Viernes 23 febrero 2024

Los tejidos Gratacós en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. Colecciones AW24/25

Como es habitual, Gratacós sigue de cerca las principales pasarelas de moda española en busca de looks sorprendentes que se crean a partir de nuestros tejidos. Nos encanta ver cómo cada diseñador juega con la creatividad y la adapta a su estilo, convirtiendo algunos de los artículos de las próximas colecciones en pequeñas obras de arte en movimiento. Esto nos resulta sumamente inspirador porque somos observadores por naturaleza.

En la reciente edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada en febrero 2024, pudimos comprobar una vez más que las principales firmas españolas confían en nosotros. A continuación, te presentamos algunos de los looks de las colecciones del próximo Otoño Invierno 2024/2025.

Fely Campo

Medio siglo en el mundo de la moda se dice rápido, pero representa a efectos prácticos un gran esfuerzo cimentado en la pasión y la persistencia. Fely Campo ha rendido homenaje a su 50 aniversario en el mundo de la moda con la colección ‘The Way Here’, el camino hasta aquí. Una auténtica declaración de intenciones en una de sus propuestas más personales e intimistas que vehicula las emociones y reflexiones surgidas a lo largo de estos años dedicados a la profesión.

La colección es un testimonio de medio siglo de dedicación, innovación y excelencia en el diseño de moda. Así, cada pieza refleja el viaje personal y profesional de Fely Campo, desde sus inicios hasta la consolidación de su firma como un referente de la moda española.

La paleta de colores se sumerge en el negro, el tono fetiche de Fely Campo, iluminada por tonos rojizos que se refrescan con matices verdes. El color plata, el dorado y el beige añaden madurez y sobriedad a esta paleta, creando una experiencia visual única. ‘The Way Here’ también fusiona una variedad de tejidos, desde cálidos paños hasta atrevidos lamés, esenciales tafetanes, mágicos brocados y novedosas organzas, en una expresión de pasión y experimentación sin límites.

Un total de 26 looks han encapsulado este apasionante itinerario de 50 años. Un tributo al legado y la dedicación de Fely Campo a lo largo de su carrera.

Encinar

Pocas firmas han logrado trazar un rápido recorrido en la pasarela madrileña como Encinar. Fabio Encinar debutó en IFEMA en febrero de 2023, y un año después, la firma ha regresado a la pasarela madrileña para mostrar una colección sólida en todos los aspectos que demuestra como la marca logra fusionar artesanía con cultura en todas sus creaciones.

Esta vez, Encinar se inspira en las raíces españolas y su folklore tradicional a través de la mirada de Aline Griffith, Condesa de Romanones. Una de las mujeres más influyentes del siglo XX. Griffith, era una espía para la oficina de cuerpos estratégicos en la América de Franklin Roosevelt, que se integró en la alta sociedad española en la postguerra, en las noches de fiestas sofisticadas y tablaos flamencos -entre sus amistades más cercanas se encontraban la duquesa de Alba o Lola Flores-, y que terminó enamorándose del conde Álvaro Figueroa Torres. En su recuerdo ha querido inspirarse el diseñador, con la ayuda de Lulu Figueroa, nieta de Aline Griffith, quien le ha ayudado a empaparse de su historia.

Los looks de esta nueva colección arrancan con tonos negros haciendo referencia a su época de espía y van evolucionando a colores que cobran fuerza hasta romper en sedas salvajes, moaré, tafetas y brocados que se fijan en las noches de piano bar y embajadas donde la ya condesa deja constancia de su estilo.

La nueva colección representa una oda a la evasión. A sumergirse en otras épocas en las que el código de vestimenta marcaba el ritmo nocturno de la capital española y un elenco de artistas internacionales compartían mesa en Horcher con príncipes exiliados, toreros de renombre o el más alto espionaje de cada bando… Un homenaje de la firma a la España del tablao, Ava Gardner, Manolete, la costura de posguerra y sobre todo la condesa de Romanones: Aline Griffith.

Malne

Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, el dúo de creativos detrás de Malne, han revolucionado la pasarela madrileña con una nueva colección que se mantiene fiel a su estilo pret-à-porter de lujo. La nueva propuesta para la próxima temporada, llamada “Revolution”, se basa en un estado de ánimo, un estilo propio y una fuerza imparable.

La colección comienza con prendas lujosas que siguen las tendencias marcadas, como las lentejuelas XL, los tejidos con acabados brillantes y las siluetas masculinas. Sin embargo, a medida que las modelos desfilan y se muestran las prendas, uno se da cuenta rápidamente de que se rompe con el glamour clásico, atreviéndose con estilos de cortes militares y grandes volúmenes. La paleta de colores de la nueva propuesta de Malne es vibrante y ofrece la seducción de la seda, el crepé y la organza. Como asegura la marca: “Nada es lo que parece y todo es lo que imaginas.

Paloma Suárez

Hace un tiempo que seguimos la trayectoria de Paloma Suárez porque nos gustan sus propuestas que apuestan por esa modernidad renovada de alguien que es capaz de fusionar los códigos de estilo desde un punto de vista fresco y juvenil.

Considerada una de los new talents de la moda española, Paloma Suárez va llegando a su madurez creativa manteniendo esa visión contemporánea que la caracteriza. En esta ocasión, la diseñadora toma como punto de partida, uno de los valores que mueven el mundo: “La valentía es la fortaleza de una persona cuando actúa con decisión y firmeza haciendo frente a sus miedos inquietudes y dudas.” De esa fortaleza y actitud en ser, avanzar, evolucionar y alcanzar metas nace ‘Brave’.

Una propuesta ecléctica, de género neutro, en la que Paloma Suárez aprovecha para desarrollar nuevas técnicas textiles sustentas por su savoir faire. Por ejemplo, en la propuesta para el próximo invierno se encuentran como protagonistas tejidos como la piel vegana, siluetas con guiños a la estética militar y una paleta de color quebrada en nuevos tonos como el marrón se incorporan al amplio catálogo colorista que identifica los diseños de la diseñadora canaria. Los complementos cobrarán protagonismo en esta colección para cerrar looks significativos. La artesanía, sostenibilidad, gusto por los detalles y la fusión de la alta costura con elementos urbanos no pueden faltar en lo que ya es un sello consolidado dentro del universo de la firma.


Miércoles 31 enero 2024

5 tejidos que son una buena inversión (ahora y siempre)

Un espectacular vestido de lentejuelas de la firma Acuamona.

Aunque apreciamos todos los tejidos por igual debido a su singularidad, reconocemos que existen ciertos artículos que resisten mejor la prueba del tiempo y se convierten en una inversión inteligente para cualquier época del año. Aprovechando las últimas semanas de descuentos de nuestra colección de invierno, Gratacós te presenta cinco artículos que no pierden su relevancia, a pesar de las efímeras tendencias. Además, ahora los puedes encontrar a precios más atractivos en nuestra sección outlet.

Tweed

Este tejido destaca por su extraordinaria riqueza en todos los aspectos imaginables: posee un legado histórico que se remonta a las Highland escocesas; es un comodín en constante evolución; resulta fácilmente reconocible a simple vista y se inspira en la elegancia clásica, al tiempo que exhibe un carácter camaleónico que le permite adaptarse a versiones más contemporáneas. ¿Qué más se puede pedir?

Se trata de un tejido con apariencia irregular, de tacto rugoso, textura calada y elástica, con patrones bien definidos como el houndstooth, windowpane y herringbone. Este artículo se presta al cosido y al planchado, ofreciendo una versatilidad que puede trascender los límites del género, o más bien, que no los tiene.

De origen modesto, el tweed proviene de Escocia y era un tejido común en la vestimenta de abrigo de las clases populares, utilizado en el campo para enfrentar las adversas condiciones climáticas. En el siglo XIX, la aristocracia inglesa encontró en este tejido su mejor aliado para llevar a cabo actividades campestres y deportes al aire libre. Quien supo conferirle un halo de glamour al tweed fue, sin duda, Coco Chanel, que a finales de los años 20 del siglo XX lo incorporó al guardarropa femenino en prendas que se han convertido en símbolos, como sus chaquetas cortas o faldas lápiz. Este tejido proporcionaba a la mujer de la época un extra de comodidad sin perder un ápice de elegancia.

Descubre todos nuestros tweeds de temporada.

Mikado

El mikado es una joya textil que se distingue por su exclusividad y sofisticación, encerrando consigo una historia milenaria. Originario de Japón, este tejido ha logrado cautivar a diseñadores gracias a su singularidad y a su capacidad para transformar prendas aparentemente simples en auténticas obras de alta costura.

Empezamos por su nombre. Significa ‘emperador’ en japonés, un título que refleja su regio esplendor. El mikado se produce mediante un proceso especial de fabricación y acabado, confiriéndole así un aspecto lujoso y una estructura firme. Inicialmente destinado a la confección de kimonos imperiales y otras prendas ceremoniales, el mikado simboliza la nobleza y la elegancia. Dada esta rica carga simbólica, no sorprende que en la actualidad sea uno de los tejidos más utilizados y demandados en el ámbito nupcial.

El mikado se distingue por su estructura pesada y su superficie ligeramente brillante, proporcionándole un aspecto opulento y un tacto distintivo. Compuesto a menudo de seda, este tejido destaca por su suavidad y la capacidad para crear pliegues elegantes. Además, su habilidad para mantener su forma lo convierte en el tejido ideal para la confección de vestidos de alta costura que requieren volumen y estructura

Encuentra nuestras propuestas de mikado. Desde diseños lisos hasta los motivos florales o de inspiración geométrica.

Lentejuelas

A este tejido no le hacen falta presentaciones. Las lentejuelas son las auténticas protagonistas del vestuario femenino, desplegando su resplandor a lo largo de décadas. Ya sea de día o de noche, en cualquier ocasión, las lentejuelas aportan luminosidad y se vinculan con el lujo y el glamour.

Su legado histórico se remonta a la antigüedad, cuando estas diminutas piezas brillantes se utilizaban en prendas de vestir en el Antiguo Egipto, añadiendo destellos a las vestimentas de esa época. Sin embargo, su renacimiento ocurrió en la década de 1920, durante la era del jazz y los vibrantes años veinte, convirtiéndose en símbolos de opulencia y sofisticación. Su apogeo llegó en la década de 1930, cuando las estrellas de Hollywood comenzaron a lucir vestidos decorados con este tejido en las alfombras rojas. Desde entonces, las lentejuelas han sido sinónimo de glamour y cierta extravagancia. Diseñadores de renombre mundial, desde Coco Chanel hasta Versace, han incorporado este brillante tejido en sus creaciones, consolidando su estatus como un elemento atemporal en la moda de lujo.

Lo que define a las lentejuelas es su capacidad para transformar cualquier prenda en una obra maestra de brillante elegancia. Estas pequeñas piezas, generalmente de metal, plástico o material reflectante, se cosen en patrones para crear un efecto visual deslumbrante. Su brillo, a menudo asociado con la luz de las noches de gala, ha sido un componente esencial en la moda nocturna y en la alta costura.

Hoy en día, las lentejuelas han trascendido las ocasiones festivas, conquistando la moda urbana con propuestas contemporáneas que se adaptan a cualquier estilo.

Encuentra las lentejuelas que se adaptan a tu estilo.

Jacquard Floral

El Jacquard floral es una obra maestra textil que fusiona la destreza técnica con elementos inspirados en la naturaleza. Originario de Francia, este tejido se distingue por su elaborado patrón en relieve. La clave reside en su técnica, que lleva el nombre de Joseph Marie Jacquard, que ha dejado una huella distintiva en la historia de la confección de telas, convirtiéndose en un símbolo de lujo y sofisticación.

En el siglo XIX, su inventor introdujo una innovadora máquina de tejer que revolucionó la industria textil al permitir la creación de patrones intrincados y detallados. Esta tecnología pionera llevó la fabricación de telas a nuevos niveles, posibilitando la reproducción precisa de motivos ornamentales y diseños complejos.

Lo que hace único al tejido Jacquard es su capacidad para generar patrones en relieve con una variedad de colores y texturas. Este proceso se logra mediante la cuidadosa combinación de hilos de diferentes colores y tipos, creando una obra de arte tridimensional en cada hilo. La textura resultante es rica y lujosa, aportando una profundidad visual única a la tela. El Jacquard también ha ganado su lugar en el mundo de la moda gracias a su versatilidad en el diseño. Desde trajes de alta costura hasta prendas más informales, el Jacquard se ha extendido en una amplia gama de prendas que incorporan desde patrones geométricos hasta los motivos florales más exquisitos.

Añade un toque de romanticismo y feminidad a tus creaciones con estos Jaquards florales.

Pata de Gallo

El tejido pata de gallo es uno de esos clásicos atemporales que resiste las tendencias efímeras para convertirse en un símbolo de elegancia y estilo. Su historia se remonta al siglo XIX en Escocia, donde los tejedores locales lo crearon con esmero. Inicialmente conocido como houndstooth (dientes de perro), el patrón pata de gallo se distingue por bloques de forma abstracta que evocan las huellas de un gallo. Con el tiempo, este patrón trascendió las fronteras escocesas, convirtiéndose en un elemento icónico en la moda global.

Lo que confiere a los artículos con patrón pata de gallo su atractivo distintivo es su habilidad para combinar simplicidad y sofisticación. Compuesto generalmente por bloques repetitivos en blanco y negro, el patrón crea un efecto visual audaz y equilibrado. La versatilidad de este tejido se manifiesta en una amplia gama de prendas, desde trajes y abrigos hasta faldas y accesorios, adaptándose tanto a ambientes formales como a conjuntos casuales. Desde las pasarelas hasta las calles, la pata de gallo continúa siendo una elección elegante que evoca un aire de sofisticación clásica.

En Gratacós te recomendamos este tejido pata de gallo.

Martes 16 enero 2024

Una tormenta de nieve y estilo

Aya Jones by Txema Yeste for Harper’s Bazaar US. September 2019

Iniciamos el nuevo año sumergiéndonos en el mes más frío del calendario, cuando el invierno despliega todo su esplendor. En esta travesía inspiradora, exploramos los deslumbrantes paisajes glaciares: los techos nevados de nuestro planeta, las vastas extensiones inhóspitas cubiertas por un manto de nieve y hielo, y los abrumadores polos, donde el cielo y la tierra apenas se distinguen, y el espectro de blancos se apodera de una paleta de colores homogénea, donde cada pequeño matiz cromático es ampliamente perceptible.

Esta naturaleza helada, de carácter agreste y salvaje, donde la vida lucha por abrirse camino, también está cargada de belleza. Además, ha adquirido notoriedad recientemente gracias a éxitos cinematográficos como ‘La sociedad de la nieve’ de J.A. Bayona, que lidera las nominaciones de los Goya, y a series como ‘True Detective’ y ‘Fargo’, que han vuelto a poner en primer plano los impresionantes paisajes de Alaska, Minnesota y Dakota del Norte, convirtiéndolos en escenarios perfectos para tramas criminales en cada temporada.

Más allá de una tendencia estacional

La moda ha caído rendida ante el atractivo de los universos helados, incorporando a su repertorio la influencia de la vestimenta alpina inspirada en los deportes de alta montaña. Esta tendencia ha ido en aumento en los últimos años, manifestándose a través de colecciones après-ski que proponen prendas y accesorios tanto para dentro como fuera de las pistas. Inicialmente impulsada por las firmas más prestigiosas del sector, la estrategia fue adoptada posteriormente por grandes distribuidoras de moda, entre ellas Zara, que ha lanzado su propia colección de esquí.

Los paisajes helados también han servido de musa para numerosos diseñadores que encuentran en estos entornos desconocidos, distantes y misteriosos, fuentes de inspiración frescas para estructurar sus colecciones de invierno. Un ejemplo destacado es la propuesta de Zuhair Murad en 2015, que transportó a los clientes de la marca entre montañas nevadas, rocas escarpadas y rincones aún inexplorados. Murad, con su talento innato, logró equilibrar tejidos de ensueño, inspirados en las texturas de la nieve, utilizados en todos sus diseños, y patrones con volúmenes que marcaban la cintura. En 2021, Anthony Vaccarello de

Saint Laurent presentó su colección primavera-verano en el paisaje frígido de un glaciar islandés. Las modelos desfilaban entre rocas volcánicas negras, misteriosos vapores y aguas grises con estilismos que desafiaban los códigos burgueses de Saint Laurent.

Más recientemente, Demna Gvasalia, director creativo de Balenciaga, sorprendió al público en la presentación de su colección otoño-invierno 2022/2023 al transportarlos a una tormenta de nieve helada, rodeados de paredes circulares de cristal. Los modelos, con pasos lánguidos y ropas reducidas a una protección improvisada, desfilaban taciturnos en un paisaje helado marcado por la desolación. En este caso, este escenario gélido sirvió al director artístico de Balenciaga para denunciar el conflicto ucraniano.

Gratacós también se inspira la serenidad de los glaciares

Gratacós se adentra en la deslumbrante estética de los glaciares para explorar la belleza helada a través de tejidos cautivadores que capturan la serenidad y la elegancia de los paisajes gélidos. Nos dejamos inspirar por piezas que evocan la pureza del hielo y la nieve virgen, así como por aquellas que deslumbran con lentejuelas o sutiles destellos e iridiscencias. La seda, protagonista indiscutible, se despliega con una caída etérea que recuerda a la lentitud con la que el hielo se desplaza.

La moda glaciar abraza texturas que cuentan historias de frío intenso. ¿Cómo? A través de capas y pliegues que sugieren bloques de hielo superpuestos, mientras que los detalles en relieve aportan una dimensión tridimensional, recreando la complejidad de los glaciares. Bordados con hilos plateados y cristales translúcidos imitan el brillo de la luz solar sobre la nieve, añadiendo un toque de sofisticación a cada tejido. Otros tejidos bordados con tul y pedrería podrían emular las capas de nieve helada. En cuanto al relieve, imaginamos tejidos plisados u otros con suaves ondulaciones que imitan la topografía de los glaciares, proporcionando un movimiento orgánico a las prendas.

La paleta de colores de la moda glaciar se inspira en los tonos suaves y fríos de los glaciares. El blanco puro y el azul hielo dominan el espectro, creando una sensación de calma y frescura. Añadimos toques de plateado y gris perla que representan el brillo de la luz sobre la superficie helada, mientras que el turquesa profundo rinde homenaje a los matices encontrados en las grietas de hielo. Estos colores, combinados con maestría, reflejan la serenidad y la majestuosidad de los paisajes glaciares.

Encuentra entre los artículos de temporada de nuestra tienda online, esa inspiración helada de la que hablamos tan apropiada para la temporada de invierno.

Jueves 14 diciembre 2023

Peach Fuzz, el color de 2024, según Pantone


Peach Fuzz, el color elegido por Pantone para representar 2024. Foto: Cortesía de Pantone.

Pantone ha instaurado una tradición que los entusiastas del color esperan con fervor como antesala a las fiestas navideñas. Se trata de la elección de la tonalidad que marcará el rumbo de las tendencias en 2024 y que influirá en el arte, el diseño, la moda, la decoración o la publicidad, entre otras disciplinas creativas dirigidas por profesionales que se nutren de las últimas novedades del mercado, también cromáticas.

Un color sincero, tierno y empático

Siguiendo su vocación de bautizar los colores con nombre sutilmente sensuales, Pantone ha elegido el ganador para el año que viene. El color en cuestión se llama Peach Fuzz 13-1023 y es una tonalidad melocotón que evoca sinceridad y ternura, y transmite, según la autoridad mundial en cuestiones de colorimetría, un deseo de cuidar de nosotros y de los demás. Una tonalidad suave y aterciopelada cuyo espíritu envolvente enriquece la mente, el cuerpo y el alma. Así lo explica Laurie Pressman, vicepresidenta del Pantone Color Institute, en un comunicado sobre el color que lo teñirá todo en 2024. “Buscábamos una tonalidad que expresara nuestro deseo innato de cercanía y conexión, así que escogimos este radiante color que rebosa calidez y elegancia moderna. Es un color que despide empatía, nos arropa en un abrazo que casi podemos sentir y aúna con toda naturalidad lo juvenil con lo imperecedero”. Este tono cálido y reconfortante estimula el deseo de unión con los demás o de tener momentos de quietud, y la sensación de protección que esto genera.

El tono de la calma y de la paz interior

Según Pantone, Peach Fuzz 13-1023 es una atractiva tonalidad amelocotonada, cuidadosamente equilibrada entre el rosa y el naranja, que inspira pertenencia, relajación y la oportunidad de cuidar, evoca calma y ofrece un espacio en el que se puede vivir, sentir, sanar y prosperar. Por lo tanto, el color de 2024 es reconfortante y fomenta la paz interior y el bienestar. Peach Fuzz 13-1023 tiene tanto de idea como de sensación y estimula todos los sentidos, ya que hace percibir su tactilidad y envuelve a las personas en su calidez.

Un tono moderno que se refugia en la nostalgia

Peach Fuzz 13-1023 es un color dulce y ligero que evoca una nueva modernidad. Se centra en la experiencia humana de enriquecer y cuidar de la mente, el cuerpo y el alma, pero también es un tono melocotón sutilmente sofisticado, moderno y profundo, con una luminosidad suave pero efectiva que llena de belleza el mundo digital.  Un tono amelocotonado, poético y romántico que transmite limpieza y una sensación vintage, Peach Fuzz 13-1023 refleja el pasado, pero reimaginado para ambientes modernos. Esta última característica la hace especialmente interesante para el mundo del diseño y la decoración.

El significado del color en un contexto inestable

El Peach Fuzz 13-1023 es el color que substituye el Viva Magenta, que fue elegido como color de 2023. Lo defendían así: “Un tono arraigado en la naturaleza que vibra con energía y vigor. Que desciende de la familia roja y expresa una nueva señal de fuerza”. Así, ahora pasamos de la fuerza a la calidez.

“Cuando nuestra vida se ve afectada por la inestabilidad, crece aún más nuestra necesidad de cuidar y de tener empatía y compasión, así como de imaginar un futuro que traiga más paz”, explica de nuevo Laurie Pressman sobre el significado del color que veremos en los próximos meses a lo largo y ancho de todo Instagram y de tableros de Pinterest, así como, probablemente en las próximas tendencias tanto de moda como de decoración. “En un mundo en el que se suele enfatizar la productividad y los logros externos, es crucial reconocer la importancia de cuidar de nuestro interior y buscar momentos de calma, creatividad y conexión con otras personas en medio del ajetreo de la vida moderna”, añade la vicepresidente del Pantone Color Institute. Valorar los vínculos, el cariño y el hogar: “El color que hemos seleccionado tenía que expresar nuestro deseo de estar cerca de nuestros seres queridos y la felicidad que sentimos cuando conectamos con nuestro propio ser y disfrutamos de un momento de quietud a solas. Tenía que ser un color que transmitiera una calidez envolvente y un mensaje de compasión y empatía”, argumenta Laurie Pressman.

25 años marcando tendencias en color

En 2024 se cumplirán 25 años desde que Pantone Color Institute empezó a poner el color en el mapa sensorial y creativo del año siguiente. Fue en 1999 cuando el programa educativo Pantone Color of The Year involucró a la comunidad del diseño de todo el mundo en una conversación en torno al color. “Queríamos poner énfasis en la relación entre la cultura y el color para destacar ante nuestro público cómo lo que está ocurriendo en nuestra cultura global se expresa y refleja a través del lenguaje cromático”, explica de nuevo Pressman. En esta primera sesión salió un claro vencedor: el azul cerúleo (Pantone 15-4020), una tonalidad que volvió al estrado gracias a la película ‘El diablo viste de Prada’ y el célebre discurso de Meryl Streep sobre cómo funciona la industria de la moda. “Con los años, el programa Pantone Color of the Year se ha convertido en un referente cultural en todo el mundo y ha estimulado la imaginación de muchos diseñadores, marcas y consumidores”, explica Pressman.

Para llegar a la selección de cada año, el equipo de Pantone Color Institute recorre el mundo en busca de nuevas influencias cromáticas. Pueden encontrarse en la industria del entretenimiento (cine, series de televisión e incluso música), obras de arte y nuevos artistas. Por supuesto, en la moda y el diseño, pero también en lugares o conceptos más aspiracionales, como puedan ser destinos de viaje que empiezan a ser tendencia, estilos de vida, nuevas tecnologías y materiales, texturas o efectos (sí, como los filtros de Instagram) que generen interés o acaparen la atención de alguna forma.

Lo que comenzó siendo un catálogo con 500 colores que sirviese como guía para las artes gráficas ha crecido de tal manera que su influencia en las próximas tendencias se equipara a lo que la mayor celebridad del momento luzca en la portada de la revista Vogue. La guía Pantone cuenta ya con más de 2.000 referencias que se van actualizando cada 18 meses, con nuevos tonos más precisos que se van añadiendo a la lista.

Otra manera de contar la evolución como sociedad

El color desempeña un papel fundamental en la experiencia de las personas. Tiene una relación cercana con las emociones y la expresión de los sentimientos y en sus matices se aprecian también en cómo evoluciona la historia año tras año con sus ciclos de auge y descenso. El impacto del color también se nota en el mundo de la moda, en los colores de los cosméticos, en los artículos para el hogar, en el diseño automovilístico e industrial, y en los productos, embalajes, diseño multimedia e interiores de los comercios. “Nos complace enormemente haber estimulado a diseñadores y entusiastas del color de todo el mundo a contar sus historias a través del lenguaje cromático y a mostrar su creatividad en sus comunidades. Esperamos poder seguir haciéndolo durante muchos más años”, concluye Pressman.

Desde Gratacós también hemos querido hacer nuestro particular homenaje al Peach Fuzz 13-1023 con una selección de tejidos de colección en tonos melocotón para que vayas pensando un posible diseño para este 2024. Los encontrarás aquí: ¡Da rienda suelta a la imaginación!

Miércoles 22 noviembre 2023

Jeans, de la calle al Ritz

Todas las fotos son del Museo del Traje CIPE.

¿Cuántos vaqueros tienes en tu armario? O, mejor dicho, ¿cuántas prendas elaboradas con denim? Seguramente, la cifra mental ocuparía dos dígitos si nos ponemos a contar el número de pantalones, faldas, vestidos, camisas y chaquetas que cuelgan de las perchas y están confeccionadas con el mundialmente conocido denim, sin lugar a dudas, el rey de las telas.

Los jeans, el denim y la ropa vaquera son algunos de los elementos más universales en la moda contemporánea. Estas prendas trascienden las barreras de clases sociales en todo el mundo y, aunque inicialmente surgieron como prendas utilitarias para las clases trabajadoras, con el tiempo se han convertido en artículos comunes que unifican todos los armarios.

Desde la pionera Levi’s, fundada en 1853, hasta las actuales marcas de pret-à-porter y las casas de lujo. Si tuviéramos que definir el siglo XX hasta la actualidad en una pieza, esta sería seguramente un par de vaqueros: ya sea un modelo con grandes rotos, elementos de patchwork y bajos desalineados, o el estiloso modelo que llevaba Kaia Gerber en Valentino para el desfile de Alta Costura Otoño-Invierno 2023-2024. En palabras de Pier Paolo Piccioli: “La fuerza no está en los estilismos, sino en las prendas”.

Conscientes del poder universal y concebidos como un símbolo de nuestra cultura contemporánea, el Museo del Traje ha querido rendir homenaje a los eternos vaqueros con la exposición ‘Jeans, de la calle al Ritz’.

Comisariada por Josep Casamartina i Parassols e Ismael Nuñez Muñoz de la Fundació Antoni de Montpalau y coordinada por María del Mar Belver, la muestra rinde homenaje al vaquero. ¿Cómo? A través de un recorrido por la historia del tejido denim, desde sus orígenes como material en el siglo XVIII, pasando por el nacimiento del jean a mediados del siglo XIX y su enorme expansión a lo largo del siglo XX y comienzos del XXI, hasta sus infinitas variaciones formales y textiles, pero también simbólicas y sociales.

La propuesta incluye más de 200 piezas de indumentaria acompañadas de documentación gráfica y complementos procedentes de la Fundació Antoni de Montpalau, completados con préstamos de las colecciones privadas del coleccionista Josep M. Rovira, del archivo histórico de la marca Lois y del coleccionista Paco Sifre, así como de las empresas Jeanología y Evlox. Entre ellas destacan las firmas clásicas dedicadas a la confección de vaqueros como Levi Strauss, Lee, Lois o Pepe Jeans, pero también marcas como Cavalli, Armani, Kenzo, Paco Rabanne, Gloria Vanderbilt, Calvin Klein, Thierry Mugler, Jean Paul Gaultier, Dolce & Gabbana, Moschino, Versace, Gori de Palma o Christian Lacroix.

De Europa hasta los Estados Unidos. Los orígenes del denim

Los orígenes de este tejido se remontan a los siglos XVII y XVIII, hasta que a mediados del siglo XIX nace la prenda que toma el nombre del propio tejido. El denim es una sarga de algodón realizada con hilos torsionados muy resistentes y duraderos. Los inicios de la industria se sitúan entre Nimes —de aquí le viene el nombre— y Génova, donde estaban concentradas la mayoría de las fábricas que producían el tejido. El jean como tal no se “inventó” hasta 1860, cuando Levi Strauss comenzó a utilizar el tejido de sarga para confeccionar ropa de trabajo. Sin desvincularse de los Estados Unidos, la exposición sigue el transcurso de la historia y despoja al vaquero de su asociación exclusiva con la clase obrera, explicando cómo llegó a ser un símbolo de la masculinidad y, posteriormente, una prenda de empoderamiento femenino a través de su destacada difusión en el mundo del cine, la música o los movimientos urbanos.

La exposición también presenta un apartado sobre la producción de denim en Europa, con un tejido industrial de marcas dedicadas a la ropa vaquera que pronto alcanzarían una gran difusión internacional. De hecho, España fue uno de los productores más destacados, con empresas en Cataluña, Valencia, País Vasco y Castilla la Mancha.

Una metamorfosis constante

A partir de la década de 1970, el mundo de la moda adoptó el denim e lo integró sin complejos. La industria avanzó en la búsqueda de nuevos horizontes y dio lugar a innumerables variaciones en los tipos de prendas vaqueras. Es curioso que, aunque el jean nació para perdurar, a finales del siglo XX surgió el gusto por el desgastado y roto. De la misma manera, se utilizó para recrear versiones modernas de piezas históricas totalmente alejadas de la ropa utilitaria. Pinzas, drapeados, abullonados, tableados, estampados extravagantes y todo tipo de bordados inundaron el jean en el mundo del lujo. De hecho, la exposición también explica cómo las grandes marcas de lujo adoptaron el denim e introdujeron los jeans en el mundo del glamour, generando un universo denim caleidoscópico.

Precisamente, la muestra culmina con un “brunch en el Ritz”, donde se busca recalcar cómo el denim ha pasado a formar una parte destacada de la élite social. Con un guiño a la célebre cita de Yves Saint Laurent, que proclamaba “¡Abajo el Ritz!, ¡viva la calle!”, la exposición muestra cómo los jeans acabarían tomando el Ritz con derecho propio gracias a su enorme versatilidad y su papel de reyes absolutos de la calle.

La visión sostenible

Jeans, de la calle al Ritz’ también destaca un asunto incómodo. Más allá de ser el tejido más popular y duradero del mundo, el denim también posee un reverso oscuro: es el tejido que más demanda recursos hídricos. Para producir un solo pantalón vaquero se necesitan 3.000 litros de agua. En uno de los desafíos planteados para el nuevo siglo, la exposición también aborda, aunque de manera cautelosa, las implicaciones ecológicas del proceso de fabricación y la búsqueda de alternativas sostenibles para su producción.

‘Jeans, de la calle al Ritz’ estará abierta al público hasta el 17 de marzo de 2024.

Jueves 02 noviembre 2023

Gratacós rinde homenaje a la ilustración de moda

Este noviembre, Gratacós rinde homenaje a la ilustración de moda y lo hace en primer lugar, renovando el escaparate de nuestro espacio en Barcelona que, con las décadas, se ha convertido en un punto de peregrinación para amantes de la moda y el arte.

El vibrante fucsia o pink shocking, el tono que inmortalizó Elsa Schiaparelli en París en los años 30, llama la atención a simple vista, seduciendo con su agresividad dulce pero impactante. La maniquí, que marca la estética del escaparate, va vestida de pies a cabeza con un intenso rosa fucsia en un interesante juego de texturas y relieves. Un exuberante tocado floral complementa un luminoso vestido de lentejuelas y una capa de Jacquard en relieve con motivos geométricos. Una obra visual del diseñador Juan Pedro López, colaborador habitual de nuestro escaparate. Le acompañan varias ilustraciones de la artista británica Lucy Davis, quien, junto con la periodista cultural Laia Beltran Querol, ha editado recientemente el libro Sketching Fashion de la Editorial Gustavo Gili.

‘Sketching Fashion’, una historia práctica de la ilustración de moda

Precisamente esta obra en color shocking pink resume de manera amena los hitos que han marcado la historia de la ilustración de moda, la primera disciplina artística en documentar la moda y, más tarde, en dictar tendencias.

El libro empieza desde los inicios históricos, cuando los grabados renacentistas se convirtieron en el primer medio de reproducción gráfica de la indumentaria, y sigue una línea cronológica que se desarrolla en varios capítulos que han dejado huella en la ilustración gráfica, como la aparición de las láminas de moda en las incipientes revistas literarias de finales del siglo XVII, las cuales informaban a los lectores europeos acomodados sobre las nuevas tendencias en el vestir. El libro también se enfoca en la gran transformación que vivió la ilustración de moda en el siglo XIX, cuando dio el salto a los periódicos y las emergentes revistas de moda, y luego el posterior auge que experimentó esta disciplina artística con el surgimiento de los maestros contemporáneos a principios del siglo XX, quienes elevaron la ilustración de moda a la categoría de arte. Por último, ‘Sketching Fashion’ también aborda los altibajos que ha enfrentado la ilustración en la era de la fotografía de moda y los desafíos actuales que enfrenta la disciplina en pleno siglo XXI, ante las amenazas de la digitalización y la inteligencia artificial.

Más allá de ser un libro histórico goloso de leer, ‘Sketching Fashion’ también deja al descubierto la trayectoria de 21 artistas contemporáneos que marcan la pauta de lo que es hoy en día la ilustración y destacan por su pluralismo y riqueza de estilos. Nombres destacados como David Downton, conocido como el “Leo Messi de la ilustración”, Cecilia Carlstedt, Malika Favre, autora del cartel de La Mercè 2021 en Barcelona, Bil Donovan, Jordi Labanda o Prince Lauder, entre otros talentos, que ofrecen a los lectores una mirada íntima sobre su arte y los hacen partícipes de sus creaciones. Lo más interesante es que cada autor también aporta reflexiones sobre el futuro de la ilustración.

Presentación del libro en el Museo del Diseño en Barcelona

‘Sketching Fashion’ es también un libro que guarda curiosidades, agradecimientos y experiencias compartidas, pero ante todo, busca ser un testimonio de la pasión por el arte y la ilustración de moda que une a Laia Beltran y Lucy Victoria Davis. Las autoras, quienes también están involucradas en el activismo cultural a través de la enseñanza, se conocieron en 2017 durante un desfile del 080 Barcelona Fashion, mientras Davis realizaba dibujos en vivo de algunos atuendos en la pasarela. La conexión entre ambas fue instantánea y a partir de ese primer encuentro profesional, se forjó una amistad que culminó con la publicación de este libro, el cual ahora también está disponible en Gratacós.

Esta anécdota y muchas otras se revelarán el próximo 14 de noviembre en el DHUB (Disseny HUB de Barcelona) con la presentación oficial de ‘Sketching Fashion’, la cual contará con los testimonios de dos de los protagonistas del libro, Jordi Labanda y Vicenç Moustache.

Talleres en directo en el aula formativa de Gratacós

Coincidiendo con el mes de la ilustración, Gratacós también acercará el talento de varios profesionales que impartirán en directo desde el aula formativa sus técnicas y conocimientos para aquellas personas interesadas en aprender sobre el dibujo de moda.

El primer taller lleva por título ‘We are fashion collage’ y será impartido por la periodista cultural Laia Beltran y la ilustradora Lucy Victoria Davis el próximo 21 de noviembre. Esta profesional del dibujo, de origen británico, estudió Bellas Artes, Historia del Arte y Diseño en la Universidad de Middlesex, donde inició una carrera en diseño gráfico y comunicación. Estos estudios la llevaron a dirigir un estudio de diseño en Londres y, finalmente, a trabajar como consultora de diseño y comunicación en Barcelona, donde reside actualmente.

El amor de Lucy por la moda y su pasión por el dibujo siempre han acompañado su carrera profesional, enfocándose en los últimos años en la ilustración de moda y, en particular, en el dibujo en vivo de moda en pasarelas como el 080 Barcelona Fashion o la Barcelona Bridal Fashion Week.

La talentosa ilustradora también ha destacado en publicaciones como Wedding Media International, TimeOut, Diari Ara y El País, y más recientemente en el sector nupcial, Novias España, NP Magazine y Casar-se a Catalunya.

El segundo taller lo dirigirá Joel Miñana y se titula ‘Taller de ilustración de moda’. Este joven creativo de la ilustración en vivo y apasionado del color se entusiasma por captar con rapidez todo lo que sucede a su alrededor: desde las tendencias en la semana de la Alta Costura de París, una fiesta en Madrid o una conferencia en Barcelona. Algunas de sus ilustraciones han aparecido en medios de comunicación, tanto impresos como audiovisuales, así como en los materiales de comunicación de grandes compañías como Chanel, Dior o Hermès.

Además de su faceta como docente, donde imparte clases y talleres, como el que realiza semanalmente en El Palace de Barcelona, Joel Miñana también es un experto en dibujar en vivo en eventos, desfiles y fiestas. Captura momentos más allá de las fotografías y los videos utilizando papel y tinta, otorgando valor a la artesanía, el tiempo y el savoir-faire. La ilustración en vivo le permite narrar escenas, retratar a los asistentes y dar espacio a anécdotas únicas.

¡Vuelven las cajas sorpresa!

Por último, una actualización adicional: en noviembre también regresarán las cajas sorpresa. Esta vez, duplicaremos la oferta al ofrecer dos tipos de cajas diferentes, una en color y otra en blanco, en dos tamaños distintos: una caja grande con 8 tipos de tejidos o una caja pequeña con 4 tipos de tejidos. El espíritu sigue siendo el mismo: un conjunto de tejidos especialmente seleccionados para encantar a quienes los adquieran e incluyen bordados, estampados, Jacquards, lentejuelas, y más. Estos tejidos provienen de colecciones anteriores, han sido seleccionados minuciosamente y combinados entre sí para garantizar una uniformidad cromática. Estas cajas estarán disponibles para su compra online y en nuestro espacio en Barcelona, e incluirán una fantástica ilustración realizada por nuestra compañera Irene, quien también es ilustradora de moda en su perfil de Instagram: @mintyrenillustration.

El mes de la Ilustración concluirá con un cóctel que reunirá a clientes y amantes de la moda y la ilustración el próximo 29 de noviembre en el espacio Gratacós en Barcelona. Pronto proporcionaremos más detalles sobre este último evento que pondrá el broche de oro a este pequeño homenaje a la moda dibujada.

Miércoles 11 octubre 2023

Gabrielle Chanel. Manifiesto de la Moda

Gabrielle Chanel, 31 rue Cambon, 1937, Paris. Photo: Roger Schall/Condé Nast/Shutterstock

Hacía tiempo que el Reino Unido esperaba una exposición tan ambiciosa centrada en el estilo y el trabajo de uno de los grandes iconos de la moda contemporánea. Después del éxito de las primeras semanas desde su estreno y una inauguración triunfal, el V&A retoma su actividad habitual para que los amantes de la cultura puedan contemplar con mayor tranquilidad la trayectoria vital y el savoir-faire de Gabrielle ‘Coco’ Chanel.

Gabrielle Chanel. Manifiesto de la Moda es la primera exposición dedicada al trabajo de la célebre modista francesa y traza la evolución de su icónico estilo de diseño y la creación de la Casa CHANEL, desde la apertura de su primera tienda de sombreros en París en 1910 hasta la presentación de su última colección en 1971.

La muestra destaca por su grandeza en todos los aspectos, con piezas raramente vistas que se han recuperado del Palais Galliera y de las colecciones de herencia que forman parte del Patrimonio de Chanel. Presenta en un mismo espacio casi 200 looks que se exhiben juntos por primera vez, además de accesorios, perfumes y joyas, que exploran el talento de Gabrielle Chanel en el diseño de moda. Fue una visionaria que abrió el camino hacia una nueva elegancia y que sigue influyendo en la forma en que las mujeres se visten hoy en día. Entre los tesoros exhibidos, destacan una de las prendas Chanel más antiguas que se conservan, datada en 1916; trajes originales diseñados para la producción de Ballets Russes de Le Train Bleu en 1924; atuendos creados para las estrellas de Hollywood Lauren Bacall y Marlene Dietrich; un ejemplo temprano de los revolucionarios pantalones de noche de Chanel y conjuntos de la última colección de Chanel en 1971.

Una fórmula inaudita: la elegancia cómoda

Chanel diseñaba ante todo para sí misma. Al crear ropa adecuada para un estilo de vida independiente y activo, anticipó las necesidades y deseos de la mujer. “Gabrielle Chanel dedicó su vida a crear, perfeccionar y promover un nuevo tipo de elegancia basada en la libertad de movimiento, una pose natural y casual, una elegancia sutil que rechaza todas las extravagancias, un estilo atemporal para un nuevo tipo de mujer”, dijo Miren Arzalluz, directora del Palais Galliera en la inauguración de la exposición en Londres. Este es precisamente el Manifiesto de Coco Chanel, un legado que se mantiene vivo en la actualidad: “Su éxito se basó no solo en la funcionalidad, comodidad y elegancia chic de sus diseños, sino también en su capacidad para comprender e interpretar las necesidades y deseos de las mujeres de su época”, añadió Arzalluz.

A través de diez secciones temáticas, la exposición explora el enfoque innovador de Chanel hacia la tela, la silueta y la construcción, y examina cómo ella estableció un nuevo marco para la moda en el siglo XX. Mostrando una impresionante variedad de algunos de los diseños más destacados de Chanel durante sus sesenta años en la moda, la exposición analiza su carrera profesional, el surgimiento y el desarrollo de su estilo y su contribución a la historia de la moda. La muestra también pone especial énfasis en las inspiraciones británicas de Chanel, como su adopción del tweed, colaboraciones con empresas textiles británicas y una fábrica textil en Huddersfield.

Gabrielle Chanel. Fashion Manifesto at the Victoria and Albert Museum

Repasamos algunos apartados clave presentes en la exposición:

1) Hacia una Nueva Elegancia ofrece una introducción al inicio de la carrera de Gabrielle Chanel como modista, al abrir su primera boutique en la rue Cambon de París en 1910, y más tarde, en los resorts costeros de Deauville y Biarritz. Esta sección introductoria describe cómo el éxito de este negocio le permitió expandirse hacia la confección y se exhibe una de las prendas Chanel más antiguas que se conservan, caracterizada por el minimalismo y la precisión. Una forma simplificada de vestir que contrastaba con las modas excesivamente decorativas de la época y que sentaría las bases de sus principios de diseño.

2) La Emergencia de un Estilo se centra en cómo Chanel desarrolló un estilo distintivo e inmediatamente reconocible en las décadas de 1920 y 1930. Con líneas limpias, materiales fluidos y una paleta de colores sencilla, sus diseños sobrios eran radicales en su practicidad y mostraban una elegancia refinada. En este bloque también se examina el papel de los textiles y la fabricación, el uso de bordados en sus diseños y destaca el famoso vestido negro de Chanel.

3) El Accesorio Invisible presenta la creación y el impacto del debut del perfume N°5 de Gabrielle Chanel, que se convirtió en la fragancia más vendida del mundo. Diseñado como una extensión de su ropa y reflejando su visión de la modernidad, Chanel hizo del N°5 la firma de su casa de moda. Este apartado también indaga sobre el lanzamiento de la línea de maquillaje de Chanel en 1924 y de productos para el cuidado de la piel en 1927.

4) Lujo y Línea se centra en cómo la ropa de noche de Chanel demostró una mezcla refinada de inventiva y clasicismo que acentuaba sutilmente la forma femenina. La diseñadora armonizó las proporciones y los materiales con el objetivo de crear prendas que expresaran elegancia, libertad y simplicidad. Los diseños resultantes transmitieron la tensión entre la prenda y el cuerpo, descrita en francés como la ‘allure’. Este bloque también examinará ‘Bijoux de Diamants’, su primera y única colección de joyería fina de 1932 encargada por la International Diamond Corporation de Londres.

5) Cerrando la Casa describe el impacto del estallido de la guerra en 1939 en su vida personal y profesional. La exposición continúa con el Regreso Oficial de Chanel a la Moda el 5 de febrero de 1954, con la reinauguración de su casa de alta costura a la edad de setenta y un años. La colección de regreso de Chanel presentaba las características distintivas que había introducido con tanto éxito durante los años 20 y 30, representando su visión actualizada del guardarropa de la mujer moderna.

6) El Traje se centra en la prenda definitoria de Gabrielle Chanel a la moda de la posguerra, con más de cincuenta conjuntos en una variedad de colores exhibidos en dos niveles. Una declaración de su visión de la feminidad moderna, el traje Chanel combinaba comodidad y elegancia con simplicidad y estilo. Descrito por Vogue en 1964 como “el uniforme más bonito del mundo”, el traje Chanel, que desde entonces se ha convertido en un clásico atemporal, sigue siendo una referencia fundamental en la moda actual.

7) Códigos Chanel muestra cómo los accesorios fueron fundamentales para la concepción de Chanel de una silueta armónica. Los complementos reflejaron su visión pragmática de la moda y proporcionaron códigos reconocibles que subrayaron la unidad de su estilo. Desde la década de 1950, el bolso Chanel 2.55 y los zapatos bicolores tipo slingback se han convertido en dos de los accesorios más perdurables en el mundo de la moda.

8) Al caer la noche presenta la moda festiva como una parte importante de las colecciones de alta costura de Chanel en la última etapa de su carrera. A partir de finales de la década de 1950, adaptó sus trajes para incluir una gama que se podía llevar por la noche. Estos trajes de cóctel seguían la misma forma que sus trajes de día, realizados en una variedad de tejidos ricamente decorativos como lamés dorados y plateados, tejidos texturizados y sedas intrincadamente estampadas. Esta sección se inspira en la paleta de colores dorados y las pantallas de laca negra de Coromandel del propio apartamento de Chanel.

9) Joyería de Fantasía explora la parte esencial del estilo distintivo de Gabrielle Chanel. Rechazando las convenciones de las joyas finas, Chanel otorgó a la joyería de fantasía un nuevo estatus. Desde principios de la década de 1920, las boutiques de Chanel ofrecieron una deslumbrante gama de joyería de fantasía para combinar con sus elegantes prendas de moda. La joyería de fantasía de la diseñadora tomó inspiración de diversos lugares y épocas históricas.

10) Una Atracción Atemporal representa el final de la exposición y celebra el vestido de noche como un ejercicio de estilo de Chanel, con looks exhibidos en una recreación de la icónica escalera con espejos basada en el taller de la diseñadora. Chanel propuso una versión relajada del vestido formal que era discreta y refinada, revisando los fundamentos que habían guiado su estética y marcado su carrera. Este bloque muestra que, hasta su última colección de Primavera-Verano 1971, Gabrielle Chanel reinterpretó, actualizó y perfeccionó constantemente sus reglas y principios, refinando continuamente su estilo legendario.

La exposición Gabrielle Chanel. Manifiesto de la Moda estará abierta al público hasta el 25 de febrero.


Gabrielle Chanel, Trouser suit 1937-38 © CHANEL / Photo: Nicholas Alan Cope / Courtesy of Victoria and Albert Museum, London / Given by Mrs Diana Vreelan

Miércoles 27 septiembre 2023

Los tejidos Gratacós en la pasarela madrileña. Colecciones SS24

Gratacós ha vuelto a pisar la principal pasarela de la moda española al protagonizar algunos de los looks más representativos de los diseñadores que participaron en la pasada edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. En cada edición sentimos admiración y un profundo respeto por los creadores que confían en nosotros y convierten cada tejido en una creación única y singular, adaptada al lenguaje y los códigos estéticos de cada marca. En esta última edición de la pasarela madrileña, damos gracias a Aurelia Gil, Fely Campo, Hannibal Laguna, JC Pajares, Mans, Paloma Suárez, Teté by Odette y Yñesuelves por haber confiado en nosotros. A continuación, os mostramos un breve resumen de las colecciones de la próxima Primavera-Verano 2024.”

Aurelia Gil

Aurelia Gil regresó a la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid por segundo año consecutivo. En esta ocasión, la diseñadora de Las Palmas de Gran Canaria presentó su nueva colección ‘Tiempo’, que representa un hito en su esfuerzo constante por crear moda consciente y sostenible. Para comprender el trabajo de Aurelia Gil, es necesario conocer su pasión por la artesanía, que se aprecia en cada una de las piezas, la cuidadosa selección de tejidos y la feminidad etérea que impregna en cada silueta, con un resultado exquisito en todos los sentidos.

Si nos adentramos en la nueva colección, en ‘Tiempo’ abundan las siluetas y líneas relajadas, así como las flores, que en esta ocasión se presentan desde la estampación de pañuelos hasta en tejidos sorprendentes como sedas, tules y algodones. Tampoco faltan los elementos de crochet, los bordados y los guiños estampados en lurex.

Fely Campo

Fely Campo viajó creativamente a Cuba para llevar a cabo un ejercicio de hedonismo, libertad, opulencia, nostalgia y glamour. La colección presentada se llama ‘Zigurat’ y consta de 25 looks que se impregnan de la estética Art Decó a través de patrones puros, los cuales se construyen con la limpieza y sobriedad de los edificios más caprichosos de La Habana. Las siluetas y los cortes geométricos se entrelazan con tejidos inspirados en el lenguaje ornamental: brocados inundados de juegos visuales 3D con motivos naturales y geométricos; mosaicos orgánicos que contrastan con la verticalidad de las líneas del otomán y los tweeds más audaces. Frente a la calma voluminosa de los tafetanes, emergen las formas sinuosas de los rasos en movimiento. La paleta cromática se impregna de tonos fluorescentes, acabados en lamé y metalizados. Un paisaje de colores vivos sobre las tonalidades en blanco roto que se ven envueltas y penetradas por adornos con brillos iridiscentes y reflejos vidriosos.

JP Pajares

JP Pajares presentó en la pasarela madrileña su cuarta colección anual, donde prendas de verano, invierno y atemporales se combinan a través de diseños con toques artesanales, innovadores y respetuosos con el medio ambiente. Así, la propuesta ‘Annual’ sigue la estela de las últimas colecciones de la marca con el nuevo lujo artesanal y se destaca como una de las colecciones más especiales gracias a la nueva colaboración con artesanos de Castilla-La Mancha. Esta unión continúa reviviendo y aportando nuevos códigos estéticos a técnicas centenarias que están al borde de desaparecer.

En ‘Annual’, nada se deja al azar y cada detalle cuenta: encaje de bolillos, cerámica, vidrio soplado, bordados a mano, piel, croché, estampados pintados a mano y tejidos realizados en telares centenarios se entrelazan en una colección que consolida el carácter, el estilo y la identidad de la marca. Patrones innovadores y sofisticados, siluetas sensuales y oversize, plumas, pliegues y recortes se materializan en propuestas tanto para el día como para la noche, gracias a tejidos como lana, seda, crepé de seda, algodón, tafetán, denim, tul, tejidos técnicos y neopreno, entre otros. La colección sigue un recorrido cromático desde el negro hasta el blanco, pasando por tonos tierra y los colores sólidos más característicos de la marca.

Mans

Mans cree en la elegancia y sofisticación de las piezas clásicas, pero ofrece una visión más amplia de la moda a través de colecciones que se liberan de las limitaciones estéticas, permitiendo que cada persona pueda expresarse con libertad, fluidez y confianza. En esta ocasión, la firma del director creativo Jaime Álvarez, que apuesta por una sastrería impecable y exuberante, presentó su primera colección femenina manteniendo los códigos estéticos que utiliza para la línea masculina.

La colección se estructura con una primera serie de prendas de sastrería femenina que incluye americanas estilo smoking y pantalones estrechos que alargan la silueta femenina. También se incluyen faldas lápiz para mantener la esencia sartorial de nuestra firma. Con tonalidades como el gris marengo, negro y tonos perla para las blusas amplias que parecen etéreas, se crea una colección sobria que evoluciona hacia los años 60 en cuanto a vestidos rectos depurados, algunos por encima de la rodilla, otros de longitud midi y otros que rozan el suelo. Todos comparten colores vibrantes y tejidos variados como tafetanes, tejidos técnicos y adornados con lentejuelas con efecto “piel de cuervo”. El desfile de la colección femenina de Mans culminó con una novia completamente embellecida y velada con tul de seda de más de 5 metros.

Odette Álvarez

Teté by Odette, la marca de la diseñadora cántabra Odette Álvarez, encuentra en Venecia la inspiración perfecta para vestir a la mujer en la próxima temporada SS24. La influencia del mundo del cine, el glamour de la ciudad de los puentes y los canales, la exuberancia de los carnavales, el amor y las experiencias personales de la diseñadora se condensan en la colección ‘Venezia’.

Esta propuesta se caracteriza por tejidos ricos en adornos y abalorios, elementos y siluetas que evocan el vestuario típico veneciano, y una paleta de colores vibrantes que incluye tonos verdes acuáticos, rosa y la clásica combinación blanco y negro, reinterpretados desde una perspectiva contemporánea. En cuanto a los tejidos y materiales, se destacan los lujosos tafetanes, las sedas y el lúrex, junto a tejidos más urbanos como el denim o el punto de seda elástico. Además, no faltan las lentejuelas, los cristales y la pedrería, elementos distintivos de la marca. El estampado de rayas marineras en lino con detalles de micro lentejuelas se transforma en vestidos de fiesta y novia, cerrando una colección cargada de simbolismo y tradición. Se trata de una colección emocional compuesta por “prendas fáciles de llevar y difíciles de olvidar”.

Paloma Suárez

Paloma Suárez presentó su nueva colección ‘Glow Up’ para la próxima temporada de verano, partiendo de una premisa que aborda con frecuencia la creativa canaria: ‘¿Qué le dirías a tu yo del pasado?’. Con el objetivo de alcanzar la mejor versión de sí misma, la diseñadora, considerada una de las grandes promesas de la moda española, ha evolucionado sus códigos estéticos, dándoles una nueva interpretación. La propuesta representa una reflexión sobre el pasado para narrar de manera gradual el crecimiento personal y creativo de Paloma Suárez que la ha llevado hasta el presente. En la colección, destacan la incorporación de colores suaves y las prendas de longitud midi, manteniendo el protagonismo de los colores y texturas que son tan característicos de la firma y que se han convertido en su sello distintivo.

 

Ynés Suelves

Por último, María Osorio e Ynés Suelves, madre e hija, reflejan la mágica unión entre la moda y la pintura. En su nueva colección, la marca ha explorado al máximo los textiles, centrándose en el movimiento de sus prendas y buscando transmitir emociones a través del color. En esta colección para el próximo verano, la firma española ha apostado por una silueta más femenina que nunca y se ha caracterizado por una rica variedad de texturas. A diferencia de otras ocasiones, esta colección está repleta de diferentes tejidos y estampados.

Fotos: Mercedes Benz Fashion Week Madrid.

Viernes 15 septiembre 2023

Nueva colección: Otoño-Invierno 2023/2024

Septiembre marca el comienzo de una nueva etapa y representa un mes crucial en la industria de la moda. En Gratacós, estamos entusiasmados por enseñaros nuestra colección Otoño Invierno 2023-2024.

Siguiendo la tendencia de los últimos años y en un mercado mundial más estable, en Gratacós dirigimos todos nuestros esfuerzos en crear colecciones de tejidos que integren los tres pilares fundamentales de nuestra empresa: creatividad, innovación y sostenibilidad. Como empresa familiar de abasto global, también ponemos un énfasis especial en la calidad del producto, ofreciendo artículos impecables y comprometiéndonos activamente con la protección del medio ambiente. Además, escuchamos atentamente las preferencias de nuestros clientes, quienes influyen en nuestras decisiones, sin dejar de lado nuestra propia interpretación de las tendencias globales, que luego el departamento creativo refleja libremente en cada tejido que compone nuestra nueva propuesta.

A continuación, os destacamos algunos aspectos concretos que definen la actual colección Otoño-Invierno 2023-2024 que ya está disponible en la tienda física y online.

Estampados

Nuestra manera de entender la moda se caracteriza en una expresión de libre albedrío donde los estampados se mezclan en un caos controlado creando tejidos únicos y sorprendentes. En materia de diseño, hay tres grandes líneas que nos inspiran: las flores; los elementos gráficos y, por último, los motivos de inspiración oriental.

El encanto de la naturaleza y la delicadeza de las flores se trasladan al invierno a través de estampados vegetales reinventados. La exuberancia de temporadas anteriores se mantiene, pero los diseños se adaptan a la estación fría: las flores se reducen en tamaño, pero la paleta de colores se despliega en toda su amplitud. No es una temporada para pasar desapercibida en términos cromáticos.

Los estampados gráficos también retoman su protagonismo. En esta temporada, se recoge la herencia de la anterior y se permite la expresión de todo tipo de geometrías con efectos de caleidoscopio. Los diseños abstractos se entrelazan con otras fantasías en una mezcla inesperada de patrones y formas. Es nuestra forma de aventurarnos en un territorio sin restricciones, liberando la creatividad y experimentando con combinaciones sorprendentes.

Por último, en la nueva colección, realizamos un viaje creativo hacia la exótica influencia de Oriente. Por ello, apostamos por exhibir ciertos elementos étnicos en nuestros productos, evocando la riqueza de las culturas del mundo mediante patrones tribales, estampados evocadores y colores vibrantes. Además, el Paisley, con sus icónicas formas curvilíneas, añade un toque de misticismo y elegancia a nuestros tejidos.

Fantasías

Con su poder evocador, las fantasías son elementos imprescindibles para que nuestra colección conecte con los sueños y las aspiraciones de nuestros clientes. En esta sección, destacamos dos tendencias que sobresalen en los tejidos más fantásticos: los tejidos en red adornados con lentejuelas y los tules bordados con motivos florales, que crean transparencias de una sofisticación única.

Los tejidos en red con lentejuelas han llegado para quedarse, consolidándose como una tendencia de moda que destaca por su versatilidad, contemporaneidad y elegancia. Estos tejidos fusionan la ligereza de las redes con el deslumbrante brillo de las lentejuelas, creando un efecto de destello que captura la atención al instante.

Las lentejuelas continúan siendo esenciales para destacar con estilo. En esta colección, se presentan en diferentes tamaños y se combinan con otros tejidos como el tweed, el algodón o el falso denim, entre otros. A los colores tradicionales del invierno, como el negro, el azul noche o el espectro completo de tonos metalizados, se suman colores llamativos como el rosa Barbie o el verde manzana, que no son tan típicos de la temporada.

Por otro lado, la delicadeza que aportan los tules bordados con motivos florales sigue siendo uno de los puntos fuertes de nuestra colección de fantasía. Estos tejidos son ideales para crear juegos de transparencias insólitos, permitiendo que el tejido se muestre en todo su esplendor sobre la piel, revelando todos los detalles de la maestría textil. Son especialmente efectivos para confeccionar prendas etéreas y elegantes a la vez.

Jacquards

Los Jacquards coloridos son una característica distintiva de Gratacós. En esta colección, hemos dado vida a una amplia variedad de diseños que abarcan desde motivos florales y geométricos hasta detalles figurativos, creando artículos únicos y distintivos que se destacan por su elegancia innata.

En esta temporada, hemos optado por diseños ornamentales inspirados en el estilo barroco, así como otros de inspiración orgánica. También hemos incorporado acabados con lentejuelas, gofrados de tacto sublime, suaves relieves y cuadros con urdimbres multicolores. En cuanto a la paleta de colores, hemos abarcado prácticamente todas las tonalidades, aunque hemos puesto especial énfasis en los verdes azulados, los lilas más audaces, los cálidos marrones y todas las variaciones del gris.

Desde Gratacós, te invitamos a descubrir los tejidos de la nueva temporada. En nuestro espacio en Barcelona, también puedes encontrar un pequeño adelanto de la colección del año que viene. ¡Te esperamos!

Miércoles 30 agosto 2023

Yayoi Kusama, la revolucionaria reina de los lunares, en Bilbao


Retrato de Yayoi Kusama. Cortesía de Ota Fine Arts, Victoria Miro y David Zwirner © YAYOI KUSAMA. Foto: Yusuke Miyazaki.

Se la considera una leyenda viva, una revolucionaria que ha destacado en múltiples movimientos artísticos desde los años 60 hasta la actualidad, una artista visual admirada capaz de conectar el arte con la moda a través de sus universos singulares, plagados de geometrías. O más bien lunares, su rasgo más identificativo. Yayoi Kusama (Matsumoto, Nagano, 1929), sí la de carne y hueso -y no la figura robótica hiperrealista que le hizo Louis Vuitton en su última colaboración con la marca- es la absoluta protagonista de una de las exposiciones más visitadas en el Museo Guggenheim de Bilbao. Convertida en verdadero icono cultural a nivel global, en las últimas siete décadas, Yayoi Kusama se ha consagrado a su visión vanguardista con convicción, perfeccionando su visión estética, que es fiel reflejo de su filosofía vital. Como acostumbra a decir la propia artista: “¿Qué significa vivir una vida? Me pierdo en este pensamiento cada vez que creo una obra de arte”.

Esta exposición va más allá de una simple trayectoria. Busca centrarse en las cuestiones existenciales que impulsan las exploraciones creativas de la artista y escritora japonesa. A través de sus pinturas, dibujos, esculturas, instalaciones y material documental sobre sus performances, la muestra ofrece un análisis en profundidad de su práctica, desde los primeros dibujos que realizó siendo adolescente durante la Segunda Guerra Mundial hasta sus últimas instalaciones inmersivas con espejos.

Organizada siguiendo criterios cronológicos y temáticos, Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy aborda los seis temas clave que atraviesan la vida de la artista: ‘Infinito’, ‘Acumulación’, ‘Conectividad radical’, ‘Lo biocósmico’, ‘Muerte’ y ‘La energía de la vida’. Estos temas interrelacionados aparecen y evolucionan dentro del universo obsesivo de Kusama, quien lleva décadas agitando la escena artística y la sociedad para favorecer la “sanación de toda la humanidad”.


Yayoi Kusama. Sala de espejos del infinito – Un deseo de felicidad humana llamando desde más allá del Universo (Infinity Mirrored Room – A Wish for Human Happiness Calling from Beyond the Universe, 2020. Espejos, madera, sistema de iluminación LED, metal, panel acrílico. 293,7 × 417 × 417 cm. ©YAYOI KUSAMA. Cortesía de Ota Fine Arts.

Algunas claves para entender a Yayoi Kusama

Autoretrato

El trabajo de Kusama se fundamenta en la auto-afirmación, la auto-destrucción, la auto-promoción, la auto-invención, lo auto-referencial y el autorretrato, incluso en aquellas creaciones donde la representación de su propia imagen resulta menos explícita. Esta sala reúne algunas de las pinturas y dibujos realizados por Kusama dentro del género del autorretrato, que ocupa un lugar destacado en su producción.

Esta sección comienza con Autorretrato (1950), un cuadro oscuro donde un girasol de un tono rosa carne flota sobre una boca humana, y es una de las primeras obras que recibió ese título; preside el espacio su Retrato (2015), en el que Kusama dispone algunos de sus característicos motivos —lunares, calabazas, redes y formas tentaculares— en una composición construida como un collage y dominada por una hierática figura.

Infinito

Kusama creció en un vivero de semillas rodeada de inmensos campos de flores. Sin embargo, en 1957 mientras sobrevolaba el Pacífico durante su primer vuelo a EE. UU., la visión del océano le inspiró sus bien conocidas pinturas de Redes de infinito. En esta serie, los lienzos están totalmente cubiertos, de manera obsesiva, de minúsculos arcos pintados en un rápido gesto, creando un patrón expresionista de redes y puntos interconectados. La pincelada libre contrasta con la reiteración del motivo, que impide identificar el inicio y el fin de este universo sin jerarquías, cuyas dimensiones fueron ampliándose dentro de la producción de Kusama hasta lograr que el público se viera inmerso en la infinitud de sus instalaciones.

Acumulación

En el arte de Kusama, el concepto de acumulación no es simplemente una tendencia obsesiva y compulsiva, ni un deseo innato de reiteración, sino que puede interpretarse como un afán de expansión impulsado por la necesidad de la artista de ampliar su visión creativa.

Tras crear las’ Redes de infinito’, Kusama desarrolló ‘Acumulación’, una serie de collages realizados con fragmentos reutilizados de papel y esculturas blandas de formas reiterativas. En estas piezas, un objeto cotidiano, como una silla, queda transformado al acumular sobre él gran cantidad de formas fálicas y tubulares de tela rellena y cosida, que hacen desaparecer el propio objeto y su función. Poco a poco, el deseo compulsivo de multiplicar estas formas blandas llevó a Kusama a expandir su visión a las habitaciones de espejos del infinito, que comenzó en 1965, y a las telas plateadas o estampadas que realiza durante los años setenta y ochenta, como ‘Acumulación de manos’, donde un sofá y unas sillas están cubiertos de cientos de guantes plateados.


Yayoi Kusama. Auto-obliteración (Self-Obliteration), 1966–1974. Pintura sobre maniquíes, mesa, sillas, pelucas, bolso, tazas, platos, cenicero, jarra, plantas de plástico, flores de plástico, frutas de plástico. Dimensiones variables. M+, Hong Kong. © YAYOI KUSAMA

Conectividad radical

A finales de la década de 1960, la lucha en favor de los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam genera una atmósfera de contracultura en la que Kusama desarrolla una práctica centrada en la acción pública y la performance. La artista denuncia los estereotipos de raza y género, critica la política belicista estadounidense y atrae la atención de los medios con sus provocadores happenings, especialmente los protagonizados por cuerpos desnudos cubiertos con lunares, que son actos de “auto-obliteración”.

Este es un concepto fundamental en la filosofía de Kusama, que representa la liberación del yo como forma de sanación grupal y que conecta profundamente a las personas, especialmente quienes viven en los márgenes de la sociedad. La artista japonesa recurre al poder de los medios para difundir su filosofía e intensificar su visibilidad y notoriedad.

Biocósmico

¿De dónde nace su obsesión por los lunares? Yayoi Kusama nos da la respuesta: “Nuestra tierra es solo un lunar entre los millones de estrellas del cosmos. Los lunares son un camino al infinito. Borramos la naturaleza y nuestros cuerpos con lunares, nos integramos en la unidad de nuestro entorno.”

Su infancia cerca del vivero de plantas de su familia hizo que la artista japonesa sintiera un profundo vínculo con la vida orgánica, que la artista considera que está conectada con la dimensión y el espacio del cosmos. ‘Lo Biocósmico’ expresa su creencia de que lo terrenal y lo celestial son lo mismo. De niña comienza a observar la anatomía de las plantas, sus ciclos de vida y la unión entre el cielo y la tierra. Tal vez la imagen de lo biocósmico más constante en su obra sea la de sus distintivas calabazas, de superficies caprichosamente onduladas y moteadas, que Kusama identifica con un espíritu vegetal benévolo y como reflejo de su propia alma. Su postura respecto a la naturaleza ilustra cómo Kusama expresa su alienación del mundo y su necesidad expansiva de entrar en comunión con el cosmos.


Yayoi Kusama. Calabazas (Pumpkins), 1998–2000. Técnica mixta. 6 piezas, dimensiones variables © YAYOI KUSAMA

Muerte

“Lo que la muerte significa, sus colores y su especial belleza, la quietud de sus pisadas y la ‘nada’ después de la muerte. Ahora me encuentro en una fase en la que creo arte para el reposo de mi alma, aceptando todo esto”, asegura Kusama en la exposición del Guggenheim de Bilbao.

El trabajo de Kusama transcurre constantemente en el umbral entre la vida y la muerte. Una niñez rodeada de la efímera existencia de las plantas en el vivero familiar, la adolescencia marcada por la guerra y sus consecuencias, y especialmente la muerte de su padre y de su amigo íntimo Joseph Cornell a mediados de los años setenta, llevaron a la artista a considerar que la muerte no es el punto final, sino otra fase de la existencia que puede dar origen a una nueva. En ocasiones, en su lucha creativa y en medio de la desesperación, Kusama anhela liberarse de lo que describe como el “lánguido peso de la vida”. Sin embargo, a través de su práctica artística y literaria transforma ese deseo en una suerte de fantasía terapéutica, en una recompensa espiritual en la “solemne belleza” de la muerte y en la pérdida del ego como retorno a la eternidad.

La fuerza de la vida

Hacia 1988, el arte y la psique de Kusama experimentan un cambio importante. Con la llegada del ansiado y merecido reconocimiento público, tanto de sus exposiciones internacionales como de sus publicaciones, elogiadas en los círculos literarios de la vanguardia, el poder sanador del arte y la celebración de la vida se convierten en los temas centrales de su producción. Como afirmó en 1999, Kusama llegó a creer que su función consistía en transformar su sufrimiento a través del arte “para la sanación de toda la humanidad”. En el nuevo milenio, la artista japonesa quiere amplificar este mensaje. Por ello, las coloridas pinturas y esculturas de una de sus últimas series, Mi alma eterna (2009–) y Ruego todos los días por el amor (2021–hoy), suponen, tal vez, la culminación de este compromiso.

La exposición “Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy” permanecerá abierta al público hasta el próximo 8 de octubre.