The Olympic Issue. Una editorial magnífica de Mariano Moreno y Vogue World Paris 2024.

La moda, reflejo de cada sociedad, está presente en todos los ámbitos y analiza de forma silenciosa lo que ésta representa. En los Juegos Olímpicos de París 2024, uno de los mayores escaparates del mundo, no podía ser menos. Millones de ojos de distintas nacionalidades han observado en los últimos días las presentaciones de los uniformes, y analizarán, sin ser expertos en la materia, los detalles de la inauguración con sus indumentarias creadas para la ocasión, así como los outfits de los atletas que protagonizarán cada una de las hazañas deportivas. Somos curiosos por naturaleza, y los Juegos Olímpicos nos enseñan que el estilo no tiene que estar reñido con el espíritu competitivo.

Uniforme oficial de Francia diseñado por Le Coq Sportif

¿Qué hay que tener en cuenta?

Los uniformes representan el foco mediático donde la relación entre la moda y el deporte se hace más evidente, especialmente en los últimos años. Esta relación es beneficiosa mientras uno no fagocite al otro, algo que estos días está dando de qué hablar tanto por los aciertos como por algunos deslices, generando una gran cantidad de memes. Detrás de cada uniforme hay una aguja: la participación de un diseñador o una marca renombrada que promete llevar la relación entre moda y deporte a nuevas alturas. Aunque la estética es clave al representar la cultura y el estilo de cada país, no hay que olvidar nunca los objetivos principales de estos trajes especiales: la comodidad y la funcionalidad. Un uniforme olímpico debe ser práctico. Está al servicio de los deportistas y su misión es asegurar el mejor rendimiento. Además, no los llevan modelos con medidas normativas y estandarizadas, más bien al contrario. Los atletas abanderan una diversidad de cuerpos con morfologías diversas y hay que tener en cuenta esa diversidad física a la hora de buscar un diseño que siente bien y sea cómodo. Dicho esto, combinar estética con funcionalidad no es tarea fácil, y esto se refleja en los resultados. Todo el mundo quiere proyectar una imagen cool y moderna de su país, al fin y al cabo, los atletas son los representantes a ojos del mundo de su tierra, pero nadie quiere lucir algo ridículo ni llevar ropa que parezca una bandera en movimiento. Por eso, el uniforme también juega un papel importante en la confianza y la autoestima de cada deportista.

Uniforme oficial de Reino Unido por Ben Sherman.

Uniformes más representativos de los JJOO

Las diferentes delegaciones han presentado los uniformes que lucirán sus deportistas durante toda la competición. Las propuestas son muy variadas, buscando esta fórmula perfecta entre modernidad e identidad, y estética con funcionalidad. Algunos países, como Italia y Francia, han aprovechado para mostrar el gran potencial de diseño de moda que ostentan. Otras delegaciones, como la de España o Japón, han presentado propuestas más prácticas y alejadas del diseño. Repasamos las propuestas más interesantes sin pasar por alto algunos aciertos y errores.

Como país anfitrión, Francia ha colaborado con Le Coq Sportif y Stéphane Ashpool para diseñar un uniforme adaptado tanto a deportistas olímpicos como paralímpicos, reflejando la esencia de la cultura y el amor por el deporte del país anfitrión. Las camisetas y sudaderas de inspiración noventera ya son un éxito de ventas al conseguir una fusión entre moda, deporte y patriotismo sin estridencias. En Reino Unido han apostado por una marca que representa el diseño y la elegancia inglesa: Ben Sherman. Vestida por mods en los 60, esta firma siempre se ha caracterizado por encapsular la magia del estilo único de los británicos. Además de los colores de la Union Jack, la firma ha añadido flores a casi todas las piezas de la colección olímpica y paralímpica.

Italia ha confiado en uno de los grandes nombres de la historia de la moda: Giorgio Armani. Sus diseños presentan un conjunto de prendas elegantes y minimalistas con el azul marino como protagonista. En las sudaderas, la palabra “Italia” en grandes letras blancas capta toda la atención. Algunas voces críticas aseguran que el resultado ha quedado un poco insulso, debido a las altas expectativas. Estados Unidos ha vuelto a confiar en Ralph Lauren, un nombre sinónimo de moda americana, para diseñar los uniformes de su selección. Lo hace desde 2008. Esta vez, con un enfoque en la sostenibilidad, los uniformes están hechos de materiales reciclados, demostrando que la moda ecológica también puede ser estilosa. Los detalles en rojo, blanco y azul rinden homenaje a la bandera estadounidense, mientras que las siluetas modernas garantizan el máximo rendimiento y comodidad. Aunque el uniforme oficial ha sido bien recibido, el maillot femenino de atletismo de Nike no ha estado exento de polémica. Lauren Fleshman, excampeona de Estados Unidos en los 5.000 metros, criticó el traje técnico por su poca cobertura.

España ha apostado por la sostenibilidad como eje central. La firma Joma, encargada de la equipación oficial de los atletas españoles, ha diseñado una colección que fusiona tradición con modernidad, elaborando prendas en tejidos de alto rendimiento inspirados en el clavel, capturando la esencia de la cultura española con un toque contemporáneo. La equipación ha recibido críticas mixtas: mientras algunos alaban la estética escogida, otros la comparan con el uniforme de Iberia. En Japón, fieles a su minimalismo, han confiado en Asics, una insignia del país nipón, con una propuesta poco artificiosa para que toda la atención se la lleven los logros de los atletas.

Uniforme oficial de Canadá a cargo de Lulululemon.

Otros uniformes que han recibido buenas críticas han sido los de Etiopía. Adidas ha creado para los deportistas etíopes un uniforme con diseño actual y moderno. En Canadá, la firma Lululemon ha diseñado un uniforme de verano centrándose en la adaptabilidad, el confort térmico, el ajuste y la funcionalidad, y el orgullo nacional. La equipación, que no distingue género, combina funcionalidad y estilo a través de una construcción innovadora y tejidos de alto rendimiento, con siluetas modernas y estampados de inspiración canadiense. En Australia, algunos críticos han señalado la longitud de las faldas y pantalones de las equipaciones. Los uniformes australianos, diseñados por Sports Craft, presentan algunas similitudes con la indumentaria española.

Por último, aunque en cuestiones estilísticas para gustos los colores, no hay duda de que algunos países se han ganado la opinión pública con uniformes deportivos que merecen una medalla olímpica. Este ha sido el caso de Haití. La diseñadora haitiana-italiana Stella Jean ha colaborado con el pintor Philippe Dodard para elaborar unos diseños de la delegación que combinan elegancia y creatividad. En términos de uniformes, Mongolia ha presentado el mejor diseño para su delegación, con chalecos intrincadamente bordados, túnicas plisadas y accesorios inspirados en la vestimenta tradicional. Los diseños son obra de Michel & Amazonka, una marca con sede en Ulaanbaatar que produce prendas de alta costura y prêt-à-porter que “expresan la esencia de la tradición y la cultura de Mongolia” en lo que la marca llama una “luz contemporánea”.

Uniforme oficial de Mongolia, uno de los más aplaudidos por la opinión pública.

Nicola Coughlan en su papel de Penelope Featherington en Los Bridgerton. Foto:LIAM DANIEL/NETFLIX.

Queridos lectores, teníamos ganas de compartir con vosotros uno de esos secretos que a menudo rodean nuestro equipo comercial y que destacan por su espectacularidad. Esta vez, la colaboración involucra a una de las series más populares de los últimos años: Los Bridgerton de Netflix. Hace unos días, adelantamos la noticia en la revista Yo Dona y ahora queremos recrear esa conversación y los temas candentes que destacamos en la entrevista con Juan Gratacós, gerente de nuestra empresa familiar.

¡Ahora lo podemos decir en voz alta! Gratacós es el protagonista silencioso de Los Bridgerton y nuestros tejidos se exhiben a lo largo de la tercera temporada de la serie, estrenada en mayo. Recordemos que el vestuario está dirigido por John Glaser y su equipo, quienes interpretan libremente los trajes de la época de la Regencia en el Reino Unido. Estos vestidos siguen una estética new romantic, no tan encorsetada, con diseños que beben de distintas influencias y que tan bien llevan los actores de la serie, convertida en un fenómeno cultural.

“Nos llena de orgullo saber que han contado con nosotros”, asegura Juan Gratacós a Yo Dona. De nuestro atelier provienen, por ejemplo, los minuciosos tules con bordados florales que luce Penélope Featherington, la protagonista de la última temporada, o los vibrantes jacquards que forman parte del armario del mismo clan familiar. También otras mujeres destacadas de la serie, como la impecable Lady Danbury, se arropan con nuestros brocados de ensueño. “Seleccionaron los tejidos más fantasiosos”, reconoce Juan.

Un romance que empezó en 2022 y ahora se consolida

Todo comenzó en la feria Fabric London hace dos años, uno de los principales eventos textiles en los que participamos anualmente para intercambiar sinergias con futuros clientes. Entre los asistentes habituales del ámbito empresarial, también se dan cita algunos coolhunters de vestuario para series y películas que aprovechan la ocasión para encontrar artículos especiales. “Estos profesionales buscan tejidos con texturas, colores y volúmenes distintivos”, explica Juan. Algo les llamó la atención en nuestro stand: “Quedaron impresionados por la variedad y riqueza de nuestros productos”, recuerda, quien admite que surgió una especie de flechazo: “Se enamoraron de todo lo llamativo”.

El primer contacto fue general y no sabíamos exactamente para qué producción necesitaban este encargo especial. Poco a poco, se fueron desvelando los detalles hasta que finalmente, días antes del estreno, se confirmó que nuestros artículos aparecerían en Los Bridgerton. “Esto nos hizo muchísima ilusión a todos”, reconoce Juan.

A partir de ahí, la relación con los responsables de vestuario de la serie se ha consolidado. “Nos han pedido más tejidos para las siguientes temporadas”, avanza Juan, quien destaca nuestra capacidad para suministrar productos variados y de calidad de manera inmediata. “Mantenemos un elevado stock disponible, lo cual es crucial en la industria del entretenimiento, donde los tiempos de entrega son muy ajustados”, añade. La selección obedece a criterios de espectacularidad y riqueza ornamental: “Nos han pedido un poquito de todo, desde tules con bordados inspirados en la naturaleza hasta jacquards y lentejuelas multicolor”, añade. Una “especie de carta a los Reyes Magos” a la que hemos respondido suministrando los artículos más fantasiosos para vestir a los nuevos protagonistas de Los Bridgerton.

De hecho, no es la primera vez que nuestra empresa familiar es protagonista involuntaria en la pequeña y gran pantalla. Hemos hecho algún cameo en la serie Emily in Paris (2020) y en la película Superman Returns (2006). “En realidad, la capa del nuevo Superman era tejido de Gratacós”, añade Juan. ¿En serio? Le preguntamos estupefactos: “El artículo ebro doble crepe 250, color 015 para ser exactos”, responde meticulosamente. Nuestros tejidos también han pisado los escenarios de Broadway en éxitos internacionales como los musicales Wicked y la nueva interpretación de Cats de Andrew Lloyd Webber.

Juan Gratacós con los tejidos que fabrica el negocio familiar. Foto: ARABA PRESS

Tradición familiar con espíritu innovador

Juan Gratacós representa la tercera generación de una empresa familiar fundada en 1940 por sus abuelos Antonio Gratacós y Josefina Ortiz de la Orden. Un negocio nacido en Barcelona cuya filosofía se basa en el espíritu emprendedor, la inquietud por la innovación y la pasión por la moda. Los tres pilares que sustentan una compañía con una fuerte apuesta por la internacionalización gracias a su visión empresarial. “Nuestro producto tenía que salir al exterior si queríamos crecer de verdad”, asegura Juan. Las cifras abruman.

Actualmente, estamos presentes en más de 70 países y contamos con una red comercial propia que opera en mercados como Rusia, China o Arabia Saudita. La empresa conserva en su ciudad natal las oficinas y un espacio multidisciplinar propio que es un punto de inspiración y de encuentro entre clientas particulares, estudiantes de diseño y trendsetters. “Aquí todo puede pasar. Desde talleres hasta charlas”, asegura Aida Molano,  relaciones públicas de Gratacós, que custodia a diario los tejidos de nuestro espacio barcelonés.

El secreto del éxito de Gratacós reside en nuestro enfoque exclusivo en la creación de tejidos. No confeccionamos ninguna prenda. “Somos especialistas en lo nuestro”, enfatiza Juan. La empresa abarca todos los procesos: desde la creación de nuevas colecciones, con un potente departamento de diseño liderado por Rosa Pujol, hasta la fabricación, producción y comercialización. “Tenemos hasta 1.200 referencias nuevas en cada colección, entre lisos, estampados, bordados y jacquards”, especifica Juan.

Cada colección se guía por una búsqueda constante de innovación, centrada en la investigación y el desarrollo de colores y texturas, así como en la tecnología aplicada a la sostenibilidad, para mantener la calidad de los tejidos sin perder de vista las tendencias futuras del mercado. “Somos muy atrevidos”, afirma Juan. Como verdaderos agentes de tendencias, en Gratacós producimos las colecciones con dos años de anticipación, investigando los gustos y preferencias de los consumidores para sorprender a nuestra exigente clientela. “Es como un examen final que pasamos cada seis meses para adelantarnos siempre a lo que vendrá”, asegura.

Para crear esos tejidos que causan un efecto wow, es crucial captar la emoción y el deseo de los consumidores. La diferenciación radica en ofrecer productos memorables que justifiquen la compra. “Buscamos siempre la excelencia para deslumbrar a quienes confían en nosotros. Creo firmemente que somos una empresa que gestiona emociones a través del tejido”, añade el gerente.

De la pasarela a la alfombra roja

El espectáculo sensorial que ofrecen nuestros tejidos ha seducido a las marcas icónicas de alta costura como Chanel, Balmain, Carolina Herrera, Balenciaga y Rodarte. Entre los “pesos pesados” se encuentran diseñadores nacionales y otros que prefieren mantenerse en el anonimato. Aunque el grueso de las ventas se efectúa en el exterior, desde Gratacós no olvidamos a nuestros habituales: clientes particulares que invierten tiempo y dinero en crear un estilo único. “No damos la espalda a esas personas que vienen a buscar tejidos para confeccionarse una prenda de ropa para una ocasión especial o un vestido de novia”, afirma Juan.

¿Y qué podemos añadir de las apariciones públicas? Nuestros tejidos frecuentemente se transforman en impresionantes creaciones lucidas por artistas, celebridades y royals en alfombras rojas, actuaciones musicales, eventos sociales e incluso en los despachos de la Casa Blanca. Un abanico de personalidades tan amplio y ecléctico como los propios artículos. Desde estrellas de la Gen-Z como Rosalía, Aitana y Nathy Peluso hasta artistas consagradas como Beyoncé, Céline Dion y Taylor Swift. También figuran iconos de la moda como Sarah Jessica Parker, Michelle Obama, la Reina Letizia y Kate Middleton, quien eligió un vestido blanco de Jenny Packham en su reaparición el pasado junio tras unos meses alejada de la vida pública. El tejido también provenía de nuestro atelier.

Estas apariciones refuerzan el esfuerzo titánico que hacemos por hacer las cosas bien. “Nos divierte y nos da a todos la chispa necesaria para seguir apostando en este proyecto familiar de espíritu innovador y visión internacional”, concluye Juan Gratacós.

Para cerrar este artículo que recrea el reportaje publicado originalmente en Yo Dona, tenemos una última sorpresa que darte: algunos de los tejidos que aparecen en la tercera temporada de Los Bridgerton están aún disponibles en nuestra tienda online. ¡Aprovecha para dar rienda suelta a tu imaginación y alma romántica!

Todas las fotos promocionales de Los Bridgerton son de LIAM DANIEL/NETFLIX.

Collage de inspiración cowboycore. Fotos: Joplin Atelier, Free Form Style y Vanessa Mooney’s.

Cada año nos deleitamos con una nueva microtendencia que sacude la moda de temporada de forma caprichosa. El estilismo de una artista influyente, la última colección de una firma de lujo, un disco revolucionario, una película taquillera o las tendencias que más corazones y likes acumulan en TikTok o Instagram. Las redes sociales, que ya de por sí crean sus propios flechazos, influyen en la creación de estas tendencias pasajeras que llegan a los consumidores como un vendaval y se instauran en las editoriales y bazares de moda, reforzándose también en los escaparates de las tiendas de fast fashion. Otro fenómeno que confirma una microtendencia es que tan pronto emergen, tan rápido desaparecen.

Si el año pasado el foco de la moda iluminaba las microtendencias Barbiecore y Mermaidcore, inspiradas en la muñeca de Mattel y el magnetismo de las sirenas, esta temporada primaveral experimenta un cambio de registro, centrándose en la estética de los vaqueros del Salvaje Oeste. Y sí, Beyoncé y su nuevo álbum country tienen mucho que decir al respecto. En efecto, el estilo cowboycore sale de las grandes llanuras estadounidenses para capturar la imaginación de diseñadores, celebridades y el público en general con una interpretación contemporánea del western que renueva códigos de estilo para acercarse a la nueva generación, pero mantiene sus señas de identidad.

¿Por qué vuelve la cowboymanía? La actual resurgencia del cowboycore puede atribuirse a una mezcla de nostalgia y un deseo de autenticidad. En un mundo cada vez más digital y globalizado, las personas buscan conectar con estilos que evocan una sensación de historia y tradición. Además, la tendencia hacia lo sostenible y lo artesanal ha hecho que las prendas clásicas del oeste, muchas de las cuales están hechas de materiales duraderos, sean aún más atractivas.

Orígenes de la tendencia

El cowboycore encuentra sus raíces en la moda western, una estética recurrente en la cultura popular desde hace décadas. Las clásicas películas del oeste, las nuevas adaptaciones, las series de televisión de los años 60 y la música country, con artistas que captan la esencia de la América profunda, han ayudado a mantener esta moda que se percibe como un símbolo de libertad y rebeldía. Las prendas clave de esta tendencia incluyen todo tipo de ropa vaquera, chaquetas de cuero y ante con flecos, vestidos largos con volantes y camisas con motivos de flores o estampado de cuadros. En cuanto a accesorios, son indispensables las botas country, sombreros de ala ancha y cinturones con grandes hebillas metalizadas. Todo esto en una fusión de estilos y otras tendencias, como el glam y el streetwear, creando looks únicos y eclécticos. Así se ha percibido en las calles de Milán y París entre estilistas e influencers que han lucido su propia interpretación de la estética cowboy -o cowgirl-, coincidiendo con las principales semanas de la moda.

El cowboycore ha sido protagonista en varias colecciones de moda para 2024 y 2025, demostrando su relevancia y adaptabilidad. Algunas casas de moda destacadas que han adoptado esta tendencia son, por ejemplo, Dior en su colección Pre-Fall 2024, con chaquetas de cuero con flecos y botas de vaquero decoradas. También Balmain, con Olivier Rousteing incorporando elementos de la microtendencia en su colección Primavera/Verano 2024, fusionando la estética western con detalles glam y futuristas. Calvin Klein reinterpretó la estética en cuestión con líneas limpias y una paleta de colores neutros, destacando la durabilidad y el estilo clásico. A principios de año, Pharrell Williams se inspiró en el viejo Oeste y colaboró con artistas de Dakota y Lakota en su colección masculina para Louis Vuitton, llenando la pasarela de corbatas de bolo con piedras turquesa, botas cowboy de puntera afilada (estampadas, por cierto, con cactus) y vaqueros desgastados que parecían llevar encima varios rodeos. Por último, en las propuestas de Ralph Lauren o Roberto Cavalli también se pueden encontrar guiños a la estética de la América profunda.

Foto: Joplin Atelier

La moda cowboy entre artistas influyentes

Las celebridades juegan un papel crucial en su popularización. Una de las figuras más influyentes en hacer gala de esta tendencia es Beyoncé, quien, más allá de su nuevo álbum de música country, ha incorporado el estilo del Lejano Oeste en su vestuario de escenario y en sus videos musicales. Su gira ‘Renaissance’ ha sido testimonio de numerosos looks inspirados en la tendencia, con un toque moderno y glamoroso, consolidando su estatus como la reina de esta moda.

Artistas como Lil Nas X y Miley Cyrus también han abrazado la estética western, combinando elementos del oeste con toques modernos. El rapero estadounidense ha hecho de este estilo una parte central de su imagen, vistiendo botas de vaquero y sombreros en sus actuaciones y videos musicales. Kacey Musgraves, una estrella del country, también ha popularizado el cowboycore, mezclando elementos tradicionales del oeste con detalles brillantes y futuristas en sus atuendos de escenario. Su estilo ha influido tanto en la moda country como en la moda mainstream.

La relación entre la moda y la música es profunda y simbiótica, y el cowboycore es un claro ejemplo de esto. La música country ha sido una fuente constante de inspiración para la moda western, y viceversa. Artistas como Orville Peck, con su enigmático estilo y máscara de vaquero, han llevado el estilo a nuevas audiencias, fusionando la estética western con un toque más teatral, pero sofisticado a la vez.

El género pop también ha adoptado elementos con artistas como Billie Eilish y Post Malone incorporando botas de vaquero y chaquetas de mezclilla en sus estilos personales, mostrando la versatilidad y el atractivo universal de esta tendencia.

Más allá de la música

El impacto de la microtendencia se extiende más allá de la moda y la música, infiltrándose en otros ámbitos culturales como el cine, la televisión y las artes visuales. Películas y series de televisión recientes, como “Yellowstone” y “The Power of the Dog”, han presentado personajes con estilos que reflejan la moda western, contribuyendo a su resurgimiento.

En el arte contemporáneo, la estética cowboycore se manifiesta en obras que exploran temas de identidad, nostalgia y rebelión. Artistas visuales como Richard Prince han incorporado elementos del oeste en sus obras, creando un diálogo entre la cultura popular y el arte de alta gama.

Estos son solo algunos ejemplos de cómo esta microtendencia ha demostrado su capacidad para evolucionar y adaptarse a nuevos lenguajes contemporáneos, creando una fusión única de estilos. Desde las pasarelas hasta las calles, y desde la música hasta el arte, el cowboycore continúa influyendo y siendo influenciado por diversos ámbitos culturales. Su atractivo duradero y su capacidad para reinventarse aseguran que seguirá siendo una fuerza relevante en la moda y en otros contextos.

En Gratacós hemos encontrado en la actual colección algunos tejidos que nos remiten sutilmente a esta estética. Aquí te dejamos nuestras inspiraciones:

Exposición ‘Vistiendo un Jardín’. Todas las fotos publicadas son cedidadas por: Museo del Traje CIPE

Hace tiempo que no os recomendábamos una exposición, y acabamos de encontrar una muestra sorprendente que conecta frontalmente con algunas de nuestras inspiraciones más recurrentes y, concretamente, con la temática floral del Lookbook de este 2024. El Museo del Traje de Madrid acaba de estrenar la exposición ‘Vistiendo un Jardín’, una muestra comisariada por Gema Batanero que se centra en conectar la naturaleza con la moda a través de los motivos florales como eje vertebrador.

Un binomio histórico

Desde la Antigüedad, la naturaleza, y en especial los motivos florales, han sido una fuente de inspiración constante para el ser humano. Al igual que el autorretrato, las flores han centrado la atención y se han convertido en los primeros temas que la humanidad ha plasmado en el arte y en todas sus manifestaciones culturales. Esta conexión ha perdurado a lo largo de los siglos, especialmente en el ámbito de la moda y el diseño de interiores, donde decorar con flores significaba una manera de mantener la belleza efímera y la unión con el entorno natural: los jardines, el campo, los bosques… De hecho, cada época ha tenido su peculiar manera de vincular la moda y los textiles con el lenguaje de las flores y hacerlo de manera extraordinaria.

Partiendo de esta premisa histórica, la exposición “Vistiendo un Jardín” en el Museo del Traje explora cómo los motivos florales en la moda evolucionaron entre el Barroco y la Ilustración. Esta muestra revela cómo estas representaciones florales reflejan los cambios profundos en la relación del ser humano con la naturaleza y el surgimiento de nuevas ideas artísticas, científicas y filosóficas. Además, la exposición pone de manifiesto cómo los intercambios comerciales y los avances tecnológicos influyeron en la rápida transformación de estos diseños florales, convirtiéndolos en un testimonio clave del gusto estético del siglo XVIII y principios del XIX. A través del leitmotiv de las flores, la muestra también reivindica el estudio de los procesos creativos y técnicos como una parte fundamental en la comprensión del fenómeno de la moda, planteando su transversalidad y continuo diálogo con distintos campos culturales.

Detalle de un vestido del siglo XVIII de la exposición ‘Vistiendo un Jardín’. Todas las fotos publicadas son cedidadas por: Museo del Traje CIPE

Los motivos florales en más de un centenar de piezas

La exposición incluye en torno a 120 piezas, cuyo núcleo lo constituyen colecciones de indumentaria y textiles históricos del siglo XVIII y parte del siglo XIX del Museo del Traje. Estas piezas están acompañadas de fondos documentales y bibliográficos, pintura, cerámica y artes decorativas de instituciones como el Museo Nacional del Prado, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas y el Real Jardín Botánico.

La primera parada del recorrido se titula “El bosque de las furias” y sitúa al visitante en el siglo XVIII con una explosión de creatividad textil: los tejidos insólitos, también llamados furias, por el apasionado y vibrante carácter de sus motivos decorativos. La exposición continúa con “Un bodegón naturalista”, que muestra cómo, durante los años treinta del siglo XVIII, las fantasiosas vegetaciones bizarras dan paso a representaciones mucho más naturalistas. A partir de los años cuarenta, “La línea de la belleza” señala la evolución hacia el estilo rococó, caracterizado por su ligereza y refinamiento.

A continuación, en “Las flores de la Ilustración” se aborda el desarrollo de las ideas ilustradas y la vuelta a los ideales del mundo clásico, marcando un profundo cambio estético respecto al gusto rococó. En “Jardines de Oriente” se trata cómo las indianas, un fenómeno textil procedente de India y Oriente Medio, se abrían paso en Europa. La nota de celebración bucólica la aporta “Una fiesta campestre”, que aborda el género de la fiesta galante en el rococó y alude al disfrute social del campo. Finalmente, el recorrido culmina en “El retorno de la primavera”, un espacio que explora cómo la relación con la naturaleza es una constante en la vida de los seres humanos, y cómo los motivos florales, aunque experimentaron un auge sin precedentes en los siglos XVIII y XIX, se repiten cíclicamente a lo largo de la historia de la moda.

Completa la exposición un catálogo creado entre la Subdirección General de Publicaciones y Palacios y Museos, que desarrolla con mayor amplitud los ámbitos tratados en la muestra. La exposición ‘Vistiendo un Jardín’ se podrá visitar de forma gratuita hasta el 29 de septiembre en el Museo del Traje de Madrid. Una buena oportunidad para deleitarse en este inspirador binomio: naturaleza y moda.

Gratacós se viste de blanco para inaugurar una nueva temporada nupcial en 2025. Durante semanas, hemos estado promocionando las novedades en tejidos para novias a través de diversas actividades: un cambio de escaparate, los nuevos talleres que impulsamos en nuestro espacio en Barcelona, y también hemos echado un vistazo a la nueva edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, el epicentro de la moda nupcial internacional en la ciudad condal.

Joel Miñana

La temporada de moda nupcial siempre empieza con el estreno de un nuevo escaparate dedicado a las novias. Esta nueva ventana hacia el público sirve para exhibir el moulage ganador del concurso que Gratacós promueve junto con la escuela IED Barcelona: el premio de la Bridal Scholarship for Talent 2024. En esta ocasión, la ganadora del concurso ha sido Jone González, estudiante de posgrado en diseño de vestidos de novia y ceremonia.

La propuesta de Jone González lleva por título ‘Musa’ y forma parte de una colección más amplia inspirada en esculturas de coral. El diseño en primera instancia se elabora con tela de algodón básica (natural y orgánica), creada con la técnica de moulage utilizada en alta costura, donde se moldea directamente el tejido sobre el maniquí para crear la forma deseada. En esta ocasión, el vestido nupcial que se exhibe en el escaparate está elaborado con nuestros tejidos: doble crepe Ebro y raso Venus. Su diseño destaca por un escote palabra de honor y silueta peplum marcada por un cuerpo ajustado con motivos florales y volantes que le dan fluidez en la cintura. La falda se ajusta al cuerpo a modo de sirena y realza las curvas femeninas. Para complementar la propuesta de Jone González, que se convierte en el foco del escaparate, se incluye un exuberante jardín floral elaborado por la escuela de diseño floral y paisajismo de Barcelona.

Taller de ilustración de moda nupcial. Joel Miñana

Para continuar con la celebración del mes de la moda nupcial por excelencia, en Gratacós también tuvimos el placer de invitar al ilustrador Joel Miñana para impartir un nuevo taller de dibujo en nuestro espacio en Barcelona. Durante esta sesión creativa, Miñana alentó a los participantes a explorar el arte de diseñar vestidos de novia utilizando algunos de nuestros tejidos de la nueva colección, además de otros materiales, para experimentar con los colores y las texturas de las composiciones. Como era de esperar, el taller fue un éxito de asistencia.

Por último, los tejidos nupciales de Gratacós también estuvieron presentes en la última edición de la Barcelona Bridal Fashion Week, que reúne anualmente las últimas tendencias del sector a través de desfiles de las firmas y diseñadores más destacados a nivel mundial, seguido de un espacio de negocios que congrega a 400 marcas y compradores de 80 países, según un comunicado de Fira de Barcelona. En total, en el mayor evento de moda nupcial se presentaron las colecciones de 37 diseñadores españoles y extranjeros que apostaron por mezclar la tradición con un toque de transgresión vanguardista para satisfacer las demandas de las novias actuales.

Como es habitual, Gratacós siguió de cerca las nuevas colecciones nupciales de diseñadores que suelen confiar en sus colecciones bridal, ofreciendo artículos que van desde tejidos lisos como crepes, satenes, organzas y mikados hasta elaborados jacquards florales, bordados con relieve, exquisitas gasas y flores 3D. Puedes descubrir el universo de posibilidades en tejidos nupciales aquí.

En esta ocasión, no nos perdimos los desfiles de Mariano Moreno, Isabel Sanchís, Jesús Peiró, Sophie Voilà, Alicia Rueda, Olga Macià y Yolancris, quienes presentaron excelentes propuestas nupciales que se adaptan a la multiplicidad de estilos y gustos de las novias (y algún novio) de la generación Z.

Olga Macià. Barcelona Bridal Fashion Week 2024

Algunas tendencias que se afianzan en 2024

Como creadores de tejidos, en Gratacós nos esforzamos por anticiparnos a las tendencias futuras, pero también seguimos aquellas que finalmente se consolidan para poder satisfacer la demanda del mercado. Desde los diseñadores influenciados por las pasarelas hasta los fenómenos que emergen en las redes sociales y captan la atención del sector. Sumergiéndonos en los looks que se repiten colección tras colección o que acumulan más “me gusta” en Instagram o TikTok, aquí te ofrecemos un breve resumen de por qué triunfan los vestidos con toques románticos, pero también los diseños de líneas minimalistas y algunas notas ornamentales de inspiración teatral.

En líneas generales, los contrastes son los protagonistas en todos los detalles: desde la combinación de tejidos que ofrecen una diversidad de texturas hasta los motivos de aspecto artesanal. En cuanto al diseño, conviven dos tendencias completamente opuestas: desde la novia minimalista que apuesta por el slipdress o la inspiración lencera en seda hasta los diseños de cortes limpios y patrones depurados, pasando por la novia que sueña con llevar un vestido de inspiración medieval con mangas de ángel, escotes en pico y talles muy altos o cortes en la cadera. Otro fenómeno en tendencia son los diseños mediante layering para bodas más allá del verano. Vestirse mediante capas e ir descubriendo poco a poco diferentes partes de un look no es nuevo, pero sí es una tendencia en alza al desestacionalizarse las ceremonias. Triunfan los vestidos de novia desmontables y transformables que se adaptan a cada ocasión.

Las siluetas de los diseños nupciales también evolucionan. Las novias en 2024 buscan añadir una nota diferencial a su vestido o conseguir un efecto sorpresa mediante asimetrías y cut outs que van desde el cuerpo hasta la falda y rompen con la silueta tradicional. Este fenómeno encaja además en todos los estilos, desde los más clásicos hasta los más vanguardistas.

Mariano Moreno. Barcelona Bridal Fashion Week 2024

¿Vestidos largos o vestidos cortos? Para la ceremonia religiosa, el vestido nupcial es largo, pero cada vez más triunfan los diseños minis que se convierten en la opción perfecta para una pedida, una preboda, una postboda o para enlaces civiles. Si hay una tendencia que se afianza en los últimos años, es la de mostrar las piernas entre las novias más jóvenes.

Por último, en cuanto a detalles, las flores lideran las preferencias de las nuevas novias y están presentes en los vestidos de múltiples maneras: en tejidos, aplicaciones, ornamentos, cuerpos bordados, y estas no tienen por qué ser blancas, sino que predominan los motivos florales de colores. También llegan los lazos en los vestidos de novias, inspirados por la tendencia coquette que aboga por una visión ultra femenina de la silueta.

Foto: María Novo

Los desfiles nos inspiran al ver cómo algunos de nuestros artículos se transforman en espectaculares creaciones y cobran vida de forma etérea en el propio espectáculo de la pasarela. En esta edición, nos trasladamos al Recinto Modernista de Sant Pau para seguir de cerca la nueva edición del 080 Barcelona Fashion y las propuestas de las 24 marcas y diseñadores que participaron. Aquí os dejamos algunas que nos parecieron interesantes:

Free Form Style

Gratacós apoya plenamente a las marcas que consideran que la moda no tiene límites ni restricciones y desafían los convencionalismos con propuestas que hacen gala de la inclusión y la diversidad real desde múltiples perspectivas. En este sentido, colaboramos por segunda vez con Free Form Style, la marca española pionera en diseñar moda adaptada a diferentes discapacidades. Sus fundadoras, Marina Vergés y Carolina Asensio, crearon en 2019 una marca de ropa inclusiva que repensaba las prendas básicas para que se adaptaran a todo tipo de personas. La firma catalana diseña con un enfoque en cuerpos no normativos, para que todas las personas se sientan representadas y sean bienvenidas en cada una de las colecciones que presentan. Se busca un enfoque de comodidad sin renunciar a la elegancia, promoviendo la autoestima y empoderamiento.

En esta ocasión, Gratacós proporcionó una parte de sus tejidos más especiales a la firma para elaborar su segunda propuesta presentada en la plataforma 080 Barcelona Fashion. La nueva colección se inspiró en los uniformes de trabajo de mediados del siglo XIX en Estados Unidos, adaptando la esencia y el estilo de la moda vaquera a los cortes y ajustes de la ropa para personas que se desplazan en silla de ruedas. Con un patronaje contemporáneo y alternativo a la ropa habitual, Free Form Style ha conseguido diseñar prendas que fomentan la libertad de movimiento sin alejarse de ese estilo estético que identifica las piezas icónicas de la cultura tejana. Destacamos también de la colección las blusas en tejidos fantasiosos y los vestidos vaporosos elaborados con nuestros artículos más brillantes.

Escorpion

Escorpion atraviesa un momento de cambio para seguir seduciendo a las nuevas generaciones, manteniendo la esencia primigenia de la marca especializada en punto desde 1929. La nueva colección explora ese momento de transición a través de ‘Re-connection’, una propuesta sensorial que quiere envolver al espectador y conectarlo de nuevo con su universo knitwear. El punto estuvo muy presente en la propuesta para el próximo otoño en un viaje multicultural que une formas, colores e inspiraciones. No pasaron desapercibidos los Jacquards y estampados de flores pixeladas acordes con el universo digital, las fusiones como las hilaturas amables con tejidos nobles de lana, seda y viscosa, y algunas prendas claves que seducen a la nueva generación de jóvenes como las bombers oversize, los vestidos de punto combinados con culottes, los shorts y los cropped tops en pata de gallo. Siluetas contemporáneas que renuevan el espíritu clásico.

Menchén Tomás

Siempre seguimos muy de cerca las creaciones de Menchén Tomás porque añade ese punto de sofisticación que a veces, se echa de menos en la pasarela catalana. En esta ocasión, Olga Menchén recreó el ambiente de una fiesta en la piscina con amigos, tomando como referencia las evocadoras fotografías de Slim Aarons, el fotógrafo estadounidense de la ‘jet set’ que retrató en la década de los 60 y 70, sus vidas íntimas. Imágenes donde los protagonistas no son los invitados sino la propia piscina: sus detalles, tonalidades, colores, el agua, el sol y las vistas al mar. Ese momento de fantasía real y aspiracional es la que Menchén Tomás ha trasladado a la colección ‘Poolside’ a través de tejidos bordados, sedas, gasas y algodón recreando un ambiente festivo pero relajado a través de vestidos de ensueño para invitadas de cualquier celebración que se vuelven atemporales. Elegancia sin ruido.

Larhha

En el apartado de firmas independientes y nuevos talentos no perdimos de vista las propuestas de Larhha. Una marca cordobesa, liderada por Miguel Marín, que nació en 2020 con el propósito de unir la moda urbana con el diseño más elevado. Una visión que surge de la unión de las dos grandes pasiones del fundador y director creativo de la firma: la arquitectura y la alta costura. La marca responde a las vanguardias del mundo de hoy, dando vida a colecciones atemporales que nacen de la investigación, de la mezcla de polos opuestos, y del encuentro entre pasado, presente y futuro. Una visión holística del diseño que permite actualizar los volúmenes y siluetas clásicas de décadas pasadas a través del uso de nuevos materiales y acabados técnicos de la era contemporánea. En ‘Chapelle’, la firma cordobesa viajó a la Santa Capilla de París para hacer gala nuevamente de su saber hacer en moda creando puentes de diálogo entre ambas disciplinas.

Compte Spain

También destacamos la nueva colección de Compte Spain, donde vimos algún guiño a nuestros tejidos. El diseñador valenciano Santi Mozas muestra un respeto absoluto por la artesanía, creando piezas exclusivas elaboradas de manera tradicional, ética y sostenible. Esta joven marca también se distingue por su creatividad al presentar colecciones que acercan historias populares al ámbito creativo de la moda. La nueva propuesta, titulada ‘Happy Ending’, se inspiró en los finales de cuentos del imaginario popular y los transformó en una expresión artística propia.

La nueva colección SS24 ya florece en todo su esplendor. Os la adelantamos a finales de febrero coincidiendo con el fin de las rebajas de invierno, pero ahora os proporcionamos todos los detalles de esta apasionante propuesta que fue muy bien recibida cuando se presentó en Première Vision Paris.

Bajo un concepto inspirador, Hanami, la nueva colección se centra en la tradición japonesa de apreciar la belleza de las flores. Esta práctica contemplativa coincide con el inicio de la primavera y nos invita a valorar el arte de la floración. Hanami, que significa literalmente “mirar a las flores”, lleva consigo una imagen muy representativa en Japón: la de los cerezos en flor, conocidos como sakura, que cubren con un manto rosa sus parques y montañas cada primavera durante un período muy limitado que coincide con el inicio de esta estación.

Esta tradición tan particular se remonta a siglos atrás, cuando la floración de los cerezos marcaba el inicio de la primavera y, por lo tanto, señalaba el momento ideal para plantar el arroz, un alimento crucial para los japoneses. Durante este período, los cerezos eran considerados seres sagrados y se creía que las almas de los dioses de la montaña anidaban en ellos. Según las creencias locales, cuando las flores rosadas del sakura estaban en plena floración, las deidades bajaban a las aldeas y se convertían en arrozales para ayudar en la producción del arroz. En la actualidad, cada nueva temporada de floración, miles de japoneses se reúnen bajo los cerezos, ya sea en parques, jardines o montañas, y disfrutan de un picnic rodeados de sakura, mientras una lluvia de flores delicadas tiñe todo de color rosa.

A grandes rasgos…

Volviendo a la propuesta, la nueva colección Hanami mantiene esa doble dualidad: nos invita a la pausa y a la reflexión, pero también es un momento para dejarnos llevar por la fantasía y el poder evocador de la naturaleza, activando todos nuestros sentidos.

Esta temporada, las flores son las claras protagonistas de la colección, pero vamos mucho más allá. Los motivos vegetales, los relieves orgánicos, los volúmenes naturales y los estampados inspirados en la naturaleza silvestre de los campos o la flora multicolor de los jardines urbanos, todos cuidados al detalle. Desde el trabajo preciosista de los arquitectos botánicos hasta la sensibilidad de los floristas de autor, todo ello conforma una colección poética, estimulante y audaz que apela a las emociones a través de la creatividad. En Gratacós, no entendemos la moda sin el arte y la cultura, y hacemos de la artesanía uno de nuestros pilares fundamentales.

Si analizamos en detalle esta colección Primavera-Verano 2024, el color se vuelve más vivo y brillante, jugando con diferentes armonías que reflejan la luz y los contrastes presentes en la naturaleza. Los tejidos se seleccionan cuidadosamente en términos de materias, composición y combinaciones que recrean las formas orgánicas. Volvemos a dar una nueva dimensión a la calidad, porque es un valor necesario, claro y real que nos distingue.

“No entendemos la moda sin el arte y la cultura, y hacemos de la artesanía uno de nuestros pilares fundamentales”

Colores

La propuesta de Gratacós se sumerge en un mundo de color, donde diversas armonías se entrelazan para crear combinaciones frescas y dinámicas. La paleta de colores en contraste transformará los tejidos, ofreciendo una riqueza de matices que dinamizará los resultados finales. Los colores seleccionados para protagonizar la nueva temporada darán vida a colecciones poéticas, atemporales y versátiles, transmitiendo sentimientos a través de una intrigante interacción de fuerza, feminidad y belleza, plasmada en los diferentes textiles.

Estos colores transportan a un paisaje mágico, evocando un edén digital donde tonos preciosos trabajan con una frescura golosa de luz fría. En tiempos de incertidumbre, ¿quién no anhela utilizar el poder del rosa resaltador, el amarillo, el azul o el verde en un vestido puro frou-frou para experimentar un instante de felicidad?

Tejidos

Esta temporada, el placer de crear y diseñar será nuestro impulso para desarrollar nuevos tejidos altamente elaborados y con un aspecto sofisticado. Nuestros tejidos se caracterizarán por una renovada importancia en la calidad de los productos, buscando una autenticidad necesaria y real. Hemos optado por líneas suaves, utilizando tejidos ligeros y transparentes adornados con lentejuelas para evocar el brillo y la claridad del agua. Esta sensación de vitalidad veraniega se refleja en estallidos gráficos de color que se extienden por toda la colección.

La transparencia desempeñará un papel importante, transmitiendo una fragilidad que es solo aparente. Por ello, hemos creado tejidos ligeros en diversas versiones y transparencias, con efectos sofisticados para una línea de productos con fantasías dulcificadas.

Aspectos

Los tejidos de esta temporada exploran magníficamente la textura, con volúmenes delicados en apariencia, pero sólidos en su construcción. El departamento creativo ha trabajado para dotar a los artículos de una dimensión tridimensional, aprovechando las torsiones de las hilaturas y las fantasías de los hilos con una apariencia más orgánica. Se destaca la importancia de los relieves y los acabados gofrados, con acolchados ultraligeros ideales para el verano.

El Jacquard adquiere un papel protagónico esta temporada, presentando geometrías repetitivas y diseños con ritmos secuenciales sin interrupción. A menudo pasamos por alto la complejidad técnica que encierran los motivos pequeños, por lo que es crucial revalorizarlos. Además, hemos trabajado en la creación de laminados con reflejos preciosos y sofisticados, amplificados por la luz para obtener un brillo llamativo y elegante. Tanto en jacquares como en bordados, el resultado será deslumbrante, con superficies brillantes gracias a hilos lame, iridiscentes y lentejuelas.

La técnica del bordado, como método universal de embellecimiento, vuelve a estar en boga. Florecen en creaciones inesperadas y hermosas, con engastes libres y colores vibrantes y frescos.

Diseños

En términos generales, la geometría seguirá siendo un tema prominente esta temporada, especialmente al explorar geometrías artesanales planas y suaves, impregnadas con toques especiales para crear ingredientes esenciales para este próximo verano. La gráfica en general será suave, fresca y exquisita, con un cuidadoso trabajo en los diseños.

Los florales desempeñarán un papel importante, como un dulce perfume que impregna toda la colección, a través del uso abundante y variado de estampados florales. También se destacarán los motivos botánicos centrados en las hojas, los adornos vegetales y las junglas ambiguas.

Por último, en esta nueva temporada, es fundamental mencionar la influencia del arte en los diseños de la colección, así como las influencias del metaverso, que presentan naturalezas que hibridan entre lo real y lo digital.

Desde Gratacós te invitamos a descubrir Hanami, nuestro edén particular.

Lazos, volantes, tonos pastel y vestidos baby doll se fusionan para elevar un estilo hiperfemenino de alma barroca que busca la artificiosidad. El maximalismo se despliega en todo su esplendor. Nos referimos a la estética coquette, cuyo reinado parece no vislumbrar su fin, al menos en esta temporada primavera-verano que acabamos de iniciar. Si bien esta tendencia no es realmente nueva, en los últimos meses ha alcanzado un nivel de viralidad notable en las redes sociales, específicamente en TikTok a principios de 2024. Con la etiqueta #coquette, esta plataforma de vídeos instantáneos, que cautiva especialmente a la Generación Z, acumulaba más de 18 mil millones de visualizaciones. Esta cifra supera con creces a su principal competidora, Instagram, que registraba cerca de 1,5 millones de publicaciones relacionadas.

Este fenómeno evidencia cómo una estética que parecía relegada al olvido, a excepción de ciertas tribus urbanas japonesas, resurge con fuerza y vuelve a situarse en el centro de atención de la moda actual. Ya sabemos que a la nueva generación de jóvenes les fascina el elemento nostálgico, en un fenómeno que los expertos han calificado como un revisionismo estético de tendencias del pasado.

¿Cómo se identifica el estilo coquette?

Entre todas las descripciones ofrecidas para definir este estilo que fusiona a la perfección feminidad, inocencia, dulzura y suavidad, destaca la proporcionada por la estilista Marisa Ledford en la revista People, quien lo describe como “un estilo hiperfemenino que hace referencia a la época victoriana de la Regencia, donde los vestidos de muñeca, los volantes, los lazos y los colores pastel son los elementos distintivos”.

Esta corriente experimentó un repunte en 2010, coincidiendo con dos fenómenos culturales que generaron gran interés durante meses y que, a su vez, alimentaron la industria de la moda: el estreno de la película ‘María Antonieta‘ de Sofia Coppola y el ascenso de Lana del Rey como uno de sus principales iconos de estilo. De hecho, la cantante y compositora volvió a estar en boca de todos recientemente gracias a la campaña que protagonizó para la firma Skims con motivo de la celebración de San Valentín. Esta campaña incluía todas las referencias que identifican a la corriente coqueta: lazos en abundancia, transparencias, gatos y tejidos delicados como el satén y el encaje.

Recientemente, otro fenómeno cinematográfico ha dado un nuevo impulso al estilo hiperfemenino y, de paso, hiperbólico: la película de ciencia ficción ganadora del Oscar, ‘Poor Things‘, que ha obtenido, entre otras distinciones, el premio al mejor vestuario. Esta película caracteriza a su protagonista, Bella Baxter, como una mujer victoriana con un guardarropa que revoluciona lo clásico al mantener una mirada contemporánea que se refleja en cada uno de los excéntricos y estimulantes looks en cuanto a forma, volumen, relieve y color. Creaciones como vestidos de volantes y mangas abullonadas, bombachos victorianos, largas batas de seda o fastuosos camisones dejan al espectador boquiabierto y recuerdan al estilo en cuestión: lo coquette engancha.

Por otro lado, el hecho de que esta tendencia siga más viva que nunca también queda corroborado por marcas de moda que hacen del estilo coquette su seña de identidad habitual. Por ejemplo, en su colección de primavera-verano 2024, Rodarte se inspiró en un jardín de flores y en las siluetas de la década de los 30. Asimismo, Simone Rocha presentó para la misma temporada lazos voluminosos, encaje, tul y flores como los grandes protagonistas de su colección, tanto en su propuesta femenina como masculina. No es necesario revisar las tendencias de las grandes marcas, ya que también los pequeños diseñadores apuestan por este estilo que realza la feminidad aniñada. Por ejemplo, las creaciones de Quique Vidal a través de Becomely, su alter ego en moda, o las fantasías de Anel Yaos. En la colección presentada el año pasado en la pasarela 080 Barcelona Fashion, había claras alusiones a esta estética en una propuesta que exploraba los sentimientos más personales a través de gasas, transparencias y tonos pastel.

Origen histórico de la estética 

La palabra “coquette” proviene del francés y significa coqueta. Como estilo, toma elementos de la indumentaria del siglo XVIII, con una fuerte inspiración en el rococó tardío de la reina María Antonieta, de la cual incorpora elementos decorativos de la ropa como los moños y el encaje. De igual manera, se basa en el “infame” vestido chemise à la reine, una prenda generalmente confeccionada en algodón y utilizada como ropa interior, pero que María Antonieta transformó en muselina semitransparente, con volados en el pecho y las mangas, con el cual la reina decidió pasar sus días en el campo.

Quizás el elemento más icónico del estilo coquette, o al menos el más fácil de distinguir, es el lazo o moño, que se utiliza tanto en el cabello como en la ropa. Este uso se remonta a la moda del período romántico, a finales del mismo siglo XVIII y principios del XIX, cuando después de las revoluciones y el surgimiento de las Repúblicas, la feminidad volvió a ser relevante. Esto se reflejó en la vestimenta y en los adornos de la ropa como un elemento asociado con la clase social, ya que en su mayoría ya no había monarquías.

Una tendencia enraizada en la calle

A pesar de que estos orígenes se remontan varios siglos atrás, su llegada a la moda actual se enmarca en el revisionismo de la Generación Z, que ahora recurre a diversas estéticas de los años 90 y 2000. Otro factor que contribuye al triunfo de este estilo es cómo ha conquistado los looks urbanos. Así, lejos de saturarse, son las propias influencers y prescriptoras de moda quienes protagonizan las imágenes de street style más comentadas y, ciertamente, no parecen estar cansadas de esta tendencia. Durante la pasada temporada de desfiles, no era difícil encontrar referencias a esta corriente: lazos adornando todo tipo de prendas, ya sean más o menos extravagantes, más o menos románticas, presentes en el cabello e incluso adheridos al rostro, así como alusiones al universo infantil, como la combinación habitual de zapatos con calcetines de calados y lazos, y la paleta de colores pastel. Sin olvidar las alfombras rojas por las que desfilan las estrellas de Hollywood. De hecho, el estilo coquette también ha protagonizado algunos looks en la celebración de los Oscar 2024. Lo atestiguan los estilistas que vistieron a actrices como Ariana Grande, quien deslumbró en la red carpet con un modelo rosa abullonado con escote de palabra de honor y cola de Giambattista Valli Couture. También Chloë Sevigny y Sofia Vergara, quienes lucieron lazos coquetos en las after-parties de los Oscar.

En Gratacós, también hemos querido rendir nuestro propio homenaje al estilo coquette con una selección de nuestros tejidos de la nueva temporada, para que te inspires y puedas crear tus propios diseños dentro de esta estética tan femenina, fantasiosa y aniñada.

Como es habitual, Gratacós sigue de cerca las principales pasarelas de moda española en busca de looks sorprendentes que se crean a partir de nuestros tejidos. Nos encanta ver cómo cada diseñador juega con la creatividad y la adapta a su estilo, convirtiendo algunos de los artículos de las próximas colecciones en pequeñas obras de arte en movimiento. Esto nos resulta sumamente inspirador porque somos observadores por naturaleza.

En la reciente edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, celebrada en febrero 2024, pudimos comprobar una vez más que las principales firmas españolas confían en nosotros. A continuación, te presentamos algunos de los looks de las colecciones del próximo Otoño Invierno 2024/2025.

Fely Campo

Medio siglo en el mundo de la moda se dice rápido, pero representa a efectos prácticos un gran esfuerzo cimentado en la pasión y la persistencia. Fely Campo ha rendido homenaje a su 50 aniversario en el mundo de la moda con la colección ‘The Way Here’, el camino hasta aquí. Una auténtica declaración de intenciones en una de sus propuestas más personales e intimistas que vehicula las emociones y reflexiones surgidas a lo largo de estos años dedicados a la profesión.

La colección es un testimonio de medio siglo de dedicación, innovación y excelencia en el diseño de moda. Así, cada pieza refleja el viaje personal y profesional de Fely Campo, desde sus inicios hasta la consolidación de su firma como un referente de la moda española.

La paleta de colores se sumerge en el negro, el tono fetiche de Fely Campo, iluminada por tonos rojizos que se refrescan con matices verdes. El color plata, el dorado y el beige añaden madurez y sobriedad a esta paleta, creando una experiencia visual única. ‘The Way Here’ también fusiona una variedad de tejidos, desde cálidos paños hasta atrevidos lamés, esenciales tafetanes, mágicos brocados y novedosas organzas, en una expresión de pasión y experimentación sin límites.

Un total de 26 looks han encapsulado este apasionante itinerario de 50 años. Un tributo al legado y la dedicación de Fely Campo a lo largo de su carrera.

Encinar

Pocas firmas han logrado trazar un rápido recorrido en la pasarela madrileña como Encinar. Fabio Encinar debutó en IFEMA en febrero de 2023, y un año después, la firma ha regresado a la pasarela madrileña para mostrar una colección sólida en todos los aspectos que demuestra como la marca logra fusionar artesanía con cultura en todas sus creaciones.

Esta vez, Encinar se inspira en las raíces españolas y su folklore tradicional a través de la mirada de Aline Griffith, Condesa de Romanones. Una de las mujeres más influyentes del siglo XX. Griffith, era una espía para la oficina de cuerpos estratégicos en la América de Franklin Roosevelt, que se integró en la alta sociedad española en la postguerra, en las noches de fiestas sofisticadas y tablaos flamencos -entre sus amistades más cercanas se encontraban la duquesa de Alba o Lola Flores-, y que terminó enamorándose del conde Álvaro Figueroa Torres. En su recuerdo ha querido inspirarse el diseñador, con la ayuda de Lulu Figueroa, nieta de Aline Griffith, quien le ha ayudado a empaparse de su historia.

Los looks de esta nueva colección arrancan con tonos negros haciendo referencia a su época de espía y van evolucionando a colores que cobran fuerza hasta romper en sedas salvajes, moaré, tafetas y brocados que se fijan en las noches de piano bar y embajadas donde la ya condesa deja constancia de su estilo.

La nueva colección representa una oda a la evasión. A sumergirse en otras épocas en las que el código de vestimenta marcaba el ritmo nocturno de la capital española y un elenco de artistas internacionales compartían mesa en Horcher con príncipes exiliados, toreros de renombre o el más alto espionaje de cada bando… Un homenaje de la firma a la España del tablao, Ava Gardner, Manolete, la costura de posguerra y sobre todo la condesa de Romanones: Aline Griffith.

Malne

Paloma Álvarez y Juanjo Mánez, el dúo de creativos detrás de Malne, han revolucionado la pasarela madrileña con una nueva colección que se mantiene fiel a su estilo pret-à-porter de lujo. La nueva propuesta para la próxima temporada, llamada “Revolution”, se basa en un estado de ánimo, un estilo propio y una fuerza imparable.

La colección comienza con prendas lujosas que siguen las tendencias marcadas, como las lentejuelas XL, los tejidos con acabados brillantes y las siluetas masculinas. Sin embargo, a medida que las modelos desfilan y se muestran las prendas, uno se da cuenta rápidamente de que se rompe con el glamour clásico, atreviéndose con estilos de cortes militares y grandes volúmenes. La paleta de colores de la nueva propuesta de Malne es vibrante y ofrece la seducción de la seda, el crepé y la organza. Como asegura la marca: “Nada es lo que parece y todo es lo que imaginas.

Paloma Suárez

Hace un tiempo que seguimos la trayectoria de Paloma Suárez porque nos gustan sus propuestas que apuestan por esa modernidad renovada de alguien que es capaz de fusionar los códigos de estilo desde un punto de vista fresco y juvenil.

Considerada una de los new talents de la moda española, Paloma Suárez va llegando a su madurez creativa manteniendo esa visión contemporánea que la caracteriza. En esta ocasión, la diseñadora toma como punto de partida, uno de los valores que mueven el mundo: “La valentía es la fortaleza de una persona cuando actúa con decisión y firmeza haciendo frente a sus miedos inquietudes y dudas.” De esa fortaleza y actitud en ser, avanzar, evolucionar y alcanzar metas nace ‘Brave’.

Una propuesta ecléctica, de género neutro, en la que Paloma Suárez aprovecha para desarrollar nuevas técnicas textiles sustentas por su savoir faire. Por ejemplo, en la propuesta para el próximo invierno se encuentran como protagonistas tejidos como la piel vegana, siluetas con guiños a la estética militar y una paleta de color quebrada en nuevos tonos como el marrón se incorporan al amplio catálogo colorista que identifica los diseños de la diseñadora canaria. Los complementos cobrarán protagonismo en esta colección para cerrar looks significativos. La artesanía, sostenibilidad, gusto por los detalles y la fusión de la alta costura con elementos urbanos no pueden faltar en lo que ya es un sello consolidado dentro del universo de la firma.

Un espectacular vestido de lentejuelas de la firma Acuamona.

Aunque apreciamos todos los tejidos por igual debido a su singularidad, reconocemos que existen ciertos artículos que resisten mejor la prueba del tiempo y se convierten en una inversión inteligente para cualquier época del año. Aprovechando las últimas semanas de descuentos de nuestra colección de invierno, Gratacós te presenta cinco artículos que no pierden su relevancia, a pesar de las efímeras tendencias. Además, ahora los puedes encontrar a precios más atractivos en nuestra sección outlet.

Tweed

Este tejido destaca por su extraordinaria riqueza en todos los aspectos imaginables: posee un legado histórico que se remonta a las Highland escocesas; es un comodín en constante evolución; resulta fácilmente reconocible a simple vista y se inspira en la elegancia clásica, al tiempo que exhibe un carácter camaleónico que le permite adaptarse a versiones más contemporáneas. ¿Qué más se puede pedir?

Se trata de un tejido con apariencia irregular, de tacto rugoso, textura calada y elástica, con patrones bien definidos como el houndstooth, windowpane y herringbone. Este artículo se presta al cosido y al planchado, ofreciendo una versatilidad que puede trascender los límites del género, o más bien, que no los tiene.

De origen modesto, el tweed proviene de Escocia y era un tejido común en la vestimenta de abrigo de las clases populares, utilizado en el campo para enfrentar las adversas condiciones climáticas. En el siglo XIX, la aristocracia inglesa encontró en este tejido su mejor aliado para llevar a cabo actividades campestres y deportes al aire libre. Quien supo conferirle un halo de glamour al tweed fue, sin duda, Coco Chanel, que a finales de los años 20 del siglo XX lo incorporó al guardarropa femenino en prendas que se han convertido en símbolos, como sus chaquetas cortas o faldas lápiz. Este tejido proporcionaba a la mujer de la época un extra de comodidad sin perder un ápice de elegancia.

Descubre todos nuestros tweeds de temporada.

Mikado

El mikado es una joya textil que se distingue por su exclusividad y sofisticación, encerrando consigo una historia milenaria. Originario de Japón, este tejido ha logrado cautivar a diseñadores gracias a su singularidad y a su capacidad para transformar prendas aparentemente simples en auténticas obras de alta costura.

Empezamos por su nombre. Significa ‘emperador’ en japonés, un título que refleja su regio esplendor. El mikado se produce mediante un proceso especial de fabricación y acabado, confiriéndole así un aspecto lujoso y una estructura firme. Inicialmente destinado a la confección de kimonos imperiales y otras prendas ceremoniales, el mikado simboliza la nobleza y la elegancia. Dada esta rica carga simbólica, no sorprende que en la actualidad sea uno de los tejidos más utilizados y demandados en el ámbito nupcial.

El mikado se distingue por su estructura pesada y su superficie ligeramente brillante, proporcionándole un aspecto opulento y un tacto distintivo. Compuesto a menudo de seda, este tejido destaca por su suavidad y la capacidad para crear pliegues elegantes. Además, su habilidad para mantener su forma lo convierte en el tejido ideal para la confección de vestidos de alta costura que requieren volumen y estructura

Encuentra nuestras propuestas de mikado. Desde diseños lisos hasta los motivos florales o de inspiración geométrica.

Lentejuelas

A este tejido no le hacen falta presentaciones. Las lentejuelas son las auténticas protagonistas del vestuario femenino, desplegando su resplandor a lo largo de décadas. Ya sea de día o de noche, en cualquier ocasión, las lentejuelas aportan luminosidad y se vinculan con el lujo y el glamour.

Su legado histórico se remonta a la antigüedad, cuando estas diminutas piezas brillantes se utilizaban en prendas de vestir en el Antiguo Egipto, añadiendo destellos a las vestimentas de esa época. Sin embargo, su renacimiento ocurrió en la década de 1920, durante la era del jazz y los vibrantes años veinte, convirtiéndose en símbolos de opulencia y sofisticación. Su apogeo llegó en la década de 1930, cuando las estrellas de Hollywood comenzaron a lucir vestidos decorados con este tejido en las alfombras rojas. Desde entonces, las lentejuelas han sido sinónimo de glamour y cierta extravagancia. Diseñadores de renombre mundial, desde Coco Chanel hasta Versace, han incorporado este brillante tejido en sus creaciones, consolidando su estatus como un elemento atemporal en la moda de lujo.

Lo que define a las lentejuelas es su capacidad para transformar cualquier prenda en una obra maestra de brillante elegancia. Estas pequeñas piezas, generalmente de metal, plástico o material reflectante, se cosen en patrones para crear un efecto visual deslumbrante. Su brillo, a menudo asociado con la luz de las noches de gala, ha sido un componente esencial en la moda nocturna y en la alta costura.

Hoy en día, las lentejuelas han trascendido las ocasiones festivas, conquistando la moda urbana con propuestas contemporáneas que se adaptan a cualquier estilo.

Encuentra las lentejuelas que se adaptan a tu estilo.

Jacquard Floral

El Jacquard floral es una obra maestra textil que fusiona la destreza técnica con elementos inspirados en la naturaleza. Originario de Francia, este tejido se distingue por su elaborado patrón en relieve. La clave reside en su técnica, que lleva el nombre de Joseph Marie Jacquard, que ha dejado una huella distintiva en la historia de la confección de telas, convirtiéndose en un símbolo de lujo y sofisticación.

En el siglo XIX, su inventor introdujo una innovadora máquina de tejer que revolucionó la industria textil al permitir la creación de patrones intrincados y detallados. Esta tecnología pionera llevó la fabricación de telas a nuevos niveles, posibilitando la reproducción precisa de motivos ornamentales y diseños complejos.

Lo que hace único al tejido Jacquard es su capacidad para generar patrones en relieve con una variedad de colores y texturas. Este proceso se logra mediante la cuidadosa combinación de hilos de diferentes colores y tipos, creando una obra de arte tridimensional en cada hilo. La textura resultante es rica y lujosa, aportando una profundidad visual única a la tela. El Jacquard también ha ganado su lugar en el mundo de la moda gracias a su versatilidad en el diseño. Desde trajes de alta costura hasta prendas más informales, el Jacquard se ha extendido en una amplia gama de prendas que incorporan desde patrones geométricos hasta los motivos florales más exquisitos.

Añade un toque de romanticismo y feminidad a tus creaciones con estos Jaquards florales.

Pata de Gallo

El tejido pata de gallo es uno de esos clásicos atemporales que resiste las tendencias efímeras para convertirse en un símbolo de elegancia y estilo. Su historia se remonta al siglo XIX en Escocia, donde los tejedores locales lo crearon con esmero. Inicialmente conocido como houndstooth (dientes de perro), el patrón pata de gallo se distingue por bloques de forma abstracta que evocan las huellas de un gallo. Con el tiempo, este patrón trascendió las fronteras escocesas, convirtiéndose en un elemento icónico en la moda global.

Lo que confiere a los artículos con patrón pata de gallo su atractivo distintivo es su habilidad para combinar simplicidad y sofisticación. Compuesto generalmente por bloques repetitivos en blanco y negro, el patrón crea un efecto visual audaz y equilibrado. La versatilidad de este tejido se manifiesta en una amplia gama de prendas, desde trajes y abrigos hasta faldas y accesorios, adaptándose tanto a ambientes formales como a conjuntos casuales. Desde las pasarelas hasta las calles, la pata de gallo continúa siendo una elección elegante que evoca un aire de sofisticación clásica.

En Gratacós te recomendamos este tejido pata de gallo.