jueves 18 octubre 2018

El espíritu bohemio de Montmatre

Aterriza en la ciudad condal una de las exposiciones más esperadas de finales de año que da vida al lado más bohemio y transgresor del París del siglo XIX. Se trata de la muestra ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’ que alberga desde hoy el CaixaForum de Barcelona. Una producción propia de la Obra Social La Caixa, comisariada por Phillip Dennis Cate que cuenta con una extraordinaria colección de 350 obras de pinturas, dibujos, grabados, carteles y otros objetos de la época procedentes de distintos museos de todo el mundo. Una extensa muestra liderada por las obras del polifacético pintor Toulouse-Lautrec (61 obras, entre ellas seis óleos, un dibujo y sus carteles más conocidos) que retratan el corazón bohemio del barrio de Montmatre y su vida nocturna, en sintonía con la visión de otros artistas contemporáneos que convivieron en el París de finales del siglo XIX.

Montmatre, el denominador común

En 1880, Montmartre era una zona marginal y peligrosa apartada de París que empezó a atraer a numerosos jóvenes creadores. Así, por ejemplo, los artistas Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Signac, Pierre Bonnard y Henri-Gabriel Ibels, los intérpretes Aristide Bruant e Yvette Guilbert, los escritores Émile Goudeau, Alphonse Allais y Alfred Jarry, y los músicos Erik Satie, Vincent Hyspa y Gustave Charpentier se mudaron allí atraídos por el barrio: querían vivir gastando poco, trabajar y evitar el centro burgués de la capital francesa. Es así como en pocos años, Montmartre se convirtió en el denominador común geográfico de muchos artistas, que contribuyeron activamente a definir la estética vanguardista de la época.

El centro de la vida bohemia

A finales del siglo XIX, Montmartre era el epicentro del motor social y cultural que definió su estilo moderno y carácter bohemio. Sus calles, los cabarets nocturnos, los cafés del barrio… fueron escenario de una explosión creativa gracias a esos jóvenes artistas e intelectuales que desafiaron, a través de sus obras, el sistema establecido. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, 1864 – Château Malromé, 1901) y otros artistas como Vincent van Gogh, Jean-Louis Forain, T. A. Steinlen, Pierre Bonnard o Édouard Vuillard contribuyeron a este florecimiento de un movimiento rompedor al margen de la burguesía.

Los artistas de Montmatre tenían una actitud crítica y en sus obras era habitual que se reflejara des de la pobreza en las calles a la dureza de la prostitución, dos temas recurrentes que formaban parte de esta denuncia social. En muchas ocasiones, el humor, la sátira y la caricatura se utilizaban para difundir sus propuestas en una renovación del lenguaje artístico que se vuelve más popular y cercano, alejado de las élites. En consonancia, la presentación de sus obras también se realizaba en espacios fuera de lo común: cabarets, teatros experimentales, circos o la misma calle, fuente continua de inspiración.

La exposición muestra el carácter transgresor de muchos artistas del París del siglo XIX”

Un espíritu que no solo se limitó geográficamente en Montmartre, sino que se convirtió en una mentalidad vanguardista que se trasladó a los nuevos centros de ocio de París y de las principales ciudades europeas y que marcó un antes y un después en las nuevas formas de expresión que se consolidan con el cambio de siglo. La exposición ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’ se podrá ver en el CaixaForum de Barcelona hasta el 20 de enero de 2019.

FOTOS

Crédito: Fotos extraídas del CaixaForum, exposición ‘Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre’

jueves 11 octubre 2018

The Color Community: Double Poetry

Después del verano, The Color Community ha vuelto a la carga con un nuevo informe inspirador. La asociación de “apasionados del color y la materia” han presentado las últimas novedades en su undécima edición celebrada, como es habitual, en la Antigua Fábrica Damm de Barcelona. Destaca un logotipo nuevo que transmite la esencia de la asociación: la unión de varios profesionales pluridisciplinares que aportan la suma de las visiones del color; una nueva web donde consultar e orientar a los interesados en indagar en la materia y, por último, una nueva carta de colores que son los que guiarán la temporada Primavera-Verano 2020.

The Color Community es una iniciativa en constante evolución que apoyamos desde su nacimiento porque como empresa internacional de tejidos también nos interesa el color y la textura, y como estos se aplican en el diseño. El equipo fundador de la iniciativa lo forman tres personalidades: el arquitecto Pere Ortega; la diseñadora especializada en Colour & Trim, Eva Muñoz; y Rosa Pujol, Textil & Colour Stylist de esta misma casa. Estos profesionales trabajan en su día a día con las tendencias y sus connotaciones en función del factor temporal y socio cultural y nunca pierden de vista la visión del mercado para intentar adecuarse a sus futuras necesidades. Como ellos dicen en su portal online, “We Do Colour”.

Esta edición gira en torno al concepto de ‘Double Poetry’ que hace referencia a la dualidad: los antagonismos que se relacionan entre sí como lo racional y lo impulsivo, lo científico y lo emotivo… y los conceptos que se complementan, pero siempre jugando con esta vinculación de dos ideas. Una propuesta fresca y enérgica que se articula a través de cuatro gamas de color, texturas y materias bautizadas como: Iced Risk, Los Angeles, Mother Tech y New New.

A continuación, os explicamos una pequeña síntesis de cada una de ellas:

  1. Iced Risk

La primera inspiración se centra en la idea del riesgo controlado. Innovación al servicio de la funcionalidad, diseño sin estridencias para su apto consumo. Es una propuesta versátil y dinámica centrada en las líneas geométricas, las ilusiones ópticas, los volúmenes bajo control, los tejidos técnicos, fluidos y plisados, las siluetas etéreas y algunos motivos en rejilla. Se representa principalmente con una paleta de verdes inspirados en la naturaleza, azules urbanos y pinceladas de amarillo mostaza.

  1. Los Ángeles

La segunda gama es más juvenil y se inspira en esta ciudad californiana y en su estilo de vida más relajado. Se inspira en los contrastes cromáticos, las formas inspiradas en el agua, la estética surfera y náutica… Para ello abundan materiales sintéticos como el plástico, las redes, los degradados, los estampados geométricos… en colores vivos que se presentan en bloque o que contrastan con el blanco más puro.

  1. Mother Tech

La tercera inspiración juega con el concepto de la tecnología y como esta se relaciona con el ser humano. Una gama que reivindica su uso creativo e invita a perderle el miedo. A su vez, también refleja como la tecnología puede convivir con la naturaleza y complementarse con ella. En materia de texturas se expresa con las formas experimentales, las filigranas, las fibras imperfectas, las lentejuelas tipo espejo, los tejidos iridiscentes, los cortes con láser… La gama de colores va desde el verde menta pasando por el azul pátina y los metalizados, en especial el color plata en su versión brillante y mate.

  1. New New

Por último, la cuarta gama es la más transgresora y conecta directamente con la Generación Z: los jóvenes del siglo XXI que ya tienen edad para consumir. Se inspira en los clásicos en versión contemporánea, las ediciones de coleccionismo, las rara avis… Una renovación de los códigos de siempre para un público totalmente nuevo que no conoce lo anterior. Tejidos como el denim, las formas atípicas, los tejidos con mensaje… encajan en esta propuesta con una paleta cromática de lo más estridente que incluye el amarillo, el verde lima, el rosa chicle o el dorado, entre otras tonalidades.

jueves 27 septiembre 2018

Josep Font se despide de Delpozo

Gracias Delpozo por estos seis maravillosos años. Me he sentido como en familia, y estoy muy orgulloso de todas las cosas que hicimos juntos”. Esta es la frase de despedida que Josep Font dejó el pasado martes en su Instagram, tras seis años al frente de la dirección artística de la firma. Delpozo por su parte, agradecía casi al mismo tiempo su excelente labor durante estos años. Un intercambio de agradecimientos que pone fin a una fructífera colaboración con éxito.

Josep Font ha sido el encargado de “rejuvenecer y continuar el legado de Jesús (del Pozo)”, según afirmaba Pedro Trolez, presidente de Grupo Perfumes y Diseño, propietario de la casa, haciendo de la marca española una de las más deseadas a nivel internacional. “Tiene una capacidad extraordinaria de mezclar colores, texturas y volúmenes, convirtiéndolos en colecciones delicadas y femeninas. Estoy agradecido por su lealtad y por haber formado parte de esta primera etapa de Delpozo”, añadía Trolez.

Arquitecto de formación, Josep Font se unió al proyecto de Delopozo un año después del fallecimiento de Jesús del Pozo, firma que se fundó en 1974. En estos seis años, Font ha sido el responsable de renovar la identidad de la mujer Delpozo y darle una proyección mundial al desfilar a Nueva York y después a Londres, presentando los dos últimos desfiles. Más allá de la reformulación del nombre (Jesús del Pozo, pasó a llamarse DelPozo) con fines comerciales, el modisto catalán ideó un lenguaje propio inspirado en las formas de la naturaleza para crear voluminosos diseños etéreos y delicados en una paleta muy colorida caracterizada por sus magníficos contrastes: baila entre los tonos pastel más oníricos y los tonos más saturados.

Más allá de la naturaleza, el diseñador también ha bebido del arte, la música y la arquitectura para idear cada nueva colección. Cada cual más sorprendente y aplaudida. Apasionado de la artesanía, Font también ha apostado por los bordados de calidad reclutando personal adecuado para trabajar en su taller. Una tarea que avala esa minuciosidad por el detalle y los acabados en prendas más cercanas a la Alta Costura que al prêt-à-porter en una visión incomparable del armario femenino. Por todo ello, Josep Font ha puesto en valor las piezas bien hechas, la moda cocinada a fuego lento, las siluetas arquitectónicas, el tul, los volúmenes etéreos y el buen gusto sin excesos. Todo ello a través de Delpozo.

De momento, desde Delpozo no han dado pistas de quién será el creativo que cogerá el relievo de Josep Font al frente de la dirección artística. Tampoco se sabe cuál será el siguiente paso a dar por el diseñador catalán que ha conseguido hacer soñar a las mujeres privilegiadas que se han podido vestir de Delpozo en la era de Josep Font.

jueves 06 septiembre 2018

Luces de neón

En cada temporada, la industria de la moda dicta las nuevas tendencias y estas suelen evolucionar de dos maneras: se convierten en una suave transición de la moda anterior adaptada a la nueva estación, o bien, marcan justo lo opuesto que la temporada pasada. Continuidad o contraste. En el caso de los colores neón se da el segundo caso.

Llevamos un 2018 empachados con las tonalidades pastel: el rosa millennial que se resiste abandonar la palestra, el suave tono lavanda del invierno pasado, los tranquilizadores azul bebé, el verde menta… Después de este festín de colores dulces, la moda marca justo lo contrario con tonalidades dispuestas a revolucionar las retinas de los consumidores: los fluorescentes. Por lo tanto, con el verano aun marcando el calendario, damos la bienvenida al otoño con esta atrevida tendencia cromática que se rescata de la década de los 80 para llevar un poco de luz a nuestro tradicional guardarropa invernal.

El retorno de los colores neón no es algo novedoso. De hecho, ya hubo un regreso hace prácticamente una década en prendas de estilo deportivo inspiradas en los “uniformes” de los cantantes de rap y hip hop que lucían complementos como zapatillas, gafas de sol y otros detalles en la ropa como franjas laterales que brillaban en la oscuridad. Ahora, algunos diseñadores rescatan esta fiebre por los colores fluorescentes y lo hacen con nuevos enfoques y argumentos conceptuales. Los dos más evidentes o representativos han sido Calvin Klein y Prada, aunque también se han visto tonos neón en los desfiles de Moschino, Marni o Balenciaga.

El director creativo de Calvin Klein 205W39NYC, Raf Simons cumple su primer año en el cargo explorando el universo de la cultura norteamericana. En este caso, los tonos fluorescentes los utiliza para destacar los conceptos de “seguridad” y “protección” con prendas que hacen referencia a los chalecos reflectantes, los monos y los pasamontañas y donde se utiliza precisamente estos tonos al servicio de la moda.

Esta temporada, Prada hace una revisión del estilo sporty en clave futurista con prendas oversized inspiradas en los deportes al aire libre. Chalecos, cortavientos, gabardinas, botas de agua, sombreros de pescador en tonos flúor, flecos luminiscentes que adornan vestidos y tejidos superpuestos que crean sobre la pasarela un atrayente efecto iridiscente.

¿Y cómo se combinan los tonos flúor? Son colores que transmiten dinamismo y transgresión y se asociación con la juventud y la diversión. Este poder de atracción visual que ejercen es a su vez su mayor defecto porque de la misma forma que enganchan, repelen al instante. ¡Es fácil hartarse de ellos! La opción más arriesgada es lucirlo con prendas de estilo athleisure, en parkas, chubasqueros y cortavientos o en chaquetas de corte ochentero que rebajen la formalidad de un vestido cerrado o una falda midi con camisa. La más discreta es relejarlos a pequeños complementos o detalles como franjas laterales o cremalleras. Los colores que mejor los acompañan son el blanco y el negro junto a la gama de neutros.

En Gratacós damos la bienvenida a los tonos neón con algunos tejidos atrevidos que no pasan desapercibidos en la tienda. ¿Te acercas a verlos y tocarlos en primera persona?

jueves 09 agosto 2018

Descubriendo a Gala, más allá de Dalí

¿Quién fue, de verdad, Gala? ¿Quién fue esta mujer enigmática que no pasó desapercibida y que levantó sentimientos contradictorios entre los artistas y poetas de la época? ¿Fue musa o creadora? Nunca se había dedicado una muestra tan amplia y detallada centrada en esta figura visionaria hasta día de hoy con la nueva exposición Gala Salvador Dalí en Barcelona.

Así, el Museu Nacional d’Art de Catalunya y la Fundació Gala-Salvador Dalí se han propuesto un gran reto con esta muestra: desvelar a Gala, musa y artista, y una figura clave en el arte del siglo XX. Comisariada por Estrella de Diego, profesora de Historia del Arte (UCM), la muestra explora la vida de Gala, compañera de Salvador Dalí y antes del poeta Paul Éluard. Admirada unas veces, otras olvidada cuando no denostada, Gala es sin lugar a duda un personaje clave de las vanguardias.

Un largo recorrido

Gala (7 de septiembre de 1894 – 10 de junio de 1982), nació en el seno de una familia de intelectuales de Kazan (Rusia), y vivió su infancia en Moscú. Instalada en Suiza, conoció a Paul Éluard, con quién se trasladó a París y contactó con los miembros del movimiento surrealista, como Max Ernst.

En 1929 viajó a Cadaqués, dónde conoció a Dalí, de quién se enamoró y decidió comenzar una vida en común. Durante ocho años se exiliaron en los Estados Unidos y a la vuelta viven entre Portlligat, Nueva York y París. De hecho, Gala fue mundialmente conocida por ser la mujer de Salvador Dalí, su musa y la protagonista de algunas de sus pinturas. A partir de ahí, asistiremos a la transformación de Gala en artista de pleno derecho, ya que la pareja inició una cooperación artística, que significó la autoría compartida de algunas obras.

Admirada unas veces, otras olvidada cuando no denostada, Gala es un personaje clave de las vanguardias.

Una figura clave

Sin Gala el tablero de juego surrealista aparecería incompleto. Los cuadros de Max Ernst, las fotografías de Man Ray y Cecil Beaton y sobre todo las obras de Salvador Dalí son mucho más que retratos: conforman un recorrido autobiográfico en el que, como heroína postmoderna, Gala imaginó y creó su imagen.

Por este motivo, la muestra descubrirá una Gala que se camufla de musa mientras construye su propio camino como artista. De hecho, es innegable también seguir la evolución de Salvador Dalí como pintor para ver como ella fue esencial en el desarrollo artístico del pintor ampurdanés. En este sentido, la exposición reúne un conjunto importantísimo de sus obras, unas 60 en total, entre óleos y dibujos. También una selección de pinturas, dibujos y fotografías de otros artistas que gravitaron en el universo surrealista como Max Ernst, Picasso, Man Ray y Cecil Beaton o BrassaÏ. También se expone por primera vez un interesante conjunto de cartas, postales y libros, además de vestidos y objetos del tocador personal de Gala.

Como heroína postmoderna, Gala imaginó y creó su imagen.

En total, la muestra reúne unas 180 obras que permiten reconstruir la figura compleja y fascinante de Gala. Las obras de la exposición proceden principalmente de la Fundación Dalí, pero también hay objetos de colecciones privadas y museos internacionales que provienen de Estados Unidos, Alemania, Francia e Italia, entre otros.

La muestra Gala Salvador Dalí permanecerá abierta al público hasta el 14 de octubre.

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Crédito: Fotos cedidas por el Museu Nacional d’Art de Catalunya y la Fundació Gala-Salvador Dalí

jueves 26 julio 2018

Los tesoros de Dior al descubierto

El Museo Christian Dior en Granville, acoge una exposición especial que representa la oportunidad de ver un viaje único por el savoir faire del célebre modisto a través de sus colecciones. Así, la muestra ‘Los Tesoros de la Colección, 30 años de adquisiciones’ representa una selección de 60 vestidos de Alta Costura, accesorios, numerosos documentos de archivo, fotografías y objetos personales que pertenecieron a Christian Dior. Unos “tesoros” a través de los cuales nos permiten descubrir y disfrutar del espíritu emprendedor del modisto, su trayectoria como creador y sus secretos de visionario.

La exposición se ubica en la Villa Les Rhumbs, en el emblemático caserío rosa y gris donde Christian Dior, ese niño reservado y soñador, pasó su infancia. Un lugar de exuberante vegetación, alejado de las agitaciones de la ciudad donde el diseñador encontró en el jardín inglés sus principales fuentes de inspiración estilística que luego, transmitió en el espíritu de la Maison Dior. En 1987, la exposición “Christian Dior, el otro él mismo” organizada en el Museo de Arte Moderno Richard Anacréon condujo a la creación de un fondo Christian Dior. La idea de crear un museo en la casa donde nació el gran diseñador de moda se hizo realidad diez años después.

Entre los artículos expuestos, destacan algunos de bien curiosos como un cofre de plata donado por el Emperador de Japón, o efectos personales de Christian Dior que formaban parte de su rutina como su estrella de la suerte, su agenda, su reloj y sus tijeras. También se desvelan varios vestidos adquiridos o donados y restaurados que se exhiben por primera vez para completar las colecciones del museo. Para cerrar la exposición, los visitantes podrán admirar las reproducciones en miniatura de 30 vestidos de Alta Costura, creados especialmente para la ocasión por los talleres de Maison Dior.

Esta exposición, comisariada por Brigitte Richart -conservadora, comisaria general-, y por Gwénola Fouilleul -encargada de las colecciones-, ha contado también con la contribución de Florence Müller, asesora científica, y de Barbara Jeauffroy-Mairet, encargada de misión. De la escenografía se ha encargado la Agencia Alighieri de Simon Jaffrot y de Noémie Bourgeois. ‘Los Tesoros de la Colección, 30 años de adquisiciones’ se podrá visitar en el Museo Christian Dior hasta el 6 de enero de 2019.

jueves 19 julio 2018

Luz y color en la pasarela madrileña. SS19

Como es habitual, los tejidos Gratacós también han estado presentes en la última edición de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid en las colecciones Primavera-Verano 2019 que han presentado las mejores agujas de la moda española actual. Firmas consolidadas que confían en nosotros como Juan Duyos, Menchèn Tomás, The 2nd Skin, Malne, Moisés Nieto, Palomo Spain y también jóvenes diseñadores que se están labrando un futuro prometedor en el sector como Juan Carlos Pajares que ya está integrado en el calendario oficial de la pasarela madrileña, tras su participación en los desfiles de los talentos emergentes.

Aquí os dejamos algunos detalles de las colecciones para la próxima temporada estival, así como los tejidos y los colores que se exhibieron que más nos llamaron la atención. Destacar a grosso modo el triunfo del color, los tejidos que irradian luz, las fibras metalizadas y las lentejuelas que conquistan también los looks de calle aportando ese punto de sofisticación.

La luz de Duyos

Juan Duyos rinde homenaje a la luz en una oda a la belleza femenina que más resplandece. Es por este motivo que en la colección ‘Light’ destacan los tejidos luminosos como metalizados, paillettes, lúrex, lamé y varios hilos metálicos que consiguen captar todos los destellos -y miradas- sobre la pasarela madrileña. En contrapartida a los materiales brillantes, la propuesta se tiñe en verde hielo, lavanda, lima o melocotón que conviven con el oro y la plata.

La fuerza de las mujeres anónimas

Uno de los talentes emergentes de la moda española con más recorrido es Juan Carlos Pajares que siempre sorprende en la pasarela española. Esta vez, el diseñador madrileño ha encontrado en las amazonas su fuente de inspiración en una colección que rinde tributo a todas esas mujeres que se escondieron detrás de seudónimos e incluso tuvieron que dejar de trabajar o realizar lo que les apasionaba. En el desfile, este espíritu se transmite a través del color con una paleta que recae en rosas, verdes, azules naranjas y grises. Destacan también las mezclas de texturas, los estampados de reminiscencia oriental y la superposición de prendas urbanas realizadas en tejidos de vestir: mikados y otomanes de seda, algodones, neoprenos, crepes, paillettes o vichys con toques de lúrex.

En tierras cubanas

“Me desordeno, amor, me desordeno”, reza un poema de Carilda Oliver, una de las poetisas contemporáneas más reconocidas en Cuba que ha inspirado la nueva colección de Menchén Tomàs junto a otras artistas como Catalina Lasa y Lidia Ríos que vivieron el máximo esplendor de la sociedad cubana antes de la revolución. Es precisamente en el corazón de La Habana donde la diseñadora barcelonesa encuentra la inspiración para su desfile de primavera-verano. Una propuesta sofisticada ordenada en tres partes. La primera se inicia con el blanco puro, según la diseñadora “el color de la santería” con detalles texturizados. En la segunda parte, las prendas pasan al cuarzo, la piedra del subsuelo de la isla. En la última parte, se percibe una explosión de color para un resultado alegre y optimista.

Malne y la mujer empoderada

El dúo creativo que se esconde detrás de Malne: Paloma Álvarez y Juanjo Mánez han presentado una colección que juega con el mix & match en tejidos y estampados para las mujeres que se sienten fuertes y libres y transmiten ese espíritu de rebeldía. El animal print se alía a la perfección con toques de bailarina y los maxi volúmenes con los volantes y las plumas formando una propuesta sólida y bien construida que vertebra toda la colección. Sólo apta para las que arriesgan…

Palomo Spain

El enfant terrible de la moda española, que revoluciona el armario masculino con sus glamurosos looks, se inspira esta vez en los gabinetes de curiosidades para vestir al hombre en clave sofisticada. Así, Alejandro Gómez Palomo llena la pasarela con sus modelos exóticos en un viaje en sedas salvajes y volúmenes extravagantes, botones de carey, sofisticados conjuntos en punto de terciopelo que se coronan con lujosos sombreros-mosquitera inspirados en los exploradores del siglo XIX. Enriquece la propuesta de Palomo Spain, los kaftanes, los conjuntos de casacas y las faldas pantalón en tejidos laminados y lino para la líneas puras y tradicionales.

Una primavera a todo volumen

Juan Carlos Fernández y Antonio Burillo presentaron en ‘The Garden’ una propuesta onírica inspirada en un jardín romántico. En esta colección primaveral, The 2nd Skin se centra en los vestidos como eje principal, los maxi volúmenes, las prendas oversize y el print floral como base de esta colección evocadora con un marcado aire ochentero. En materia de tejidos, destacan los mikados, las lentejuelas bordadas -símbolo de la marca- junto a otros más ligeros como el tul o la gasa de seda.

jueves 12 julio 2018

Nuevos talentos de la moda del futuro

Las pasarelas españolas cada vez dan más protagonismo a los jóvenes diseñadores que exhiben los diseños del futuro en formato aún embrionario. Una primera muestra en público de su potencial en el ámbito de la moda. Una de las últimas muestras del talento emergente tuvo lugar en la última jornada del 080 Barcelona Fashion donde los alumnos del último curso de las escuelas IED Escuela Superior de Diseño y LCI Barcelona Escuela de Diseño y Moda, pudieron exponer sus trabajos finales ya convertidos en diseñadores.

Como ya sabéis, desde Gratacós apoyamos el diseño emergente con el mecenazgo de algunas acciones y actividades impulsadas desde las escuelas. En esta ocasión, sobre la pasarela también pudimos distinguir algunos tejidos de las actuales colecciones ya que mantenemos el respaldo de los jóvenes que también confían en nosotros para dar sus primeros pasos en el diseño de moda.

LCI Barcelona Dystopias

Bajo el título, ‘LCI Barcelona Dystopias’, desfilaron las colecciones de 40 alumnos en una puesta en escena que contó con la colaboración del prestigioso coreógrafo Marcos Morau, fundador de la compañía de danza La Veronal. Morau aportaba precisamente esa mirada al futuro no deseado, donde se dibujaba un escenario que no era mejor que nuestro presente. A pesar de esta visión escéptica, se ha querido lanzar un mensaje de esperanza a través del arte y la creatividad de la que hacen gala estos diseñadores del futuro.

Cada alumno participante presentó ocho looks diferentes con sus complementos. En la mayoría de casos eran colecciones de mujer, pero también se han visto propuestas masculinas e incluso colecciones sin género. Destaca el cuidado estilismo con diseños atrevidos y contemporáneos que contrastan con los más clásicos. Algunos alumnos también utilizaron las nuevas tecnologías como la impresión en 3D, mientras que otros se basaban en transmitir las técnicas tradicionales como el bordado.

Destacó el trabajo creativo de Laura Nuñez con ‘Project One’, ganadora de la mejor colección; ‘Come Alive’ de Emma Picanyol, ganadora del segundo premio; y Nina Fernández y Sara Iglesias, que fueron galardonadas con el tercero.

Fashioners of the World

Por su parte, el IED Barcelona Escuela Superior de Diseño presentó el desfile ‘Fashioners of the World’ con las mejores colecciones de final de carrera realizadas por los alumnos del Título Superior en Diseño de Moda y del BA (Hons) in Fashion Design.

Con una visión más global, este desfile representó el proceso creativo del recorrido de estudios de cada uno de los alumnos: desde el desarrollo del concepto a través de la investigación en imágenes, sketches, colores y estilos, hasta su aplicación en tejidos, materiales, patrones, volúmenes y complementos. Con sus colecciones, los alumnos reflejaron la complejidad del tejido social y relacional contemporáneo y la consagración del diseño como intérprete universal de las múltiples identidades globales del siglo XXI.

Desde Gratacós seguiremos de bien cerca la evolución de estos jóvenes talentos del presente, la esperanza del sector en un futuro próximo.

mircoles 04 julio 2018

Gratacós en la pasarela barcelonesa

El 080 Barcelona Fashion se despide de su edición de verano con cifras que avalan la buena salud del diseño catalán: más de 30.000 personas siguieron de cerca los 27 desfiles de firmas y diseñadores que presentaron, en su mayoría, las propuestas para la próxima temporada primavera-verano 2019. Antonio Miro se llevó el Premio Nacional de la Generalitat de Catalunya a la Mejor Colección 080; la firma emergente Mans Concept Menswear capitaneada por Jaime Álvarez el Premio al Diseño Emergente by Desigual y, por último, la empresa familiar Red Point fue distinguida con el Premio MODACC a las firmas exportadoras.

Como siempre, Gratacós siguió de cerca las últimas novedades para comprobar qué tejidos se subieron a la pasarela y como éstos se presentaron siguiendo las pautas y el estilo de cada diseñador que transformó la materia prima en sorprendentes looks de verano. Analizamos algunas propuestas:

Los 15 minutos de gloria de Xevi Fernàndez

¿Cómo te vestirías para protagonizar tus quince minutos de gloria? Con este potente argumento, Xevi Fernàndez debutó en el 080 Barcelona Fashion exhibiendo una colección festiva, íntegramente femenina, que rindió homenaje al glamour de los años 70. El diseñador ampurdanés, vinculado con el arte, se inspiró en The Factory, el referente artístico de Nueva York fundado por Andy Warhol y centro de la contracultura estadounidense. “Esta colección tiene relación con el empoderamiento de la mujer y su lucha con propuestas sólidas que desvelan su lado más sofisticado”, reconoció Fernàndez días antes del desfile una vez finalizada la deslumbrante propuesta.

Xevi Fernández: “Esta colección tiene relación con el empoderamiento de la mujer y su lucha”

Para dar visibilidad a ese glamour en vestidos, trajes dos piezas o pantalones palazzo, Xevi Fernàndez utilizó varios tejidos con motivos brillantes e iridiscentes que captaron la luz de los focos y el movimiento. Es el caso de los laminados en plata o las lentejuelas XL en rosa palo que marcaban el ritmo a su paso. “Me siento muy orgulloso de esta colección porque considero que me ha salido redonda y si fuera mujer, me lo pondría todo”, concluyó.

La segunda parte del Plan B de Bolaño

Manuel Bolaño siempre levanta expectativas en la pasarela catalana por su creatividad y puesta en escena, y más aún si hacia unas cuantas ediciones en las que se había ausentado para centrarse en el Atelier Bolaño, la colección de prendas atemporales –en su mayoría vestidos- donde el diseñador barcelonés de raíces gallegas ha centrado su labor en los últimos años.

En este esperado retorno, Bolaño exhibió el que sería la segunda parte de su reconocido ‘Plan B’ donde reunió prendas míticas del Atelier Bolaño que se caracterizan por sus volúmenes inesperados, las sensuales aberturas y el trabajo artesanal focalizado en los detalles como la riqueza de los tejidos utilizados para elaborar cada prenda. Y aquí el diseñador, como es habitual, volvió a confiar en Gratacós en su propuesta íntegramente teñida en blanco y negro como tonos neutros símbolos de esa elegancia imperecedera que Bolaño nos transmite sin abandonar evidentemente su estilo reflexivo e intimista.

La buena fortuna de Brain & Beast

Como era de esperar, Brain & Beast añadió la nota irreverente a los desfiles del 080 Barcelona Fashion. Esta vez, el equipo creativo liderado por Ángel Vilda, se inspiró en los talismanes -esos supuestos objetos que atraen la buena o la mala suerte- para centrar su colección de moda urbana y contemporánea, siempre con la ironía y el sarcasmo que caracterizan la firma barcelonesa. “No creemos en la suerte y todo lo que cosechamos es fruto del trabajo y del esfuerzo”, comentó Vilda antes del desfile.

Ángel Vilda: “No entendemos el tejido Gratacós como un tejido de fiesta, más bien para uso a diario”

Así, en la pasarela se visibilizaron temas como la muerte, el juego o la religión en una propuesta que marcó el principio del cambio en palabras del diseñador: “Es el primer desfile de un ciclo de futuras colecciones que vendrán”. En el desfile de la propuesta ‘Talisman Torsion nº1’ también se exhibieron nuestros tejidos, que Brain & Beast adoptó con sus códigos habituales. “No entendemos el tejido Gratacós como un tejido de fiesta, más bien para uso a diario”, detalló Ángel Vilda. Así los materiales coloristas y brillantes que se vieron en el 080 se adaptaron a los looks urbanos de la firma barcelonesa en una propuesta desenfadada que contó con rostros nuevos en la pasarela.

jueves 28 junio 2018

Cóctel de vitaminas

En moda y hablando en términos generales, ¿qué nos pasa con el naranja? Es atrayente a simple vista, favorece el tono de piel y enciende con su vitalidad las prendas en tonalidades neutras, avivando cualquier look de verano o invierno. Sabiendo sus puntos fuertes, ¿por qué a l@s consumidores se muestran reticentes en apostar por este color? A continuación, situamos el naranja en el sitio que se merece.

Es verdad, el naranja no es un color fácil de llevar y el exceso de estridencia, que en ocasiones conlleva los tonos más encendidos, hace que no simpatice con la mayoría. Sin embargo, son muchas las celebrities y los profesionales de la industria que han apostado por esta tonalidad en lo que llevamos de año en los street style de las principales pasarelas de moda. Y si el sector se ha rendido al radiante amarillo, el tono más difícil de todos, ¿por qué no le iba a pasar lo mismo al naranja?

El naranja es un color cálido que irradia entusiasmo, energía, alegría y frescura. Es el tono con el que se vincula la creatividad, la diversión, el triunfo y la espontaneidad. Un tono que puede ser vibrante y apagado a su vez, sin que, por ello pierda todos sus atributos. Esta temporada Primavera-Verano 2018, el color que ha predominado en la pasarela es el llamado Safety Orange, según Pantone. Un tono llamativo y brillante, que tira hacia el neón y que atrae todas las miradas. Un color irónicamente traducido como “naranja de seguridad” que contrasta con el resto y raramente pasa desapercibido, por no decir que es prácticamente imposible. Firmas como Jeremy Scott, Tom Ford, Adam Selman, Marc Jacobs o Calvin Klein no han dudado en sacarlo en escena.

¿Y cómo se combina? La primera opción y la más atrevida es llevarlo en su versión total look: de pies a cabeza con el mismo tono o variando la tonalidad hacia otras más pálidas como el melocotón: una prenda encendida con otra apagada. En este caso funciona con un vestido largo, mono o un conjunto dos piezas. La combinación más atrevida sería con el rosa fucsia o el azul Klein creando atrayentes bloques de color. La segunda opción conlleva apostar por una prenda en naranja que resulte excesiva que y que resalte todo el look. El resto por lo tanto tendrá que combinarse con tonos neutros como nudes, tierras, beiges o rosa maquillaje para que no le roben protagonismo a la prenda. Una buena idea por ejemplo sería el de apostar por una chaqueta con suaves texturas o un blazer estampado donde el naranja sea el color protagonista. El naranja también funciona muy bien con vaqueros y prendas en denim, aportando ese punto de jovialidad y desenfado a cualquier atuendo. Por último, una combinación que también funciona consiste en delegar este enérgico color en un modesto segundo plano jugando solo con los complementos como bolsos o zapatos. ¡Cualquier detalle cuenta!

En Gratacós nos gusta el naranja en cualquier temporada. Ya sea en sus versiones más encendidas en sedas, tules o gasas, o en tonos pastel en sutiles Jacquard o bordados de finas texturas. También nos gusta el estampado donde el naranja se entremezcla con otras coloraciones en forma de flores, rayas o prints de fantasía, para citar un par de ejemplos. ¡Te invitamos a qué descubras toda la selección!