban a la perfección con los tejidos clásicos de sastrería como lana y paño. Siempre es un espectáculo visual contemplar los diseños masculinos de Mans Concept Menswear.

Un homenaje a la mujer urbana

Aubergin, la firma formada en 2015 por Anna Uimonen y Nevean Holmes presentó una colección que rendía homenaje a la mujer cosmopolita, aquella que se transforma y se adapta a la sociedad que le rodea. Así, la propuesta Alter Ego intentaba reflejar el estilo de vida y los valores sostenibles de la firma a través de prendas de diseño que abanderan un atrevimiento contenido, casi atemporal. La mujer Aubergin combina el minimalismo, le gustan las tendencias de calle y la contemporaneidad. En la pasarela no pasamos por alto una camisa y una falda que combinaba magistralmente el denim con uno de nuestros tejidos de lentejuelas multicolor. Un ejemplo de este eclecticismo que abraza esta joven firma barcelonesa.

Jueves 27 junio 2019

Verde lima, la última obsesión cromática

No es una novedad de esta temporada, pero se resiste a abandonar el podio de las tendencias. No tiene rival en cuanto a fuerza, brillo y atrevimiento, y ha pasado de ser un color simplemente radiante a convertirse en un símbolo para la generación Z. Hablamos del verde más chocante: en neón, lima o pistacho. Él es el verdadero “rey” del verano que impregna el street style con su rebeldía y juventud.

Hace casi un año, este desenfadado color empezó a resonar como tendencia. El verde lima en su versión flúor se colaba en el armario invernal. El mayor impacto lo tuvo a través de Instagram cuando irrumpió por sorpresa en los timelines de varias influencers de moda. Este tono chillón copó todas las miradas a través de una prenda viral: un jersey ajustado de cuello perkins que se exhibía descaradamente con la misma fuerza cegadora de un relámpago. ¡El verde fosforito en todo su esplendor! Esta prenda se mostraba en diferentes versiones y varias firmas -de diseño y low cost– lo adaptaron a su manera. El jersey en verde lima se convirtió en la tendencia más codiciada del momento.

Posteriormente, esta vibrante tonalidad fue una de las más repetidas y adaptadas entre los asistentes a los desfiles internacionales. Se llevó en pantalones, en vestidos y en abrigos, coqueteando también con los complementos -eso sí, en menor proporción-. Las grandes marcas reforzaron su poder amparando los colores neón -entre ellos el verde en cuestión- como una de las tendencias de este verano. Es curioso que, de todos los colores subidos de tono, este tipo de verde fue el que cuajó mejor en la calle, cuyo termómetro ayuda al sector a conocer lo que realmente se lleva o no, independientemente de lo que dicte la moda.

Un papel destacado jugó el poder de atracción de las influencers y celebrities mundiales que no dudaron en vestirse en verde lima: Kendall y Kylie Jenner, Chiara Ferragni y Blake Lively se enfundaron looks protagonizados por este color y se atrevieron incluso a llevarlo en el maquillaje. En la pasarela, esta tonalidad ha seducido a Balenciaga, Versace, Stella McCartney, Vetements, Gucci o Dolce & Gabbana que no han dudado en incluir el verde lima en las últimas colecciones de verano. ¡Viva la indiscreción más de moda!

¿Y cómo se lleva?

No es fácil combinar el verde lima. La clave reside en aliarse de los tonos neutros como la gama de beiges y nudes o el incombustible blanco y/o negro que representan la opción más sencilla y práctica. Los tejidos satinados le dan al verde lima más luz y son favorecedores en prendas vaporosas como faldas y vestidos con movimiento. ¿Liso o estampado? Aunque la primera opción sería la más efectiva, también se puede mezclar con prints y texturas con relieve. Nuestra apuesta son los tejidos que juegan con las distintas tonalidades de verde lima a través de motivos geométricos, estampados florales o lentejuelas bordadas, y, a su vez, introducen otros colores armónicos. En ocasiones, no hace falta apostar por la versión más estridente, te puedes sumar a la tendencia en clave discreta apostando por los tonos pastel. Aquí te dejamos nuestras inspiraciones en rabioso verde lima. ¿Qué te parecen?

Jueves 20 junio 2019

Balenciaga y la pintura española

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acaba de inaugurar una exposición que vehicula de forma elegante la creación de Cristóbal Balenciaga con la tradición de la pintura española de los siglos XVI al XX. Una insólita muestra donde el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos dialoga junto a algunos de los cuadros que firman grandes nombres de la historia del arte español, una de sus principales fuentes de inspiración. Así de ambiciosa es la exposición ‘Balenciaga y la pintura española’.

La muestra está comisariada por Eloy Martínez de la Pera, quien ha seleccionado para la ocasión un total de 90 valiosas piezas de indumentaria, muchas de ellas expuestas por primera vez y procedentes del Museo Balenciaga de Guetaria, Museo del Traje de Madrid y Museu del Disseny de Barcelona, así como de colecciones particulares nacionales e internacionales. Acompañan los vestidos, un excepcional conjunto de 55 cuadros, entre los que destacan obras de El Greco, Velázquez, Murillo, Carreño de Miranda, Zurbarán, Goya, Madrazo o Zuloaga. En su conjunto una selección de cuadros procedentes de colecciones privadas y museos de ámbito nacional como el Museo del Prado o el Museo de Bellas Artes de Bilbao.

El recorrido por las salas sigue un itinerario cronológico a través de las pinturas, a las que acompañan los vestidos vinculados a cada estilo o a cada pintor. Se crean así conexiones basadas en elementos conceptuales, en formas y volúmenes, en complicidades cromáticas, que dan lugar a un fascinante diálogo entre moda y pintura, entre la creatividad del genial modisto vasco y sus fuentes de inspiración.

Balenciaga con el arte y la cultura española

Las referencias al arte y la cultura española siempre estuvieron presentes en el trabajo de Cristóbal Balenciaga. Las líneas simples y minimalistas de los hábitos religiosos o el volumen arquitectónico de estos tejidos son una constante en muchas de sus piezas. El aire de una bata de cola de una bailaora flamenca que se deja ver en los volantes de algunos vestidos o los brillos del traje de luces de un torero trasladados con maestría al paillette bordado de una chaqueta bolero, son algunos ejemplos. Balenciaga revisaba continuamente la historia del arte y, con su fuerte personalidad y estilo, mantuvo esas influencias hasta en su periodo más vanguardista, recuperando hechuras históricas y reinterpretándolas de manera moderna.

Cristóbal Balenciaga: “Un buen modisto debe ser arquitecto para los patrones, escultor para la forma, pintor para los dibujos, músico para la armonía y filósofo para la medida”

Más allá de seguir la trayectoria cronológica, el recorrido de la exposición permite revisar el arte desde una mirada diferente, poniendo la atención sobre los pintores como creadores y transmisores de moda, y como maestros en la representación de telas, texturas, pliegues y volúmenes. Como no podía ser de otra manera, el espacio en su totalidad de la muestra rinde homenaje al negro, uno de los colores fetiche de Balenciaga, y por muchos de sus grandes hitos como la línea barril, el semientallado, las faldas balón, la túnica, el vestido saco o el baby doll, para concluir a finales de los 60 en la abstracción.

“Balenciaga y la pintura española” es sin duda la exposición más ambiciosa y representa la muestra más completa sobre el modista español desde la primera retrospectiva que se le dedicó en 1973. La muestra se podrá visitar hasta el 22 de septiembre de 2019 en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid. El proyecto cuenta con la colaboración de Herbert Smith Freehills y Las Rozas Village.

Una vida influenciada por la pintura

Balenciaga nació en Getaria (Guipúzcoa) en 1895, hijo de José Balenciaga, pescador, y de Martina Eizaguirre, costurera. Siendo niño, se inició en el oficio de la mano de su madre, que cosía para destacadas familias de la zona, entre ellos, los marqueses de Casa Torres, que pasaban los veranos en el palacio Aldamar, en la localidad guipuzcoana, también conocido como Vista Ona. Fue allí donde el joven Cristóbal entró en contacto con el gusto de la élite aristocrática y donde pudo admirar trajes y telas de las mejores sastrerías y tiendas de moda y tejidos de Londres y París. Fue ahí también donde tuvo ocasión de contemplar y disfrutar de la magnífica colección de arte que poseían los marqueses y de su extensa biblioteca. Esta excelente introducción al mundo de la moda y del arte, unida a su extraordinaria sensibilidad, fue lo que sin duda le llevó a dedicar su vida al diseño desde fecha muy temprana.

En 1939, Balenciaga se inspiró directamente en Velázquez para el diseño de su vestido Infanta, una reinterpretación moderna de los trajes con los que el pintor retrató a la infanta Margarita de Austria y que el diseñador presentó ese mismo año en París. Tres años antes, en 1936 y como consecuencia del estallido de la guerra civil en España, Balenciaga se había trasladado a la capital francesa. Se encontraba ya en una etapa de plena madurez creativa, tras haber fundado en las décadas anteriores establecimientos de moda en San Sebastián, Madrid y Barcelona y contar entre su clientela con la alta sociedad y la Familia Real españolas. En agosto de 1937 abrió su taller en la avenida George V de París. Las creaciones de Balenciaga en estos años estaban impregnadas del contexto cultural de su país de origen, convirtiendo este periodo en todo un homenaje a la estética de ‘lo español’.

Con su estilo innovador, total dominio de la costura y un alto nivel de exigencia, muy pronto se consagró como uno de los diseñadores más influyentes del panorama internacional. En París entró en contacto con una clientela cosmopolita y empezó a llamar también la atención de los medios de comunicación de todo el mundo que lo encumbraron como el “rey de la alta costura”. Tenía predilección por los tejidos con peso, que enriquecía con bordados hechos a mano, pedrería o lentejuelas. Sin apenas cortes ni costuras, creaba vestidos de formas rectas o redondeadas, dando a sus prendas un acabado perfecto, casi escultórico. Su sentido de la proporción y la medida, el manejo de la técnica y búsqueda de la excelencia le reportaron la admiración de sus colegas contemporáneos -como Christian Dior, que lo consideró “el maestro de todos nosotros”, o Coco Chanel, que lo calificó como “el único auténtico couturier”-; y en su taller o con sus consejos se formaron algunos de los diseñadores más importantes del siglo XX como Hubert de Givenchy, Emanuel Ungaro, Óscar de la Renta o Paco Rabanne.

Fotos: Cedidas por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Jueves 13 junio 2019

Cuaderno de Tendencias: Primavera-Verano 2020

Como es habitual, en nuestra aula Gratacós siempre suceden acciones vinculadas con el diseño y la creatividad. Esta vez, le ha llegado el turno a la prestigiosa agencia de investigación Nelly Rodi con la celebración de una nueva edición de su tradicional ‘Cuaderno de Tendencias’. Una presentación ágil y didáctica que organizamos dos veces al año, donde estudiantes de diseño y profesionales del sector se reúnen para conocer las principales tendencias que marcarán la temporada Primavera-Verano 2020. Siempre desde un contexto que afecta directamente a la industria de la moda, teniendo en cuenta la situación socioeconómica global. Esta charla instructiva la imparte desde hace años Úrsula Uría, portavoz en España de Nelly Rodi y en ella, se presentan tendencias más concretas que afectan al consumo, los estilos de vida, los colores, las siluetas… y marcarán las pautas del próximo verano. Siempre desde un punto de vista orientativo. La predicción ya se sabe que no es una ciencia cierta, pero ayuda a fijar unas pautas.

En esta última iniciativa, Úrsula Uría nos sitúa dentro de un contexto económico de espera, donde el mundo se prepara para afrontar una nueva crisis económica mucho más dura que la anterior. Esa es la clave para entender la macrotendencia Jump que influirá a las cuatro tendencias que se presentan: “Necesitamos coger impulso porque lo que nos viene es aún peor de lo que hemos vivido. Se nos acumulan las crisis que ya apreciamos dentro del contexto político, los movimientos sociales o la fragilidad económica”, asegura.

Úrsula Uría: “Necesitamos coger impulso para afrontar las crisis que nos esperan”.

A partir de este escenario poco alentador, Nelly Rodi predice cuatro tendencias que afectarán la industria de la moda y que se engloban dentro de las siguientes categorías: Holiness, Invencible, Vision y Spotlight.

1. HOLINESS

Una tendencia minimalista que apela a los clásicos, a la era antigua, al esplendor de la Grecia clásica y el Imperio Romano. Una revisión de la mitología y las primeras culturas para buscar nuevas soluciones creativas. “En lo clásico encontraremos la única manera de avanzar como sociedad cogiendo lo mejor que han hecho e innovar”, explica Uría. Holiness también se inspira en Marruecos y en Egipto, en los desiertos del norte de África.

Referencias visuales: El museo de Yves Saint Laurent, el libro ‘Homo Deus’ de Yuval Noah Harari, la influencer de yoga italiana Aria Crescendo, el hotel austero de Adrere Amellal en Siwa, la meditación, la introspección y la espiritualidad.

Siluetas: Las prendas oversize, fluidas y vaporosas, el falso minimalismo, los looks cómodos y confortables, los materiales mullidos y suaves, los tejidos naturales: lino, ante, napa, bambú… se prioriza lo orgánico y los detalles hechos a mano. Es una línea premium que prescinde de los estampados. La sofisticación que busca la comodidad por encima de todo. Lo artesanal juega en otra liga.

Siluetas: Predominan los trazos rectos, las líneas bien marcadas y las prendas versátiles y funcionales.

Colores: La paleta de marrones, beiges y crudos es la protagonista de la tendencia. Los tonos que emulan los minerales con sus tonos y relieves. Es una evolución de todos los nude. La segunda línea de color hace referencia a la terracota y el azul de Marrakech.

Conceptos clave: Peregrino moderno, civilizaciones antiguas, minimalismo ético, introspección y los orígenes.

2. INVENCIBLE

Una tendencia maximalista que hace referencia a las revoluciones culturales, a los movimientos sociales, al activismo y a una mayor concienciación hacia temas globales como la naturaleza y el medio ambiente. “Esta tendencia conecta con el hecho de ser combatiente de una manera creativa, no agresiva”, detalla Uría. Un estilo que también conecta con la pasión por lo extremo como los deportes de riesgo, la adrenalina y la supervivencia.

Referencias visuales: La pop up de Adidas en Seúl, la deportista Emily Sukiennik, las prendas multifuncionales, el fashion tech, el Salón de Supervivencia de París, el concepto de explorador, la piel mutacional de los reptiles, Comme des Garçons…

Siluetas: Los tejidos técnicos, las prendas reversibles y la ropa inspirada en el deporte que se concibe como una nueva forma de relacionarse. Los estampados se mezclan entre sí, no hay límites.

Colores: La primera paleta se llama alerta y es mucho más explosiva con tonos vinculados con los plásticos como el azul vibrante y el verde botella. La segunda paleta hace referencia a lo tribal y se vincula con los tonos camuflaje: los falsos negros y los tonos que emulan la piel de los lagartos y las serpientes.

Conceptos clave: Protección, deportes extremos, outdoor y rol de ganador y vencedor

3. VISION

Una tendencia minimalista que apela a la juventud, la sostenibilidad y a tecnología. Se habla de las utopías: “Hablamos de las ganas de cambiar el mundo desde la happyterapia”, apunta Úrsula Uría. En esta corriente positiva no existe lo feo o lo raro ya que se considera que la belleza está en todas partes, siempre que no sea ofensiva.

Referencias visuales: Los modelos poco convencionales, la feria sostenible de Berlín, el proyecto colaborativo The Student Hotel, la última campaña de ASOS, las últimas campañas de Delpozo, la estética Agatha Ruiz de la Prada…

Siluetas: Las prendas confortables que presentan colores contrastados que sorprenden: amarillos con verdes, verdes con naranjas, naranjas con rosas… También los estampados arty que emulan los aerosoles desde un punto de vista fresco y juvenil, los escotes Bardot que conectan con la nueva sensualidad femenina. Los estampados juegan a divertirse como, por ejemplo, rayas con cuadros… siempre con un color de hilo conductor. Abundan las repeticiones geométricas.

Color: La primera paleta hace referencia a los tonos bebé en su versión más lechosa y descafeinada. La segunda apela a una gama de colores más sorbete con texturas gelatinosas.

Conceptos clave: Utopía feliz, eco conciencia, tecnológico soft, futuro positivo, romanticismo contemporáneo y ser solucionista.

4. SPOTLIGHT

Una tendencia maximalista que apela al glamour y al exceso con aires retro. Hace referencia a las fiestas al aire libre en terrazas y piscinas en escenarios como Las Vegas o Los Ángeles. “Vuelve la mujer sexy, excéntrica y atrevida inspirada en los años 50”, añade Uría.

Referencias visuales: Palm Spring, la pop up de Coco Chanel en Malasia con máquinas expendedoras de belleza, los clubes nocturnos, las fiestas exclusivas, el brilli-brilli, el art-decó, Los Ángeles de Charlie, la belleza de lo sexy, el denim, los brillos de las piscinas de día y de noche

Siluetas: Los vestidos, los monos, las túnicas largas, las mangas abullonadas, los escotes pronunciados… las prendas más sofisticadas en tejidos que irradian luz como lentejuelas o lamés. Se da mucha importancia al complemento. Se llevan también los estampados florales, pero con fondos oscuros

Color: La primera paleta se centra en el color dorado y sus tonos más envejecidos. También en la gama de marrones que recuerda al tabaco y el cuero. La segunda gama de color apela a los violetas, los rojos muy oscuros y los malva que le aportan ese toque sofisticado.

Conceptos clave: Glamour extravagante, hedonista glam, poder del pop, tropical, actitud positiva para tu cuerpo y nuevo empoderamiento.

Viernes 07 junio 2019

Gratacós en el Primavera Sound

Hay alianzas potentes, que funcionan a la perfección porque surgen de forma natural y espontánea. Y el resultado salta a primera vista cuando todo un engranaje de profesionales se coordina para conseguir un único objetivo, que va más allá de la sorpresa o la emoción. En este caso, hablamos de la unión entre la moda y la música a través de nuestras últimas colaboraciones que se han visibilizado en la pasada edición del Primavera Sound con nombres de peso dentro de cada disciplina. Sí, podemos decir coloquialmente que Gratacós ha saltado al escenario a través del vestuario de tres jóvenes artistas con muchísimo potencial: Rosalía, Nathy Peluso y María José Llergo.

¿En qué consistió la colaboración?

Siguiendo uno de nuestros principios como empresa que es el de apoyar a los futuros profesionales del sector, sean jóvenes talentos o diseñadores consolidados, y establecer sinergias con ellos, nos surgió un nuevo reto a principios de año muy motivador. Las firmas Dominnico, del diseñador alicantino Domingo Lázaro Rodríguez y la barcelonesa Colmillo de Morsa nos contactaron con un proyecto de colaboración entre las manos que nos enganchó des del primer momento. Estas firmas iban a diseñar en exclusiva el vestuario de Rosalía y de Nathy Peluso, unos diseños que las artistas exhibirían en primera persona durante sus giras promocionales por medio mundo. En el caso del Primavera Sound, también contamos con la colaboración de Manuel Bolaño que quería sorprender con un diseño ideado para la actuación de la cantante María José Llergo.

Estas firmas, que son amigos y clientes, buscaban algo innovador, exclusivo y de calidad para elaborar los vestuarios de las artistas. ¡Algo que causara auténtico furor por su creatividad y exclusividad! Ellos saben que nosotros, como creadores de tejidos, pueden contar con un surtido de propuestas que satisfacen estas necesidades. Es más, en ocasiones, es a través de la materia primera – en este caso el tejido- cuando van surgiendo desde el inicio, las ideas más disparatadas. ¡Y ese punto de experimentación -y algo de locura- nos encanta y nos divierte! Además, creemos firmemente en el proyecto de estas tres firmas y en las personas que hay detrás. Así que estuvimos encantados de colaborar en el proyecto de vestir a tres jóvenes divas de la música actual en el Primavera Sound.

Para la ocasión, Dominnico escogió un maravilloso Jacquard acolchado en rosa chicle con hilaturas irisadas para crear ese despampanante look de amazona que lució Rosalía en su actuación del Primavera Sound. Ese tejido estaba presente en el body que se enfundó la artista catalana con hombreras pronunciadas. El outfit se complementó con una chaqueta y unas perneras a juego, que se definían en la cintura con apliques dorados. Un outfit transgresor, inspirado en el estilo ‘Dirty’ de Christina Aguilera, que contó también con el diseño y estilismo de Daikyri, hermana de Rosalía. A nadie dejó indiferente este vestuario. Hablamos del valor seguro que supone Domminico, que ya cuenta como clientas a otras artistas de la moda y el espectáculo a nivel internacional como Lady Gaga que se ha vestido de la firma en tres ocasiones.

En el caso de Colmillo de Morsa, su reto era vestir a Nathy Peluso, la artista argentina afincada ahora en Barcelona que triunfa por su música: “es capaz de hacer hip-hop bailable y acompañado de jazz”, y por su estética trap que seduce a los jóvenes de la generación Z. De hecho, recientemente diseñó para Berskha una colección cápsula donde plasmó sus referentes estéticos. La diseñadora Elisabet Vallecillo eligió un bordado de algodón para confeccionar los metros y metros de volantes que utilizó para diseñar la espectacular falda en cascada y el top con escote cruzado que llevaba la artista argentina. El bordado era blanco y la diseñadora lo tiñó a posteriori para conseguir este tono rojizo tan exuberante para un atuendo inspirado en La Habana.

Por último, Manuel Bolaño se encargó de idear un espectacular abrigo para María José Llergo. La cantante cordobesa de 24 años, residente en el barrio de Gràcia de Barcelona, es una de las jóvenes promesas de la música de autor con canciones, que ella misma escribe y compone, con un estilo muy singular de raíz flamenca y muy vinculado a su tierra de origen. Bolaño escogió para ella un tafetán negro para confeccionar un precioso y contundente maxi abrigo que no pasó desapercibido entre los espectadores del Primavera Sound.

Lo más apreciado es que en los tres looks, los diseñadores respetaron la estética de cada artista, sin perder su esencia como creadores. Es aquí cuando se da esa fusión mágica entre moda y música. ¡Todo un arte!

Viernes 31 mayo 2019

Carlota Barrera despunta como diseñadora emergente

Recuerda su nombre porque no ha hecho más que empezar y su aura ya brilla con fuerza dentro del panorama de jóvenes talentos de la moda española. Se llama Carlota Barrera, tiene 26 años y proviene de Gijón. Ella iba para arquitecta, pero la moda se cruzó en su camino y su arriesgada apuesta por dar un giro contemporáneo a la moda masculina española ha convencido a los expertos que la han galardonado recientemente con el premio Vogue Who’s On Next 2019. Este galardón, que se entrega anualmente, es una iniciativa internacional de la revista Vogue, que en España supone el mayor premio de la moda española al tener una dotación de 100.000 euros de la mano de Inditex, que apoya la iniciativa desde la primera edición. Un premio económico en reconocimiento al talento que tiene como objetivo desarrollar un plan de negocio, e incluye también la inscripción automática en ACME (Asociación de Creadores de Moda de España), la posibilidad de participar en la siguiente edición de la pasarela Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, así como contar con el apoyo de la influyente revista.

El controvertido Jean Paul Gaultier, Presidente del Jurado, fue el encargado de desvelar el nombre de la ganadora durante la ceremonia. Los otros dos finalistas de esta octava edición fueron el diseñador sevillano Ernesto Naranjo y la pareja madrileña Oteyza. Este premio supone un respaldo para la carrera profesional de la diseñadora asturiana residente en Londres, tal y como ha venido ocurriendo en ediciones pasadas con ganadores como Marcela Mansergas, Juan Vidal, Maria Ke Fisherman, ManéMané, Moisés Nieto, Leandro Cano y Palomo Spain, galardonado en 2018. Carlota Barrera pasa así a formar parte de ese elenco de jóvenes prometedores de la moda española. La llamada Generación Who’s On Next.

Un giro a la moda masculina

Carlota Barrera es asturiana, pero reside en Londres. De hecho, su carrera empezó en la capital británica, después de sacarse un master en el London College of Fashion y tras trabajar en varias casas de alta costura. En 2018, la joven diseñadora decidió cumplir su sueño al apostar por una firma que sacudiera la moda masculina española bajo tres pilares básicos: la tradición, la artesanía y la responsabilidad. Esos son los fundamentos de las creaciones que alberga su firma homónima.

De hecho, su joven firma está constantemente implicada en la búsqueda e innovación de los mejores tejidos que provengan de unos procesos respetuosos con el medio ambiente. Y aunque su estudio se encuentra en Londres, desde donde realiza el desarrollo de la marca, presenta sus colecciones en España, y sus productos más emblemáticos son aquellos hechos con materiales que evocan su país de origen. “Somos una pequeña marca que considera imprescindible tener el control de la cadena de valor y poder mantener unos valores éticos y justos en todos sus procesos”, aseguró la diseñadora en la entrega del premio.

Carlota Barrera diseña para un público de 20 a 45 años. Un hombre joven que busca patrimonio, lujo y sofisticación en un tipo de prendas que siguen los mandatos de la sastrería clásica con sus patrones limpios y sus motivos artesanales, pero con un enfoque más moderno y estético. Lo de antes con una visión actual. Aunque su principal cliente sean hombres, Carlota Barrera también viste a mujeres que se sienten atraídas por la imagen masculina y su indumentaria. Entre sus principales objetivos se encuentra obtener notoriedad de marca, desarrollarla y realizar una expansión internacional haciendo hincapié a la moda autóctona y en la cultura de las raíces.

Su primera colección masculina fue “El Matador y el Pescador” y la misión que se marca en cada propuesta es conseguir la máxima calidad en sus colecciones, uniendo tradición y contemporaneidad para satisfacer la demanda del hombre más vanguardista. Esta inyección económica y el respaldo de Vogue pueden significar un cambio enorme en la proyección de Carlota Barrera y un buen empujón para tirar hacia adelante esta joven firma que tiene –y seguramente tendrá- mucho que explicar. La carrera de la diseñadora asturiana no ha hecho más que empezar.