Con la ponencia de Celia Vela despedimos la segunda edición del proyecto divulgativo Designers Fashion Experiences que nos ha acompañado este otoño en el espacio Gratacós. Una iniciativa que apoyamos desde su nacimiento porque combina la experiencia de los diseñadores consolidados explicada de manera didáctica ante un público formado por estudiantes y nuevos talentos que buscan encontrar una voz propia dentro de la industria de la moda.
Entrevistamos a la diseñadora de Figueres para descubrir los motivos que la han llevado a participar en el proyecto, así como otras inquietudes y experiencias en el sector. Recordad que los contenidos de la conferencia los podréis “repescar” en la web de Designers Fashion Experiences.
¿Por qué has decidido participar en el Designers Fashion Experiences?
Cualquier proyecto vinculado con los estudiantes de moda y diseño me parece necesario y muy interesante.
¿Qué te motivó a dar un “sí” definitivo?
También es verdad que en este caso me gusta especialmente la iniciativa por las firmas que la apoyan, el espacio y que se hace en Barcelona.
De tu experiencia profesional, ¿qué te ha gustado especialmente compartir con las nuevas generaciones?
No hay algo en concreto sino es la suma de toda mi experiencia que en el fondo no deja de ser como cualquier otra. No hay ninguna trayectoria que sea modélica, pero si que es verdad que puedes inspirar alguna idea o estimular para que los estudiantes sigan adelante con sus proyectos.
Y tú, ¿por qué escogiste la profesión?
A veces creo que ella me escogió a mí.
Bajo tu punto de vista, ¿cuáles son los principales obstáculos de la industria de la moda?
Como en la mayoría de industrias o sectores, estamos en el ojo del huracán de un cambio más importante y transformador de lo que supuso en su época la Revolución Industrial. Hay incertidumbre y los riesgos son muy grandes.
“Estamos en una época de profunda transformación de la industria de la moda”
Y, ¿qué me dices en ámbito local?
A toda esta época de transformación hay que añadir algunos obstáculos más como la poca simbiosis entre industriales y diseñadores, las pocas ayudas por parte de la Administración y una tendencia general a la frivolización de nuestra profesión.
Por suerte, algo está cambiando…
Sí, claro. El sector está viviendo una renovación con más talentos que nunca, la revalorización de la marca Barcelona y una tradición artesanal que aún no ha muerto del todo.
Esas podrían ser armas para la supervivencia…
Sí, hay que sobrevivir como sea.
Tras las valiosas enseñanzas de Alejandro Resta y Núria Sarda, este mes ha pasado por el espacio Gratacós una de las grandes agujas: Francis Montesinos. El popular diseñador valenciano fue el protagonista absoluto de la tercera ponencia, que organiza por segundo año la iniciativa Designers Fashion Experiences durante los meses de otoño. Con un lenguaje desenfadado, algo de humor y una nutrida cartera de anécdotas que repasan su extensa trayectoria en el sector, Montesinos supo ganarse el cariño del público (estudiantes y amantes de la moda en general) que no dudaron a anotar los consejos y aprender de los entresijos de su carrera profesional.
Repasamos algunas de las preguntas de la entrevista así como sus respuestas. Aun así, podrás ampliar la información en la web del Designers Fashion Experiences.
¿Cómo entiende la moda Francis Montesinos?
La moda es mi forma de vida. Empecé de muy pequeño, con unos 14 años empecé a saber lo que era y ya estaba curioseando para saber de qué se trataba. A los 15 empecé a crear prendas. En aquella época tenía una novia y le hacía los trajes: iba a las tiendas de tejidos, me miraba las revistas… Descubrí como se hacían las cosas como un cuello o las mangas. Sin darme cuenta aprendí la primera parte de la moda, una parte no real pero maravillosa.
Recuérdanos esos inicios después de esa primera fase y, ¿cómo estaba el sector en los años 70?
En aquella época no había nada en Valencia y en 1974 me vine a Barcelona. Tengo que añadir que todo lo que había aprendido no me sirvió de nada. Recuerdo que empecé en la zona industrial de Barcelona y allí fue donde me monté mi primer taller. Tuve mucha suerte porque viví un momento de cambio, de transición entre la Alta Costura y el prêt-a-porter y conté con el saber hacer de las patronistas. En 1984 me fui a Madrid donde empezó la movida madrileña que en verdad también estaba compuesta por diseñadores de toda España. Por último recalcar que viví el movimiento hippie en España que también influenció en mis colecciones. Por eso os digo que he tenido la suerte de vivir dos grandes cambios en la moda y aprender de ellos.
“La movida madrileña y el movimiento hippie han influenciado mis diseños”
¿Cuál es el valor y la importancia de los tejidos?
En aquella época me gustaban mucho los tejidos igual que a día de hoy. Recuerdo que iba a mercadillos a tocar los tejidos, a sentir su forma y a imaginar lo que haría con él. Era como si el tejido me dijera lo que tenía que hacer y no al revés. Por eso siempre digo lo mismo: es muy importante tocar un tejido, apreciarlo y saber lo que harás con él. Personalmente me gustan mucho los tejidos naturales y orgánicos como los algodones, las sedas, las lanas… Me parecen más auténticos.
¿Qué valores te gustaría transmitir a las nuevas generaciones?
La perseverancia. Creo que no tienes que cansarte de ti mismo, tienes que aprender a darle una vuelta a las cosas, a hacer cosas nuevas sin perder las señas de identidad que es lo más importante de tu carrera. En mi caso, los estampados con colores singulares identifican mi trabajo. En esta profesión también hay que ser rápido y paciente a la vez y es muy difícil conseguir las dos cosas simultáneamente.
Francis Montesinos habrá experimentado algún fracaso…
Sí. En todo el recorrido solo decidí cerrar una vez por culpa de un error del pasado en el registro de la marca que me endeudó económicamente y perjudicó mi creatividad, pero luego afortunadamente vi que era un despropósito y decidí luchar. Me dije a mi mismo que esto lo levantaba yo como me llamo Francis y así fue.
“Es muy importante tocar un tejido, apreciarlo y saber lo que harás con él”
¿Cuáles son las claves para triunfar en cada desfile? Es el trabajo de un equipo que se expone en tan solo unos minutos…
Soy de los pocos que lo hago todo. Quiero decir que no dejo que nadie me ponga la música, las luces, los estilismos… Ahora ya no me pongo tan nervioso como antes porque tengo un equipo de jóvenes que saben hacer de todo.
¿Cuál es la importancia de interpretar un diseño? El trabajo de las patronistas y costureras…
Me acuerdo de la Sra. Concha, que era la jefa del taller, tuvo la santísima paciencia de hacerme ver lo importante que era su profesión ya que yo le daba más importancia al diseño que a su realización. De esto extraje una valiosa lección: el día que encuentres a una patronista, trátala con amor porque vale oro.
¿Cómo lidias con el ego?
Yo nunca he pensado en ser famoso. Nunca en mi vida. Siempre he pensado que me gusta esta profesión y que quiero aprender de ella cada día. Disfruto con mi profesión y punto.
¿Cuál es tu mejor diseño?
El mejor diseño que he hecho es el que todavía no he hecho porque una vez que he confeccionado un diseño ya no me gusta. Me refiero a que una vez lo he creado ha perdido el misterio. Me apasiona hacer algo nuevo.
“Yo nunca he pensado en ser famoso”
¿A quién te gustaría vestir?
Ya lo he dicho en alguna ocasión que a mí me gusta más desnudar que vestir –se ríe-. Creo que entre la firma y la clienta tiene que existir una comunión. Si no le gustas no te va a lucir el vestido, eso es evidente.
Y por último, háblanos del negocio. ¿Cómo salir adelante?
El negocio del textil siempre ha sido muy problemático y el “trapo” es lo que menos dinero te da. Hay otros aspectos que son más rentables como por ejemplo diseñar unas gafas, un móvil… Tienes que procurar hacer el saco grande granito a granito.
La semana pasada tuvimos el placer de contar en el aula Gratacós con Núria Sardà, diseñadora de la firma de ropa interior femenina, Andres Sarda. Nuria ha recogido el legado de su padre para mantener la esencia de la marca, aquella que combina sofisticación, elegancia y feminidad con prendas de lencería de tejidos suaves, formas ligeras y colores fascinantes que embellecen el cuerpo de cada mujer. En el marco de las ponencias Designers Fashion Experiences Nuria ha explicado a los presentes las claves del éxito que pasan también por la adaptación y evolución de la marca a las nuevas exigencias del mercado dejando valiosos consejos.
Entrevistamos a Núria Sardà para conocer algunas de sus inquietudes. Recuerda que puedes recuperar la conversación que mantuvo la semana pasada en la web del Designers Fashion Experiences.
¿Por qué has participado en la iniciativa Designers Fashion Experiences?
Me gusta apoyar en lo posible la nueva hornada de diseñadores y estas ponencias me parecen un buen motivo para poder hacerlo. Además, la organización me ha dado mucha confianza.
Andres Sarda cuenta con una extensa trayectoria profesional que une generaciones de una misma familia. ¿Qué puedes explicar desde tu propia experiencia?
Cada persona vive su propia experiencia y siempre va bien conocerla de primera mano. En esta jornada me he centrado en las oportunidades y también en algunos obstáculos que he tenido en mi carrera.
Tu pasión por el diseño entiendo que es heredada…
No creas, nunca pensé en dedicarme al mundo del diseño. Nunca escogí esta profesión, sino que la vida me llevó a escogerla.
“Nunca escogí esta profesión, sino que la vida me llevó a escogerla”
Si pudieras retroceder en el tiempo, ¿volverías a dedicarte al diseño?
Sí, es un trabajo muy estresante, divertido y cambiante. Te permite conocer gente interesante y recorrer mundo. Mi día a día no es rutinario y me permite expresar toda mi creatividad. También es verdad que es un mundo donde estás muy expuesto y las creaciones son juzgadas severamente por la empresa, los comerciales y por último, los clientes. En este sentido si todo va bien es fantástico, sino se sufre también porque en cada colección le pones cabeza, corazón y alma. ¡Y son muchas horas de trabajo!
¿Qué obstáculos se encuentra la industria de la moda?
Más que obstáculos yo lo llamaría circunstancias. La oferta, la distribución, los clientes y sus motivaciones. En este sector todo cambia de forma muy rápida. Las empresas nos tenemos que adaptar a los cambios y avanzarnos a los movimientos del mercado.
“En cada colección le pones cabeza, corazón y alma”
La adaptación entonces es una herramienta que garantiza la supervivencia. ¿Cuáles más destacas?
Bajo mi punto de vista tener personalidad propia en las creaciones, la calidad y la fiabilidad en el producto y la empresa. Esto se tiene que unir a la adaptación y evolución de las necesidades del mercado que he dicho anteriormente.
¿Qué recomiendas a los futuros diseñadores?
Que hagan lo que hagan su trabajo siempre sea original y que aporte alguna novedad. Que sigan su instinto y que nunca se den por satisfechos.
“Siempre tenemos que buscar la excelencia en todo lo que hacemos”
Consejos que podrían ser un buen leitmotiv…
Sí, siempre tenemos que buscar la excelencia en todo lo que hacemos.
Jueves 21 septiembre 2017
Alejandro Resta fue el primero en estrenar la segunda edición del proyecto Designers Fashion Experiences, una iniciativa didáctica y divulgativa que cuenta con nuestro apoyo y que se desarrolla dentro de la tienda una vez cada mes hasta finales de año. El diseñador valenciano de espíritu independiente y que diseña para una mujer sofisticada, supo ganarse al público con su trayectoria, experiencias y anécdotas explicadas en clave de humor, convirtiendo su intervención en una apasionante lección de vida para los jóvenes estudiantes de diseño. La verdad, fue ¡un éxito sin precedentes!
Entrevistamos a Alejandro Resta para conocer más de cerca sus inquietudes, más allá de las interesantes conversaciones que tuvo en el Designers Fashion Experiences y que puedes recuperar en su web.
¿Qué te ha seducido de las conferencias Designers Fashion Experiences?
Desde el principio me parecieron una buena iniciativa. Los profesionales que aman esta industria conocen de cerca todo el esfuerzo y sacrificio que conlleva esta profesión. También me parece interesante que los estudiantes tengan otros puntos de vista y que provengan de diseñadores que hace años que vivimos de este trabajo.
Supongo que es motivador poder enseñar desde la experiencia…
Totalmente. Yo mismo recuerdo que cuando estudiaba me sirvió de mucho conocer de cerca las vivencias de otros diseñadores y una vez dentro del sector, comprobar que todo lo que habían pasado no era siempre tan fácil como te lo suelen contar. Esto me ha servido para evitar posibles errores.
De esas vivencias personales, ¿qué consejo principal les darías a los principiantes?
Más allá de mis experiencias aconsejo a los estudiantes que se pongan a trabajar de inmediato en la industria de la moda porque hay una competencia atroz.
“Hay que ponerse a trabajar de inmediato porque existe una competencia atroz”
Bajo tu punto de vista, ¿cuáles crees que son los puntos débiles del sector?
Es una industria con mucha competencia donde destacan unos pocos. Las ayudas económicas son insuficientes y se hace muy difícil ser emprendedor y empresario de moda a la vez y saber gestionar con eficiencia estas dos facetas. La moda es un mundo maravilloso que te lo da todo, aunque exija mucho sacrificio a cambio.
¿Crees que la marca “made in Spain” o “made in BCN” son fuertes?
En España si que hay sentimiento de marca, pero veo que en el “pódium” de los diseñadores siempre hay los mismos y es muy difícil acceder a este techo que ya ocupan los consagrados. En Cataluña lo percibo como algo diferente. Me da la sensación de que hay un mayor apoyo a la formación y promoción de los jóvenes diseñadores con plataformas pensadas para proyectarlos más allá del 080 Barcelona Fashion. Para mi Barcelona es la ciudad plataforma de la industria de la moda española.
“Barcelona es la ciudad plataforma de la industria de la moda española”
A título personal, ¿qué te motivó a escoger la profesión? ¿O fue la profesión que te escogió a ti?
Amo esta profesión desde que tengo consciencia. Recuerdo que cuando estaba en parvulario ya dibujaba en las mesas siluetas de mujeres. A la escuela de Bellas Artes a la Venus de Milo le hacía vestidos. La verdad es que es el sueño de mi vida y actualmente me siento muy afortunado porque trabajo en lo que siempre he soñado.
El diseñador es también un artista…
Nosotros creamos arte, lo plasmamos en tejidos, en patrones, en siluetas y en diseños. El arte y la creatividad son dos grandes valores que no se pueden menospreciar. El arte no tiene fronteras.
“Nosotros creamos arte y lo plasmamos en diseños”
La creatividad como arma de supervivencia…
Si, aunque hay que combinarla con el espíritu de superación, la lucha y la constancia. Hay que saber aprovechar las oportunidades y saber arriesgarse. Todo puede pasar si te marcas unos objetivos.
Creo que no te queda nada en el tintero. Los jóvenes ya han tomado nota…
Un último consejo: que nunca tiren la toalla. Hay que luchar por lo que uno quiere, por lo que uno cree y no es fácil de conseguirlo. Hay que saber crear en cualquier sitio y momento y no desanimarse con facilidad. El objetivo es perseguir esos sueños y hacerlos posible.
¡Ese sería un buen leitmotiv!
¡Y tengo más! Apunta, apunta. ‘Si me caigo, me tengo que levantar enseguida, sin perder el tiempo’. ‘Se constante y mira el futuro’. ‘Lucha por tus sueños sin fronteras’ y, por último, ‘Quiero expandir mi arte por todo el mundo’.
“Lucha por tus sueños sin fronteras”
Jueves 14 septiembre 2017
Después de Nueva York y Londres le toca el turno a Madrid en el mes por excelencia de las pasarelas de moda. La Mercedes-Benz Fashion Week Madrid recoge a partir de hoy hasta el 19 de septiembre, el universo creativo del diseño español en la 66ª edición que se celebrará en el pabellón 14.1 IFEMA-Feria de Madrid, así como otros lugares de la capital española.
En esta edición, la pasarela reúne las propuestas de 47 creadores y marcas que presentarán las novedades para la próxima temporada: Primavera-Verano 2018. Como novedades, se incorporan al programa la firma reivindicativa Palomo Spain, García Madrid, Isabel Nuñez, Maria Clé, ManeMané, Pepa Salazar, Chromosome Residence y Juan Carlos Pajares. Este último, asiduo a nuestros tejidos, acostumbra a hacernos guiños en los diseños que presenta en la pasarela. Veremos con que nos deleitará esta vez…
 |
 |
Entre los diseñadores habituales que cada año forman parte del calendario, Gratacós también quiere hacer una mención especial a Teresa Helbig que presentará la colección ‘Rien ne va plus’ con tres tejidos clave: el pitón, la cota de malla y la piel de angula en una propuesta inspirada en el glamur de un casino de lujo. Por su parte, The 2nd Skin Co presentará una colección que reúne y simboliza el décimo aniversario de la marca a través de los tejidos, los patrones, las siluetas y los colores de la reconocida firma madrileña que ensalza la eterna feminidad de la mujer. Por último, también desfilará Menchén Tomàs. La firma de la diseñadora Olga Menchén debutó el año pasado en la pasarela de Madrid y repetirá experiencia con una nueva colección femenina y actual.
 |
 |
Más allá del calendario de desfiles, nos gustaría destacar de la MBFWMadrid la programación OFF donde se desarrollarán otras manifestaciones de moda. Algunas ya han tenido lugar como las presentaciones de Duarte Madrid, Miguel Marinero, Pilar Dalbat y Moisés Nieto al que año tras año agradecemos su confianza. El 16 de septiembre tendrá lugar el desfile de JCPajares y el 21 de septiembre, las presentaciones de Euphemio Fernández y The Stoat.
Por último, una cita que nos gusta seguir de cerca: la pasarela del diseño emergente de Samsung EGO que es un elemento clave para visibilizar el talento de las nuevas generaciones. Ya sabéis que nos gusta apoyar a los que empiezan. ¡No nos perderemos ningún detalle!
Olga Menchén lidera la firma Menchén Tomàs desde 1995 diseñando, produciendo y confeccionando sus propias colecciones de moda “que visten las 24 horas de la mujer”. La firma afronta un año lleno de novedades con el lanzamiento de su tienda online que le permitirá llegar al mercado internacional y presentando sus colecciones en la pasarela madrileña, una cita con la moda que constituye según la creadora, “el mejor escaparate de promoción del diseño español”. Hablamos de retos y oportunidades en un año que se percibe esperanzador…
¿Qué tal tu experiencia en la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid? Había nervios previos, pero finalmente, salió muy bien…
Nervios siempre hay antes de un desfile, pero en este caso, había la presión añadida de alguien que debuta en una nueva pasarela. El resultado de la experiencia ha sido revelador y te lo resumo en esta frase… ¿por qué no lo he hecho antes?
¿Por qué decidiste apostar por la pasarela madrileña?
Especialmente por la repercusión mediática de los desfiles.
“En Madrid hay más repercusión mediática de los desfiles”
¿Qué te descontentó del 080 Barcelona Fashion? ¿Por qué?
La decisión no fue fácil y me entristece no desfilar en Barcelona, pero aquí no hay una repercusión real de los desfiles y el trabajo creativo de los diseñadores queda en segundo plano. Personalmente no estoy de acuerdo con la política de promocionar al famoso de turno y a las celebridades que vienen en los desfiles con una cobertura desmesurada que eclipsa todo el resto. No me parece lógico.
Este circo que se organiza alrededor de los desfiles hace que se perciba la moda como algo frívolo… ¿Qué opinas?
¡Y eso que la moda no es frívola! La moda es el engranaje que hay “en el backstage”: las personas que trabajan en ella para tirar hacia delante una colección, los que ponen su pasión en el oficio y es esa creatividad y talento que sostiene una empresa. ¡Para nada es frívola!
“La moda es la creatividad y el talento que sostiene una empresa”
Llevas desde 1995 en el oficio. ¿Cómo valoras esta experiencia?
Lo valoro como una pasión absoluta hacia mi trabajo. Una pasión por el oficio y sin lugar a dudas si retrocediera en el tiempo volvería a dedicarme a lo mismo. ¡No tengo ni la más mínima duda!
¿Cómo ha evolucionado Menchén Tomàs?
En estos 22 años Menchén Tomàs ha experimentado muchos cambios. Los que más he notado han estado relacionados con la forma en que la industria crea unas necesidades a corto plazo y en la manera que afectan a los consumidores. Antes, las personas se compraban un traje de diseño y le daban un valor. Actualmente, el low cost con sus políticas de consumo desmesurado ha matado este concepto y la ropa parece que ha dejado de tener valor.
“Antes las personas compraban un traje de diseño y le daban un valor”
¿Cuál es la clave para organizar cada temporada colecciones propias de prêt-à-porter, fiesta y novia? ¿Cómo no perderse con tantas producciones distintas?
Menchén Tomàs empezó especializándose con novias y poco a poco fuimos ampliando el concepto para vestir a la mujer por la mañana y por la noche. De aquí salieron las colecciones para el día a día y también la ropa para las celebraciones. Cada área tiene un tipo de clientela diferente y lo podemos gestionar y mantener todo sin perder la esencia de la firma.
¿Cuántas personas trabajan actualmente en el equipo de la firma y cuáles son ahora tus roles?
Todo el mundo es profesional y cada uno tiene su trabajo específico. Las patronistas, el equipo de comercialización, el de diseño, los cortadores que trabajan fuera… y tengo también un feedback diario con el equipo de ventas con los responsables de las tiendas que hay por toda España para saber qué es lo que se vende mejor o peor y conocer las necesidades de los consumidores.
¿Qué obstáculos te encuentras en el sector que quizás no te encontrabas antes? Cada día debe ser una experiencia de supervivencia…
Sí… Nosotros hemos sobrevivido a todo: ciclos económicos, crisis del sector, altibajos… No es fácil, pero aquí seguimos.
¿Cuál es tu vinculación con Gratacós?
Trabajamos en paralelo desde nuestros inicios. Siempre hemos estado trabajando muy cerca y cada temporada me aguarda sorpresas.
¿Por qué son merecedores de tu confianza?
A mí no me han fallado nunca.
“Gratacós no me ha fallado nunca”
¿Qué tejidos acostumbras a demandar?
Establecemos una especie de juego. Cada temporada me dicen que tienen una sorpresa para mí y después de mostrarme algunos tejidos pregunto: “¿Dónde está mi sorpresa? Es entonces cuando me enseñan todas las muestras que me encantan y les digo que me los guarden para mí -sonríe-.
¿Qué otros retos te planteas para este 2017?
De momento acabamos de proyectar nuestra tienda online y es nuestra tienda a todo el mundo. Veíamos una demanda de prendas que venían de otros países y ahora los podremos abastecer. Luego, tengo dos proyectos en mente, pero no te los voy a contar hasta que se hagan. ¡Prefiero mantener el secreto!
Cuestionario Gratacós
Tu prenda imprescindible… Un tejano y una camisa blanca
Un tejido fetiche… El algodón
Un color al que nunca renunciáis… El rojo
El diseñador que admiráis… Azzedine Alaïa
Una regla infalible de estilo… Que tu lleves la ropa, no que la ropa te lleve a ti
Tu espacio preferido en Barcelona… El Jardín del Taxi, cerca de la Riera de San Miquel
Un consejo para los diseñadores que empiezan… Persigue tus sueños
Vuestro ‘leit motiv’… Walk with me
ImmaClé es el alter ego en diseño de Imma Rodríguez Clemente, un sello de autor que cumple 25 años de trayectoria al frente del heterogéneo sector nupcial. La firma cuenta una historia de amor por la moda materializado en tejidos delicados, aires vintage y algo de romanticismo, sin resultar ñoño. Una expresión del Mar Mediterráneo para novias femeninas, espontáneas y eclécticas que simpatizan con el universo onírico que propone ImmaClé.
¿Por qué decidiste enfocar tu carrera profesional al sector nupcial?
Todo empezó cuando estaba estudiando diseño y en el segundo año de carrera mi hermana se iba a casar. Ella no quería un vestido de novia clásica y me pidió que le hiciera un diseño según sus gustos porque no encontraba nada que le gustara. El vestido resultó un éxito. A partir de aquí, mis amigas empezaron a pedirme nuevos diseños y a mí me llamó la atención porque no estaba vendiendo vestidos, sino que vendía ilusiones. Fue en este momento que decidí enfocarme en el sector nupcial.
“No estaba vendiendo vestidos, vendía ilusiones”
Tu pasión entonces ha sido circunstancial…
Supongo que también algo heredada. Mi madre era modista y tengo muchos antecedentes familiares que se dedicaban al mundo de la costura ya que cosían vestidos para gente de la alta sociedad.
¿Por qué decidiste poner tu nombre a la marca?
Cuando salí de la escuela empecé con la marca Imma Rodríguez Clemente y ya tenía una cartera fija de clientas. Fue a raíz de un comentario de una de ellas que no acababa de ver el nombre de la marca decidí ajustarlo sin perder la esencia y de ahí vino Immaclé porque era lo que quería transmitir.
Cumples las bodas de plata al frente de la firma, ¿qué te quedas de esta experiencia?
Me llevo la satisfacción de trabajar en lo que me gusta.
Entonces está claro, si pudieras retroceder en el tiempo volverías a estudiar diseño…
Sí lo volvería a hacer sin duda. La dinámica de trabajo en todos estos años ha cambiado. Antes hacía todo el proceso creativo y de producción yo sola: diseñaba, cortaba los patrones, montaba las prendas… Ahora me nutro de un equipo y nos distribuimos el trabajo de tal forma que yo me puedo centrar en el diseño y estar pendiente de la distribución, de la asistencia a ferias, de las tendencias… La marca, poco a poco se va abriendo a nuevos mercados para que toda novia pueda tener un “Immaclé”.
¿Cómo se forja la identidad de marca en el sector nupcial? ¿Cómo es la novia Immaclé?
La novia de hoy en día quiere sentirse identificada con el vestido que lleva y mira que el diseño pueda ser versátil. No le gustan las prendas rígidas ni muy clásicas y prefiere los tejidos naturales que faciliten el movimiento. Mi estilo es más boho-chic con toques vintage y doy mucho protagonismo a los detalles de la espalda.
¿Qué veremos en la actual colección de novias?
Muchísimos tejidos variados como el tul, el crepé, los bordados, las flores de colores en texturas diferentes, el chantilly, mucho croché que me encanta… En general diseño vestidos atemporales que se rigen por el estilo, no las tendencias. Eso no quiere decir que le dé la espalda. Por ejemplo, en la colección ‘Tanger’ hay mangas con volantes que son una tendencia actual pero la adaptamos a la identidad de la marca para que queden elegantes. En cuanto al color sigo apostando por el blanco roto y por todas las tonalidades nude.
“Diseño vestidos que se rigen por el estilo, no las tendencias”
¿Cómo te ha ido la colección ‘Boudoir’ de prendas íntimas?
La impulsé hace unos años para hacer algo diferente y complementar la oferta nupcial diseñando ropa interior para las novias. Me fue bien en su momento, pero ahora he decidido volver a centrarme sólo en el diseño de vestidos. Lo tengo por ahora como un complemento por si me lo pide alguna clienta.
¿Cuál es tu vinculación con Gratacós?
Desde siempre me ha encantado la tienda, su equipo, su selección y en calidad de tejidos es la mejor.
¿Qué tipo de tejidos escoges de la tienda para hacer tus colecciones?
Muchos de los que te he citado anteriormente porque los consumo habitualmente en cada colección.
“En calidad de tejidos, Gratacós es la mejor”
¿Cuáles son los retos que te planteas este año?
A mí no me gusta ir a grandes ferias a exponer mi firma porque creo que conecta en entornos más íntimos. Ahora me planteo buscar nuevos puntos de venta en sitios donde tenga contacto directo con mis clientas. Una acción que me gusta es las fashion trucks, ir con las colecciones y prendas en caravana hacia los destinos que me voy marcando ya sea Milán, Madrid, Asturias, Burgos o Zaragoza… Hay clientas potenciales en muchos sitios.
Cuestionario Gratacós
Tu prenda imprescindible… El vestido
Un tejido fetiche... El croché
El color al cual no renunciarías… El blanco roto tirando a nude
Un diseñador que admires… Josep Font
Una regla infalible de estilo… El vestido te tiene que representar. No te tienes que sentir disfrazada
Un espacio preferido en Barcelona… El barrio del Born
Un consejo para que los que empiezan… El camino no es fácil y tienen que ser perseverantes
Tu ‘leiv motif’... Gracias por escoger un ImmaClé, novias con amor.
Paula Boadas y Jessica Raya son el alma máter de SSIC and Paul, una firma fundada en 2012 que combina creatividad con funcionalidad a través de prendas de inspiración nórdica que no pierden la esencia mediterránea. La marca aboga por un diseño racional de líneas minimalistas en el que se priorizan las formas y los materiales, bajo el sello ‘made in Barcelona’. Artesanía y producción de proximidad en una firma que aboga por el lujo discreto.
¿Recordáis cómo surgió el proyecto?
Paula: ¡Sí, claro! – sonríe-. Fue en nuestra época de estudiantes de diseño en Felicidad Duce. Allí nos conocimos, congeniamos y empezamos a gestar un proyecto juntas.
Jessica: La verdad es que lo teníamos bastante claro que nos queríamos dedicar a esto y formar la marca.
De hecho, SSIC and Paul es una abreviatura de vuestros nombres…
Paula: ¡Exacto! El nombre de la marca parece difícil de recordar, pero son nuestras siglas abreviadas. ¡No nos complicamos más en buscar otros!
¿Qué os aportáis la una con la otra? ¿Cómo os estructuráis?
Jessica: En realidad las dos hacemos de todo y nos complementamos muy bien en cuanto a ideas de las colecciones. En el fondo es práctico que seamos dos, porque lo que no piensa una lo piensa la otra.
Paula: La verdad es que la clave de nuestro éxito también es que hayamos tenido esa empatía y ese mimetismo juntas desde el principio. Son 10 años juntas, 5 de ellos con la marca que no es poco. Ahora que tenemos más concepción empresarial nos repartimos las tareas del diseño y luego nos dividimos el trabajo para hacerlo todo.
“Es práctico que seamos dos porque lo que no piensa una, lo piensa la otra”
Precisamente, esto os quería preguntar. ¿Cuándo cambiasteis el chip hacia una orientación más empresarial de vuestra firma?
Paula: Precisamente en el momento que vimos que no era un juego y que queríamos dedicarnos a ello. Cuadramos las producciones para que salgan las cuentas y nos adaptamos siempre al mercado.
Jessica: Sí, cuando empiezas a tener tiendas vas viendo lo que gusta o no y lo que se vende o no se vende.
¿Cómo encontrar el punto justo entre lo comercial y lo creativo?
Paula: Es evidente que tienes que tocar de pies en el suelo, pero sin perder el diseño, la calidad ni la creatividad. Lo único que hacemos es hacer unas prendas más comerciales y otras más de imagen.
Jessica: Es la parte más difícil sin duda porque tienes que formar tu propia identidad teniendo en cuenta que lo que haces sea vendible.
En vuestro caso, la identidad es alma del norte, esencia mediterránea, ¿no?
Jessica: Sí, tenemos un estilo minimalista, más contemporáneo, más acorde con el diseño nórdico, pero lo adaptamos a nuestra sociedad. Nos gusta que nuestra marca se vincule con el alma nórdica del Mediterráneo.
Paula: También nos consideramos una marca ‘made in BCN’ porque lo hacemos todo en talleres de aquí.
“Tienes que tocar de pies en el suelo, pero sin perder el diseño ni la creatividad”
Hace dos años, inaugurasteis vuestra tienda propia en el barrio de Sant Gervasi. ¿Cuántos puntos más de comercialización tenéis?
Paula: Sí y luego tenemos unos 15 puntos de venta multimarca nacionales y estamos creciendo a nivel internacional.
¿A sí? ¿En qué países?
Jessica: Italia, Bélgica, Estados Unidos y ahora México. También depende de la colección.
¿Cuál es vuestra vinculación con Gratacós?
Jessica: Siempre hemos visto la tienda como un referente en Barcelona. Nos encanta especialmente porque más allá de la calidad, vende tejidos diferentes que se salen un poco de lo que ya tienes en el mercado.
Paula: Sí, sobretodo la calidad y se nota en los tejidos y sus texturas. Nos gusta comprar en Gratacós los tejidos de las colecciones de fiesta, lucen espectaculares.
“Gratacós vende tejidos diferentes que se salen de lo que ya tienes en el mercado”
¿Qué retos os marcáis para este 2017?
Paula: Expansión total al extranjero. Ahora nos estamos centrando en las ferias para conseguir más clientes internacionales. La vista está puesta hacia fuera.
Cuestionario Gratacós
Tu prenda imprescindible… La túnica
Un tejido fetiche… La seda
El color al cual no renunciarías… El marfil
Una regla infalible de estilo… Las capas y superposiciones
Un espacio preferido en Barcelona… Gratacós
Un consejo para que los que empiezan… Que sean perseverantes
Tu ‘leiv motif’… Alma nórdica del Mediterráneo
La primera edición de la iniciativa Designers Fashion Experiences llega a su fin dejando un buen sabor de boca entre la organización y los participantes de las jornadas con experiencias enriquecedoras que han servido para profundizar en la trayectoria y en las vivencias personales de los diseñadores. “Este formato ha ayudado a comprender como son las entrañas de las firmas a través de situaciones positivas de expansión e innovación y otras negativas que les han hecho fuertes”, ha valorado David Boix director de la iniciativa. Un estímulo para los jóvenes que empiezan y para las empresas como Gratacós que nos vinculamos de forma activa con esta talentosa industria.
Las jornadas del Designers Fashion Experiences se han desarrollado durante el pasado otoño en Casa Gracia (Passeig de Gràcia, 116) a través de 6 ponencias inspiradoras a cargo de Dolores Cortés, Llamazares y de Delgado, Miquel Suay, Jordi Dalmau, Oscarleon y Txell Miras.
Aquí os hacemos un resumen de cada jornada:
1. Dolores Cortés
La firma española de moda de baño expuso diferentes puntos de vista de la industria de la moda, repasó la trayectoria familiar desde sus inicios hasta la actualidad y detalló algunos conceptos vinculados con el diseño de las colecciones. Hay una premisa que Dolores Cortés dejó bien clara a los asistentes: hay que ser fiel a los valores de la marca. En este caso, la firma se vincula con la lealtad, la honestidad y la familia, siempre teniendo en cuenta la adaptabilidad a los nuevos tiempos.
2. Llamazares y de Delgado
Fabricio Pérez y Jaime Martínez son los diseñadores de Llamazares y de Delgado , una firma afincada en Barcelona que sobrevive a las continuos altos y bajos del sector con tenacidad. Las claves de la supervivencia pasan por la conciencia, la auto crítica, la financiación y las relaciones con los proveedores sin perder de vista el criterio de proximidad en todos los procesos: diseño, confección, promoción y venta.
3. Miquel Suay
El diseñador valenciano se centró especialmente en el proceso creativo y en cómo encuentra la inspiración en sus colecciones añadiendo valiosos consejos sobre cómo plasmar una idea y donde recoger e investigar para superarse a diario como profesional del diseño. La creatividad nunca va sola para triunfar en el sector sino que siempre va acompañada por la gestión del negocio aplicando estrategias de mercado.
4. Jordi Dalmau
El diseñador de moda nupcial explicó a los asistentes el motivo de sus inicios como marca, el apoyo familiar creando una unión artística, los limites que continuamente traspasa para seguir innovando en el mercado de la novia e hizo hincapié en la singularidad de cada diseño como símbolo de identidad. Nos quedamos con un consejo que marcó a los estudiantes: “Dejar de luchar es abandonar”. El sin duda no tira la toalla.
5. Oscarleon
Licenciado en diseño, patronaje, estilismo y asesoría de imagen, el diseñador creó su primera colección en 1996 y desde entonces no ha dejado de trabajar para su propia marca, una actividad que compagina con el diseño de colecciones para otras empresas. En la sesión, el diseñador aprovechó para conversar con los asistentes sobre sus inicios haciendo referencia a la transformación de tejidos, la financiación y el equilibrio entre la creación y la producción.
6. Txell Miras
La diseñadora de Sabadell fundó su marca propia en 2004 y en este tiempo ha logrado crear un sello conceptual en sus colecciones. Txell Miras conversó con los estudiantes sobre su experiencia con Neil Barret con el que estuvo trabajando durante 13 años, sus inicios en el negocio y los obstáculos que ha ido sorteando para sobrevivir en el complejo mercado del sello de autor. Un último consejo: “Estudiar al extranjero o trabajar para seguir aprendiendo para sacar lo mejor de cada experiencia”. Lo dice con conocimiento de causa.
Designers Fashion Experiences ha confirmado una segunda edición para este 2017 y desde Gratacós tienen todo nuestro apoyo. ¡Un placer respaldar iniciativas como ésta!
Mordaz, transgresor y visceral. Desde 2010, Ángel Vilda canaliza su ironía en Brain & Beast, su alter ego en el diseño. Una original firma llena actitud, mezclas imposibles y altas dosis de descaro. Prendas que plantean juegos visuales, líneas estructuradas, colores chillones e iconografía que bebe de la cultura contemporánea con altas dosis de humor. Si es kitsch, mejor. El diseñador barcelonés nos visita para adquirir los tejidos de la nueva colección que presentará en enero en la pasarela 080 Barcelona Fashion. Aprovechamos para desgranar algunos detalles…
¿Qué preparas para la nueva colección de invierno 2017? ¿Qué tejidos has elegido?
En esta ocasión, he elegido lo más moderno y lo más antiguo de Gratacós. La mayor selección de tejidos han sido más por cuestiones de colorido y estampados porque la colección se inspirará en el concepto del ‘Play Back’ y en la moda de finales de los 70. Quiero hacer una representación de lo que tendría que ser pero no es. Una especie de realidad virtual.
“He elegido los tejidos más modernos y también los más antiguos de Gratacós”
¿Qué patrones te imaginas?
Una mezcla absoluta. Desde patrones tradicionales japoneses, patrones de trajes tradicionales, prendas tipo pijama con batas de ir por casa, prendas deportivas… Todo junto y sin sentido. Una de las premisas básicas de la nueva colección será sí porque sí.
Muy Brain & Beast…
¡Eso siempre! Esta propuesta también está inspirada en iconos de la época como la cantante Nico con ‘The Velvet Underground’, películas como ‘El Hombre Invisible’, los inicios de David Lynch… Habrá referencias a lo onírico con lo cual no se sabrá si se trata de un sueño o de una pesadilla. Lo más novedoso de esta colección será que no se va a producir a nivel industrial.
¿Por qué?
Porque he decidido que a partir de ahora trabajaré por encargo y ya no venderé más en tiendas – en los puntos de venta habituales-.
¿A qué se debe este cambio de dirección?
Quiero dedicar más tiempo a cuidar cada prenda para que sea única y especial. Todo estará hecho a mano: los estampados, los bordados… porque quiero que el comprador note el trabajo artesanal de una prenda por encargo.
“Quiero dedicar más tiempo a cuidar cada prenda para que sea única”
Exclusividad, personalización… las tendencias en marketing van en esta dirección.
Si pero en este caso yo lo hago porque me da la gana, porque me apetece.
¿Cómo valoras esta etapa en solitario como único diseñador de la marca?
Muy bien. Brain & Beast está vendiendo más que nunca. La marca empezó como una reunión de amigos donde nos divertíamos diseñando pero con el tiempo cada uno ha tenido sus propios intereses y ahora es diferente.
¿Cómo te defines como diseñador?
Pues como diseñador y ya está. No me gusta cuando a veces los diseñadores se consideran algo importante como médicos o científicos. Nosotros hacemos ropa y punto, y si a alguien no le gusta pues que no la compre. Así de sencillo.
“Nosotros hacemos ropa y punto y si a alguien no le gusta que no la compre”
Se trata de no endiosar el trabajo creativo…
Exactamente. También me hace gracia el concepto de director creativo para referirse al diseñador. Últimamente de todo encontramos nuevas palabras. Además no hay para tanto porque si analizas el panorama en España considero que no hay marcas de diseño lo suficientemente potentes a nivel internacional. Somos un collage de mini marquitas. Brain & Beast es consciente de sus limitaciones y sinceramente, me da igual.
¿Seguro?
Estoy contento que Brain & Beast sea una hormiga dentro del sector. Mi aspiración es levantarme por las mañanas para hacer lo que me gusta y vivir de ello.Me parto de la risa cuando hay marcas que presumen de vender en Japón cuando es muy fácil vender allí. Vamos es que si no vendes en este país es que eres muy malo. En todo caso, me refiero que en la industria de la moda hay muchos aspectos de apariencia. También me dan risa esos reportajes que se hacen anunciando jóvenes promesas del diseño. Nadie va a llegar nunca a nada.
“Estoy contento que Brain & Beast sea una hormiga dentro del sector”
Una visión muy pesimista…
Para nada. En España no hay mercado para el diseño, no hay puntos de venta donde se comercialice, se están cargando las tiendas multimarca a favor de las cadenas de ropa barata… O te espabilas o te vas a otro país.
Precisamente hace unos años, la gurú Diane Pernet visitó Barcelona y se quedó prendada de vuestros diseños. ¿Cómo lo hiciste?
Yo creo que la clave es ser muy pesado -se ríe- y también es verdad que llevo mucho tiempo en el mundo del diseño. Independientemente de sí hay talento o no, creo que lo importante es la perseverancia. Otro punto clave de Brain & Beast es que ha sido una marca 100% independiente. Nunca nos ha pagado un duro: ni ayudas, ni subvenciones, ni socios capitalistas… Cuando hemos triunfado en una colección se han comprado los tejidos en Gratacós y cuando no, se ha ido als Encants y no ha pasado absolutamente nada.
El cuestionario de Gratacós…
Una prenda imprescindible… La prenda que te puedas quitar rápidamente
Un tejido fetiche… Un brocado multicolor
El color al cual no renunciarías… El rojo
Un diseñador que admires… Brain & Beast
Una regla infalible de estilo… Vestirte a oscuras
Un espacio preferido en Barcelona… En mi casa
Un consejo para que los que empiezan… Que se espabilen
Tu ‘leitmotiv’… Todo es una mierda pero una vez la asumes, ya está
